Hydrophone

Tangente#8 : Bandes originales.

Marion — 2023-02-17T14:48:47Z

Cela fait déjà quelques années que les séries ont rejoint voir même supplanté le cinéma en termes de d'inventivité de création, d'écriture, d'impact émotionnel. Elles remportent une adhésion populaire exponentielle.

Vues comme des succédanés télévisuels il y a encore 15 ans, elles se sont multipliées et ont fini par attirer les grands noms des réalisateurs, les acteurs stars du box-office ou en recherche de crédibilité nouvelle. Certaines suscitent des attentes frénétiques au rythme de teasers sensationnalistes des mois à l'avance tout comme pour le cinéma.

Certes depuis la naissance de la télévision des acteurs s'y sont révélés (Clint Eastwood, Steve Mc Queen, des réalisateurs Spielberg, Hitchcock. Mais la série était surtout envisagée comme un tremplin vers le grand monde mythique du Hollywood d'alors.

David Lynch avec Twin Peaks est sans doute, au moins symboliquement, l'œuvre télévisuelle qui fut à l'origine d'un changement de paradigme.

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Trente ans après on s'emballe chaque semaine pour des séries à un rythme frénétique en binge watching (quelquefois même en mode accéléré), et comme cela l'est devenu pour la musique et le streaming, le robinet dilue fatalement sans doute sa faculté à lui donner une importance vitale.

Dans ce flot désormais ininterrompu d'images et de sons comme un gigantesque clip vidéo sous l'influence de TikTok ou d'Instagram, les recyclages des tubes de Stranger Things ou du récent Wednesday sont plus commentés que les séries elles-mêmes. Tout cela suinte de plus en plus un marketing qui évince la direction artistique.

Sur Netflix cependant le tout récent film de Noah Baumbach, White Noise tiré d'un roman de Don DeLillo, se termine par une longue séquence chorégraphiée absolument bluffante. De celles qui marquent durablement l'imaginaire de ses téléspectateurs. Elle rappelle un peu les grandes heures des comédies musicales récemment remises à l'ordre du jour par Steven Spielberg avec le remake de West Side Story et Damien Chazelle et son La La Land comme si l'auteur lançait un appel au retour dans les salles.

Ce même Chazelle dont le Babylon de ce début 2023 nous ramène à la genèse de toute cette histoire du son et de la musique au cinéma au moment charnière terrible pour une grande partie des acteurs du passage du muet au parlant.

Ce fut une rupture cataclysmique. Des stars incontournables du muet tombèrent presque du jour au lendemain dans l'oubli, ne sachant pas adapter leurs jeux ; et parfois uniquement en raison du choc des spectateurs entendant la voix insupportable de l'idole subitement dévoilée dans la salle de cinéma.

Bien avant l'arrivée du parlant la musique a joué un rôle indispensable. Il y eu des évolutions passant d'un simple accessoire pour couvrir le son des projecteurs et de la rue, puis pour rassurer les spectateurs dans le noir et enfin pour renforcer l'émotion du spectateur. La présence d'un pianiste souvent, puis du gramophone puis des bandes sons demandées par les réalisateurs. Ceux-ci demandaient couramment à être accompagnés de musiciens sur les plateaux pour imprégner les acteurs de l'atmosphère qu'ils désiraient (on le voit dans Babylon d'ailleurs).

L'arrivée du parlant bouleverse en profondeur l'approche du cinéma. Très vite les producteurs de la Fox ou de la RKO comprennent l'importance des bandes sons et de leur contribution au succès d'un film.

C'est sous l'impulsion d'un autrichien ayant côtoyé Richard Straus et Gustav Malher émigré aux Etat-Unis que les comédies musicales, les westerns et les films noirs vont connaitre leur première apogée dans les années 30 et 40. Il dirige la musique d'Autant En Emporte le Vent, en passant par Casablanca et La Prisonnière du Désert de John Ford. Max Steiner a fixé et imposé les règles de la musique à Hollywood pour des décennies. Il met en place par exemple la technique du Mickey-mousing et qui consiste à ce que la musique suive scrupuleusement ce qui se passe sur l'écran.

Sa composition pour King Kong en fait le premier film dont la critique explique sa réussite en partie pour sa bande originale.

En France, Maurice Jaubert propose une vision à l'opposée, plus expérimentale, impressionniste et moins illustrative, il compose pour L'Atalante de Jean Vigo, René Clair et Marcel Carné.

Miklos Rosza, Oscar de la meilleure musique originale pour La Maison du Docteur Edwards de Alfred Hitchcock en 1946 sera aussi l'un des grandes figures d'Hollywood avant l'avènement des couples parfois plus qu'indissociables qui donneront sur le tard leurs lettres de noblesses à la composition de musique de film.

Alfred Hitchkock et Bernard Herman, Blake Edwards & Henry Mancini, William Friedklin et Lalo Schiffrin, Jacques Demy & Michel Legrand, Georges Delerue et Godard/Truffaud, David Lynch et Angelo Badalamenti et sans doute les plus emblématiques de tous Sergio Leone et Ennio Morricone. Ces compositeurs ne deviendront vraiment des icones de la pop culture qu'au 21ème siècle.

Vont commencer à se succéder des bandes sons reflétant l'air du temps, le jazz dans les années 50 puis la pop easy-listening. C'est à ce moment-là que le rock pointe timidement son nez. Une culture propre à la jeunesse se développe. Et c'est seulement l'avènement du Nouvel Hollywood qui fait rentrer définitivement le rock dans les mœurs du cinéma.

Une grande épopée commence dont nous connaissons à peu près tous les grandes lignes, les grandes auteurs, les classiques.

Attachons-nous plutôt à évoquer des instants plus anecdotiques, certainement, au regard de la grande histoire, au travers d'une histoire parallèle comme il pourrait y en avoir des dizaines.
Mais de celles qui font palpiter nos cœurs de modestes cinéphiles et de petits mélomanes avertis ou non, au son du rock à papa ou des dernières pépites trap ou électro.

Au commencement.

En juillet 1987, lors d'une soirée de l'émission culte La Dernière Séance (de Gérard Jourd'hui, Patrick Brion et présentée par Eddy Mitchell) consacrée à Glenn Ford, star oubliée de l'après-guerre, fut proposé comme un évènement la diffusion du film Graines de Violence de Richard Brooks… Il put apparaitre comme quelque peu désuet pour le jeune spectateur de l'époque fan de Cure par exemple. Pourtant il est considéré comme celui de la première rencontre officielle du rock et du cinéma, celui qui mis le feu aux poudres …

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Nous en sommes aux balbutiements du rock, Elvis Presley n'est pas encore le roi du monde et les studios hollywoodiens ne prennent pas au sérieux cette musique pour ados boutonneux. C'est le fils de l'acteur principal, Peter Ford, 10 ans, qui pousse son père à faire écouter à Richard Brooks cette face b d'un 45 tour produit à la chaine pour satisfaire la demande frénétique de nouveautés.
Rock Around the Clock de Bill Halley and the Comets ouvre donc le film. On découvre alors dans les salles de ciné l'hystérie qui s'empare des adolescents. Car pour la plupart c'est la première fois qu'ils ressentent les vibrations, la puissance de cette musique, eux qui jusque-là n'avaient que les transistors et tourne-disques pour horizons sonores…

L'Amérique découvre l'appétence folle des teenagers et l'industrie l'existence d'un filon inépuisable dans lequel s'engouffrer… qui changera complètement notre rapport à la consommation et à la culture.

Le film The girl can't help it (La blonde et moi en français avec Jayne Mansfield), au sommet du box-office en 1956 est d'ailleurs ambivalent. Il regorge de tubes (Little Richard, Gene Vincent) et raconte avec justesse l'envers du décor mais se moque en réalité avec une certaine condescendance du rock ‘n roll…

Dans l'imagerie populaire, James Dean était l'incarnation du gentil rebel, mais, encore aujourd'hui, Marlon Brando et son cuir dans L'équipée sauvage font office de héros Rock ‘n Roll. Pourtant point de rock ‘n roll dans le film, mais à la place une forme d'easy listening jazzy. Trop tôt sans doute.

Et c'est donc bien Elvis qui prend d'assaut Hollywood, incité par son manager, le Colonel Parker, obnubilé par le pactole qui se profile à l'horizon. Avant d'enfiler les perles dans des navets sur les plages d'Hawaii et après quelques rôles où son jeu ne convainc guère, jusqu'à sa présence dans un film de commande nommé Jailhouse Rock. Elvis apparait sous un jour plus ambiguë, montre les affres de la célébrité, des à-côtés peu reluisants du personnage et du circuit et surtout un immense moment d'anthologie avec ce titre Jailhouse Rock et sa chorégraphie qui l'accompagne, que tout le monde a vu 20 fois…

Idoles sur grand écran

Conçus à l'origine pour promouvoir les idoles naissantes désirant elles aussi toucher à ce grand écran qui les fascine et qui s'y sentent autorisées par leur statut, ces films commerciaux dépassent parfois leur cadre étriqué et deviennent des marqueurs des aspirations d'une jeunesse en rupture avec une société empesée.

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En 2021 un formidable documentaire (The Beatles : Get Back) de l'australien Peter Jackson (Les Hobbits) boucle la boucle avec un incroyable et émouvant documentaire pour la plateforme de streaming Disney+ : 13 heures d'une plongée dans la genèse de Let it be.
En 1964 Richard Lester (qui réalisera Superman 2 et 3 dans les années 80), un Américain qui sera considéré un temps comme le cinquième Beatles, va contribuer à ce que ces mêmes Beatles symbolisent définitivement la jeunesse britannique inventive et éprise de liberté…
Le film dont la première à Piccadilly attire 12000 fans et la Princesse Margaret accompagne la sortie d'un album. A Hard Day's night marque alors une nette évolution artistique pour le groupe. Sur l'écran c'est une fiction dans laquelle évoluent quatre Beatles au naturel, annonçant avec humour et subtilité la suite décomplexée du groupe...
« It's been a hard day's night » est en fait une phrase lancée par Ringo Star un soir de grosse fatigue sur le tournage. Lennon en fait en chanson le soir même.

À la fin de la décennie suivante, Rude Boy comme indiqué sur l'affiche est consacré à The Clash et aux années punk. C'est à la fois un documentaire puisqu'il capture lors de tournées la vie des Clash, et une fiction puisque vue par les yeux de Ray Gange (Rude Boy) personnage inventé, archétype du punk nihiliste de l'époque et fan enrôlé comme roadie. On y voit le quotidien de deux stars naissantes en contradiction parfois avec les postulats du punk...

Le film dépasse cependant largement sa fonction première pour devenir en filigrane un formidable témoignage de la situation économique dramatique du Royaume-Uni, et des violences sociales et politiques qui traversent l'époque au son des titres de Joe Strummer et Mick Jones… Un peu comme si Ken Loach avait filmé le punk.

En 1984, et en quête de reconnaissance international à l'ombre de Mickael Jackson qui règne sans partage sur la pop, Roger Prince Nelson décide lui aussi de s'attaquer au cinéma. Il sait qu'il possède des titres puissants et que l'image est un enjeu impératif et décisif. Prince prépare un album qui fera office de B.O à un film semi-autobiographique romancée, avec une intrigue banale pour prétexte. Le film remporte un vif succès et alors que MTV prend le pouvoir, les vidéos extraites du film y tourneront en boucle. La poignante chanson Purple Rain trustera les charts mondiaux.

pop music.

Un groupe comme Goblin groupe italien progressif du milieu des années 70 doit l'essentiel de sa renommée encore aujourd'hui à la B.O. géniale, irrévérencieuse et abrasive de Suspiria en 1977, et aussi au succès populaire de Giallo de Dario Argento. Le retour de flamme de ce dernier lors des années 2000 a aussi fait resurgir dans l'actualité le groupe qui recommencera même à se produire en concert.

Mais le véritable premier album composé directement et en étroite collaboration pour un film fut sans doute l'œuvre de Pink Floyd.

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Le groupe bénéficie déjà d'un succès d'estime naissant lorsque le groupe accepte la proposition du réalisateur Barbet Schroeder pour son tout premier long métrage, More. Lui-même sera présent avec le groupe en studio. C'est paradoxalement presque contre le gré de ses membres que le disque, produit en quinze jours, fut un succès commercial.
Artistes exigeants et aux egos bien développés ils travaillaient en parallèle d'arrache-pied depuis des mois sur un autre album et en furent un peu vexés.
Cela n'arrangera pas leurs relations avec le cinéma. Suivirent les échecs avec Jodorowski pour Dune, Antonioni pour Zabriskie Point, puis le film fascinant et boursouflé The Wall piloté par le duo Roger Waters / Alan Parker. Quadrophonia transposition d'un opéra rock des Who sorti à la même période fut lui en revanche franchement convaincant.

Pléthores de B.O plus ou moins emballantes ont depuis vu leur compostions mises entre les mains des artistes pop à la mode… Plus tard à la fin du siècle, le hit Playground Lovers de Air pour Virgin Suicide de Sofia Coppola par exemple séduira au-delà du public du film.

Sur un registre plus exigeant et expérimental Jonny Greenwood, guitariste et claviériste hors pair d'un Radiohead, alors au sommet de sa gloire, se découvre un talent de compositeur de musique de film et signe un coup de maitre pour le There Will Be Blood du très perfectionniste Paul Thomas Anderson. Son atmosphère oppressante doit beaucoup à une musique dissonante et répétitive qui n'est pas sans rappeler Dead Man de Neil Young. Inspiré par les minimalistes et les expérimentaux du XXème siècle, Greenwood enchaine les B.O. et les récompenses depuis en s'affranchissant totalement du format pop.

Film drôle, hédoniste et exalté avec cet esprit belge inimitable, Belgica oscille entre drame et comédie humaine. L'auteur de La Merditude des Choses à la bonne idée de confier la bande originale aux frères David et Stephen Dewaele, qui œuvrent habituellement sous les noms de Soulwax ou 2 Many dj's, orfèvres incontestées en matière de production de mixes et de connaissance des clubs. Ces enchainements de titres originaux épatants sont indispensables au film…

Dans toute la filmographie de Jim Jarmush les musiciens venus du jazz, du rock sont omniprésents au détour d'une scène, comme acteur avec John Lurie dans Stranger Than Paradise, ou Tom Waits en conversation dans un bar, ou encore en compositeur comme Neil Young pour Dead Man…

Mais le choc esthétique fut grand en 1999 quand sorti Ghost Dog. Non seulement Forest Whitaker est éblouissant mais la B.O Signée de RZA du Wu Tang Clan, éclabousse de sa classe les années 90. « C'est le Jimi Hendrix de sa génération, le Thelonious Monk du hip-hop. » déclara Jarmush..

Dans le sens inverse des compositeurs du XXIème siècle que sont Max Richter, Jóhann Jóhannsson, Nils Frahm se sont révélés au grand public grâce à leur travail sur les séries et les films.

Sur le vif.

Des centaines de documentaires, des "rockumentaires" sont produits depuis 40 ans, encore plus depuis l'avènement des chaines câblées.
Quelques réussites surnagent, comme le Get Back de Peter Jackson ou des évocations sur le vif comme Cocksucker Blues pour les Rolling Stones, d'ailleurs longtemps censuré. Mais généralement on s'ennuie ferme.

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A New-York et Londres sur une courte période de 77 à 82 ont cependant vu le jour quelques magnifiques œuvres. Il y eu par exemple le Jubilee de Derek Jarman pour ses parties documentaires saisissantes, mais peu de films témoignent de manière aussi vibrante de vérité que The Blank Génération ou The Decline Of Western Civilization sur l'effervescence de brèves bulles artistiques, hors du temps.

Le CBGB, Patti Smiths, les Talking Heads, les Ramones, les NY Dolls, Tom Verlaine, Richard Hell, Blondie, les quartiers sordides, les drogues, l'urgence, les chocs musicaux, les fulgurances... « I belong to The Blank Generation » comme le chantait Richard Hell : tout est là dans le précieux film D'Amos Poe.
Dans The Decline of Western Civilization, Penelope Spheeris décrit de la même façon la scène punk violent et chaotique de Los Angeles : Black Flag, Germs, X…

Downtown 81 ne sortira au grand jour qu'en l'an 2000 mais c'est pour la même ville que Edo Bertoglio filme parallèlement la genèse du hip-hop, autour du peintre Jean Michel Basquiat figure à la fois centrale et marginale des milieux artistiques new-yorkais. Il n'est alors pas si rare que les rockers du CBGB côtoient les rappeurs du Bronx ou de Harlem.

Wild Style considéré comme le premier film hip-hop est remarquable de précision sur les prémices de la cette scène. Un vague enrobage fictionnel met en lumière les Fab Five Freddy, Lee Quinones, Lady Pink, The Rock Steady Crew, The Cold Crush Brothers, la Zulu Nation, Grandmaster Flash, les Block parties, le graff. Ce Wild Style fut fondamental pour la diffusion de la culture hip-hop…

Par procuration.

Ces trois films en prenant les points de vue de l'animateur radio passionné, du disquaire érudit et du journalistes en herbe, caractérisent la fascination qu'exerce le monde du rock sur leurs auteurs, leur passion pour une musique qu'il ne peuvent qu'admirer ou toucher du bout des doigts.

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High Fidelity est tiré du roman de Nick Hornby (dans Fever Pitch il déroule sa ferveur pour son club de foot Arsenal). C'est une rom com banale mais qui raconte de façon hilarante et attachante la vie d'un disquaire dévoré par sa passion. Elle décrit scrupuleusement la sociologie du disquaire et son penchant un peu vain de la collectionnite et de l'érudition, qui le condamne finalement à la solitude…
Le personnage interprété par un Jack Black plus vrai que nature que beaucoup jureraient avoir rencontré un jour chez son disquaire vaut le visionnage du film à lui seul.

Qui n'a jamais rêvé d'être le John Peel de sa génération ? Dans Pump up the Volume on se prend d'affection pour le héros introverti que l'on aurait peut-être voulu être au lycée en se déchainant derrière le micro de sa radio pirate, luttant contre la censure des contrées conservatrices armé de toutes ces musiques alternatives (cette scène au son du Wave of Mutilation (uk surf) des Pixies…).

Au-delà de l'éternelle révolte adolescente, ce Pump Up the Volume rend hommage à ces fameuses collèges-radio qui ont propulsé les destins de tant de groupes : REM, Beastie Boys, le grunge, la power pop des Pixies, Husker ou Nada Surf... Il remet aussi au gout du jour pour toute une génération, Leonard Cohen, figure du commandeur du poète folk impassible.

Plus tard le film Good Morning England rendra hommage aux radios pirates comme Caroline sur un ton plaisant mais anecdotique.

Almost Famous provoque des sentiments mitigés : film délicieux au gout doux-amer pour certains aspects, il loupe malheureusement un tantinet le coche en ne faisant qu'effleurer les questions que posent les comportements débridés et outranciers d'une aristocratie rock, qui paraissent, vue des années 2020, incompréhensibles et repréhensibles pour ce film semi-autobiographique.

Cameron Crowe démarra à 15 ans comme journaliste à Rolling Stone. Il a donc côtoyé tout ce petit monde et connait bien la scène rock des années 70. Il se remémore ces instants en inventant un groupe, Stillwaters, censé condenser les vies de plusieurs des idoles de l'époque. En fait, le mérite du film est sans doute de faire apparaitre sous les traits du génial Philip Seymour Hoffman le critique Lester Bang considéré comme l'alpha et l'oméga du genre. Ce qui mis en émois toute la frange de fans nourris a la cuture de la critique rock…

Citons en complément le petit film sans prétention mais irrésistible : Rock Academy où Jack Black fait feu de tout bois en tant que professeur de rock dans une école privée pour transmettre et donner les codes de tout bon groupe de rock pour casser les codes…

Ennio.

Tout a été dit mille fois sur Ennio Morricone, statue du commandeur de la musique de film, mais il fut aussi un certain temps méprisé par ses pairs.

Depuis la fin du 20ème siècle. il est donc littéralement adulé et est devenu une pierre angulaire de la pop culture, remplissant lui-même les zéniths lors des tournées triomphales à guichets fermés à travers le monde entier. Il a évidemment influencé bon nombre d'artistes dans le monde de la pop musique. Nous n'en ferons pas l'exégèse mais citons deux anecdotes croustillantes à propos de ses musiques.

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Si on en a le souvenir ou si on a la curiosité d'aller jeter une oreille sur le générique de La Folie des grandeurs (avec Louis De Funès sur une musique de Michel Polnareff) puis d'aller se ensuite se passer le thème intitulé La Horde Sauvage pour le film Mon Nom Est Personne on y trouvera quelques similitudes.
Le Maestro a déclaré s'être inspiré de La Chevauchée des Walkyries de Wagner mais peut-être a-t-il aussi été guidé, largement, sans trop le clamer, par cette composition de Polnareff, pour la légèreté de la mélodie par exemple… Le même Polnareff rendait avec ce titre évidemment hommage à l'une de ses idoles. Boucle bouclée.

Le thème A chapel shootout de la bande originale de Et pour quelques dollars de plus est en partie à l'origine du tube Blue Monday de New Order. Sa ligne de basse est ainsi adaptée, en accéléré, par Peter Hook le bassiste du groupe. Elle est devenue celle de l'un des morceaux emblématiques la musique électronique et le maxi 45 tours le plus vendu de l'histoire...

D'ailleurs ce même groupe demanda à Ennio Morricone de produire un album entier mais il refusa, ne voulant pas s'abaisser à produire des groupes de pop à la mode. New Order publia ensuite un titre de 17 minutes Elegia directement inspiré par ce même film.

Le groupe confia un peu plus tard la réalisation de la remarquable vidéo de l'un de ses singles The Perfect Kiss au réalisateur Jonathan Demn (Le Silence des Agneaux) en faisant appel à Henri Alekan, alors âgé de plus de 75 ans, chef de la photographie de, entre autres, La Belle et la Bête de Jean Cocteau en 1946. Alekan finissait dans le même temps son travail sur Les Ailes du Désir de Wenders en éclairant Nick Cave et ses Bad Seeds…

Le même Jonathan Demne n'en était pas à son coup d'essai : auteur d'un concert filmé des Talking Heads (Stop Making Sense) dont la vidéo Once in a Lifetime d'une intensité rarement égalée et diffusée lors du jour inaugural de MTV est conservée au Moma. Jonathan Demne offre aussi au groupe indé culte The Feelies d'apparaitre dans Dangereuse sous tout rapport (l'un des meilleurs rôles de Mélanie Griffith) pendant la scène de bal…

Blow up

Blow up au-delà du chef d'œuvre d‘Antonioni, c'est aussi une scène d'anthologie : l'une des premières représentations réussies d'un groupe de rock en live, les Yardbirds, en l'occurrence, filmés au plus près dans un fameux club underground du Swinging London, le Ricky Tick. On y ressent l'intensité et la rage de Jimmy Page et Jeff Beck devant un public de jeunes branchés, les mods, figés et éberlués et en complet décalage…

Le film en lui-même annonce déjà les impasses et les contradictions de cette jeunesse londonienne révoltée mais déjà happée par le business.

C'est Spinal Tap

Le premier véritable film se moquant férocement de la vie des nouvelles idoles milliardaires du rock fut l'œuvre, au milieu des années 70 du Monty Python Eric Idles. Il créa The Rutles pour la télévision avant d'en faire en 1978 un faux documentaire All you need is cash. Et d'ailleurs puisqu'il s'y' reconnu facilement, le Beatles Georges Harrison au sens de l'humour développé finança ensuite le film La Vie de Brian des Monty Python.

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Quelques années plus tard en 1984, Christopher Guest accompagné de Harry Shearer et Mickael McKean lance le groupe Spinal Tap groupe de Heavy Métal comme il en existe d'innombrables au Royaume-Uni à l'époque. Il apparait dans un premier temps à la télévision pour très vite propulser les aventures du groupe sur grand écran. This is Spinal Tap est une parodie du circuit rock heavy métal et progressifs des années 70 et en mème temps des rockumentaires boursouflés et hagiographiques qui commencent à se multiplier.

Le film raconte concrètement une tournée se transformant en désastre et enchaine scènes et dialogues d'anthologie désopilants entrés dans la mémoire collective au point qu'on les jureraient authentiques... En réalité le succès de film se fit par l'intermédiaire des vidéoclubs et des VHS passant de main en main.

Son titre est aussi devenu une expression populaire sarcastique (c'est Spinal Tap) utilisée régulièrement aujourd'hui pour décrire certaines situations qui pourraient se confondre avec la fiction.

L'héritier direct de Spinal Tap fut sana aucun doute Wayne's World mais changement d'époque, avec pour héros, des fans affalés sur leurs canapés devant la télévision.

The Harder they come

Il y eu les films de Gordon Parks, Superfly et Shaft, la fameuse Blaxploitation et les titres intemporels de Curtis Mayfield et Isaac Hayes…

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Et il y eu The Harder they Come de Perry Henzell avec le chanteur Jimmy Cliff pour principal acteur, et un premier film tourné en Jamaïque dévolu au reggae.
Le film vaut pour sa bande originale avec des titres chantés par Jimmy Cliff (Many rivers to cross) mais aussi pour ses classiques comme Pressure Drop des Toots & the Maytals, entre autres…

Jimmy Cliff surfera ardemment sur ce film pour accéder à la notoriété et au succès dans la variété internationale avec la consécration et le tube Reggae night dans les années 80...

Nouvel Hollywood

À la fin des années 60 les premiers films sous influence de la contre-culture voient le jour. Et biberonnés au flower power et à Woodstock, des cinéastes en herbe ou improvisés se lâchent.

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Easy Rider symbolise ce nouvel esprit, le road-trip, les hippies, les drogues, et le rock... Combien de fois avons-nous entendu le Born to be wild de Steppenwolf mis à toutes les sauces pour illustrer la soif de liberté, la route…

En tout cas Dennis Hopper lance les dés et des réalisateurs qui ont baigné dans ces musiques vont mettre un point d'honneur à en truffer leurs films.

Sur la côte Est, bien avant Tarantino, Martin Scorsese juge indispensable de donner une place dans ses longs métrages aux musiques contemporaines de l'action, qui influencent même sa mise en scène. Mean Streets, avec l'utilisation de Be My Baby des Ronettes ou du Jumpin' Jack Flash des Stones inaugure merveilleusement le long chemin de vie commune de Martin Scorsese avec le rock et la musique.

À Los Angeles autre enfant prodige, Francis Ford Coppola signe le coup parfait avec un Apocalypse Now impressionnant et vécu comme une claque à sa sortie. Qui entend La Chevauchée des Walkyries de Wagner pense immédiatement aux hélicoptères fonçant balancer du napalm sur les villages du Vietnam.
Coppola en fait un hit rock. Qui entend The End des Doors pense à Marlon Brando et Martin Sheen cauchemarder dans la jungle... L'alignement de tubes pop tout au long de ce trip sous acides en font l'une des plus incroyables bandes originales du 20ème siècle.

Cinéastes rock.

En 1987, Wim Wenders est déjà un cinéaste réputé de l'underground berlinois. Il y côtoie depuis longtemps la scène musicale foisonnante et radicale, (notamment Blixa Bargeld et son groupe Einsturzende Neubaten) qui attire sans cesse de musiciens de tous horizons. Bowie y a retrouvé la flamme artistique en compagnie d'Iggy Pop.

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Dans Les Ailes du Désir, Palme d'or à Cannes, Nick Cave et ses Bad Seeds avec Blixa Bargeld, sont omniprésents. Une séquence de concert va largement contribuer à faire connaitre Nick Cave au-delà des cercles d'initiés, à de nouvelles générations d'adolescents curieux que le From Here to Eternity chamboula. Pour Nick Cave ce n'est que le début d'une longue histoire avec le cinéma.

Hal Hartley est un peu le cousin d'Amérique de Wenders. Le New-Yorkais totalement immergé dans la scène musicale de sa ville ne se gêne pour intégrer la crème de l'indie rock dans ses films : Sonic Youth, PJ Harvey, Pavement, My Bloody Valentine …
Dans Simple Men, outre le Kool Thing de Sonic Youth, il signe sous le pseudo de Ned Rifle une splendide bande son en compagnie de ses amis et néanmoins prodigieux Yo La Tengo.

Une B.O tarantinesque. L'expression courante dit tout. Quentin Tarantino s'approprie presque l'idée de la B.O. à part entière. De Reservoir Dogs le premier, à Il était une fois Hollywood, ses films regorgent de pépites à découvrir, redécouvrir. Un régal absolu jusqu'à l'indigestion parfois…

Pour son onzième long métrage, Only Lovers Left Alive, Jarmush nous plonge au cœur du quotidien d'un couple de vampires dont l'un est musicien et ce durant plusieurs siècles. Entre le Dracula de Coppola et les errances urbaines à la Jarmush, il est impossible de dissocier cette romance gothique de la musique de Josef Van Wissen, pesante, sombre, mélancolique et poétique à souhait.
Si SQÜRL groupe expérimental dont Jarmush est le guitariste et compositeur, est aussi très présent, le luth de Josef Van Wissen sonne terriblement juste. Il obtient sans discussion possible le prix de la meilleure musique originale au Festival de Cannes en 2013.

D'ailleurs quand Josef Van Wissen donnera un concert ici à Lorient au sein de la petite Chapelle St Christophe un soir d'hiver, tout dans son attitude avant et pendant le concert donnera l'impression d'un personnage directement échappé du film…

Menace II Society est la première œuvre cinématographique des frères Hugues en 1993.
Ils y affirment pour la première fois une ambition politique et sociale qui dénonce les violences du ghetto, le racisme, la pauvreté, les ravages des drogues et de son trafic.

Certes, il y eu deux ans avant le Boyz N the Hood de John Singleton. Et encore auparavant la comédie Do The Right Thing de Spike Lee dans lequel sonne avec fracas les premières incursions du hip-hop avec la bombe Fight the Power de Public Enemy.
Mais les frères Hugues, avec une bande son irréprochable font de Menace II Society une référence à la fois revendicatrice et convaincante pour le grand public.

L'industrie s'empare ensuite du phénomène. Le hip-hop va prendre le pouvoir dans l'industrie du disque et infiltrer la plupart des bandes sons du cinéma.

Deux belles réussites 8 miles de Curtis Hanson pour Eminem en 2008 et Straight Outta Compton pour N.W.A en 2015 vont accompagner ce mouvement inéluctable.

Fight Club

Black Francis ex-leader des Pixies, est au creux de la vague après la séparation douloureuse du quatuor en 1994, notamment en raison de sa mésentente avec Kim Deal qu'il jalouse, elle qui a trusté les charts mondiaux avec les Breeders et Cannonball.

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Car les Pixies, groupe de rock indé américain, ont certes collectionné les dithyrambes, rempli les salles et vendu des albums mais en définitive ils n'ont fait qu'effleurer la gloire.

Frank Black balance alors des albums à la pelle plus ou moins bâclés. Les rêves de gloire ont l'air d'être derrière lui… Il traine son spleen sur les scènes d'Europe mais en ce début de 21ème siècle, lors de ses concerts sur les festivals d'été, en plein air il joue Where is My mind, (morceau de Surfer Rosa,premier album du groupe sorti en 1988) et il voit le public le reprendre en cœur dans une sorte de communion extatique. Et lui de se laisser submerger par l'émotion…

Lors de l'un de ses concerts en France en 2001, il avouera dans les loges son étonnement. Et on lui montrera après le concert les images filmées pour Arte, les gamins chanter.

Tous avaient dû ressentir les mêmes émotions devant le Fight Club de David Fincher, film culte, source de polémiques et échec commercial, pour cette scène d'anthologie dont Where is my mind en a fait le sel… Et que d'ailleurs la plupart découvrirons plutôt en DVD.
Le retour de flamme se confirme, Black Francis reforme alors les Pixies sans Kim Deal en 2001 pour des tournées triomphales qui se prolongent encore aujourd'hui.

Une version au piano aura les honneurs de la remarquable série fantastique multi récompensée The Leftlovers à partir de 2014.

Garden State

À l'origine petit film indépendant type Sundance ce Garden State va connaitre un succès surprenant par la présence solaire et épatante de Natalie Portman. Il va aussi permettre à The Shins groupe de pop indé d'Albuquerque au Nouveau Mexique à la renommée toute relative, inspiré par les Smiths et destiné au public des fans américains de Belle & Sebastian, de se construire une improbable carrière internationale.

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« Écoute ce titre, il va changer ta vie », New Slang va devenir un hymne par la magie d'une scène où Natalie Portman encore jeune star en devenir, fait écouter dans son walkman cette chanson à son voisin et fait fondre la totalité des cinéphiles ayant assisté à la projection du film.

The Shins et James Mercer son leader changent de statut, 3 ans après la sortie de l' album et se retrouvent alors un peu désarçonnés à remplir des salles et à devoir le promouvoir alors qu'ils viennent de sortir le deuxième, Chute to Narrow. Ils rencontrent le succès jusqu'en Europe et attirent la foule même en France, l'Elysée Montmartre en lieu et place de la Boule Noire et ses hipsters indie rock.
Presque 20 ans après la sortie de ce film, cette scène, ce morceau n'ont rien perdu de leur fraicheur.

Il existe des dizaines d'autres cas bien sûr. De Mr Robinson et The Sound of Silence qui ont bien aidé Simon & Garfunkel a connaitre un succès planétaire, au One hit Wonder d'Urge Overkill, avec une reprise de Neil Diamond Girl, You'll Be a Woman Soon, pour Uma Thurman et John Travolta dans Pulp Fiction.
Ou bien le Street of Philadlephia de Bruce Sprinsteen pour Philadelphia (Jonathan Demne), énorme succès critique et commercial contribuant à relancer la carrière du boss et lui donner une image plus moderne.

Teenage kicks.

Don't You Forget About Me, tube interplanétaire de Simple Minds : sans doute ne reste-t-il que cela dans les mémoires de ce Breakfast Club, production du milieu des années 80, pour la plupart de ceux ont dû la voir à la télévision plus qu'au cinéma. Le groupe écossais ne fut pas toujours très à l'aise avec ce titre. Il refusa même un temps de le jouer en concert. A l'origine le titre fut proposé à Bryan Ferry puis à Billy Idol qui ne donnèrent pas suite alors que Simple Minds déclina avant finalement de céder…

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Derrière cette histoire écrite et réalisée par John Hugues, le monsieur teen movie américain, celle d'une journée de colle pour 5 lycéens aux profils archétypaux, le film aborde subtilement les questions existentielles de l'adolescence de manière beaucoup moins superficielle qu'il n'y parait… Les dialogues sont remarquables.
En l'associant à Pretty In Pink, écrit par le même John Hugues et avec une merveilleuse B.O comprenant des classiques de Psychedelic Furs, New Order, Smiths ou Echo & The Bunnymen, cela ressemble tout simplement à une sorte de sainte trinité du genre.

Teenage apocalypse trilogy, voilà comment Gregg Araki décrit cette suite composée de Totally F***ed Up (1994), The Doom Generation (1995) et donc Nowhere. Le décor est bien planté et bien éloigné d'American Graffiti, Breakfast Club ou Pretty in Pink. Ce Nowhere est aussi le plus maitrisé des trois films.
C'est une sorte de Beverly Hills psychédélique, un voyage halluciné d'adolescents paumés entre comportements destructeurs, quête de sens et ambiance de fin du monde. Les accointances avec Bret Eston Ellis et ses romans Moins que Zéro et Les lois de l'attraction sont nettes. La musique élément central de la vie de ces ados souligne parfaitement son époque et en fait le premier film « shoegaze ».
Slowdive en ouverture donne le ton. La série Euphorie pourrait faire office d'héritière directe des années 2020.…

Certaines fois l'adéquation entre un film et certains titres de sa bande originale ayant pourtant connu leur propre vie, se marient tellement comme une évidence, qu'ils y restent à jamais liés. Donnie Darko, premier film de Richard Kelly (qui réalisera plus tard le déjanté et culte Southand Tales) appartient à cette catégorie.
Les scènes au son de The Killing Moon de Echo & The Bunnymen, ou de Under the Milkyway de The Church sont particulièrement abouties. Mais ce teenage movie à l'atmosphère sombre et fantastique, entre David Lynch et Philip K.Dick, très lointain cousin des films de John Hugues deux décennies plus tôt, raconte l'adolescence et ses tourments face à un monde passif, mais aussi la schizophrénie, l'élasticité de l'espace-temps entre autres.

Premier rôle remarqué de Jake Gyllenhaal, futur Superman, il est perçu comme hermétique à sa sortie pour finir par rencontrer un public, notamment en Europe, après 2 ans de bouche et oreille. Sûrement aussi grâce à cette scène bouleversante de la fin du film au son d'une reprise sublime de Tears For Fears, Mad World, chantée par Gary Jules et arrangée par Michael Andrews auteur de la totalité de la bande son.

Récemment à l'occasion d'un live a la télévision britannique pour leur retour discographique Tears For Fears jouait ce titre. Le présentateur remercia ensuite en direct, le groupe pour cette belle reprise, ne sachant pas, qu'ils en étaient les véritables auteurs. Confusion pardonnable, car récurrente, pour une grande partie du public aujourd'hui.

Biopics

S'il y a bien une catégorie dont l'industrie du cinéma raffole c'est la biographie de star, en général morte et enterrée. La tendance s'est accentuée depuis 2000 en pleine vague rétromania, mais depuis 40 ans de très nombreux biopics de stars du rock ont vu le jour, le plus souvent pour un résultat décevant, convenu ou insipide car sous la coupe des maisons de disques, des producteurs ou des ayant droits.

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Certes, des réussites il en existe quelques-unes : The Rose (fortement inspirée par la vie de Janis Joplin), Walk The Line sur Johnny Cash, Bird et Honky Tonk Man de Clint Eastwood, Control de Anton Corbjin ou le très sous-estimé Love & Mercy de Bill Pohlad, mais ils font plutôt office d'exception.

On pourrait y ranger 24 hours Party People, une comédie sortie en 2002, réalisé par Michaël Winterbotton en compagnie de Frank Cottrell Boyce à l'écriture, passée sous les radars en dehors de l'Angleterre mais présentée au festival de Cannes.
Cette petite production sans réelle prétention initiale est consacrée à la vie et l'œuvre de Tony Wilson personnage central fantasque, charismatique, entrepreneur et présentateur de Granada TV, à Manchester dans les années 70 et 80. Il présenta ainsi une émission où se produisirent tous les groupes punk et post-punk de l'époque parfois pour leur première fois.

Le titre du film à lui seul résume totalement la vie autour du label Factory, de la Hacienda et la naissance de cette fameuse scène de Manchester qui va essaimer à travers le monde. 24 Hours Party People contextualise d'une manière nouvelle, décalée à l'humour tout mancunien, et finalement plus réaliste, le mythe, de la triste Angleterre du nord sinistrée des années Thatcher jusqu'à l'explosion madchester.

De l'aveux même des témoins et protagonistes de l'époque, le film reproduit assez fidèlement toute cette histoire, ses tragédies, ses absurdités cette impression de frénésie incontrôlable qui mènera tout ce petit monde plus ou moins à la ruine.

The Runaways le film est signé par la vidéaste talentueuse Floria Sigismondi. Elle dirige un casting de haut vol (Kristen Stewart, Dakota Fanning et Michael Shannon) à partir de l'autobiographie de Cherie Curry, Neon Angel.

Tout le monde connait I love Rock n Roll de Joan Jett & the Blackhearts (une reprise de The Arrows), personne (ou presque) en Europe ne connait The Runaways… Aux Etats unis et même en Asie le groupe a connu cependant son heure de gloire.

À l'origine, The Runaways est monté par le redoutable producteur Kim Fowley qui voit le potentiel commercial de ce qui n'est qu'un girl's group épousant les fantasmes des rockeurs sur les groupies omniprésentes autour des groupes. Mais Cherry Curry et Joan Jett, s'inspirant de l'anglaise Suzi Quatro vont pervertir le groupe de l'intérieur et finalement en faire un combat féministe et une ode à la libération sexuelle qui ne se l'avoue pas.

De nombreuses américaines vont se reconnaître dans ce parcours chaotique et il est probable que Les Bangles, les L7, la scène des riott grrrls auront en mémoire ce Cherry Bomb plein de vie et d'espérance pour se lancer à leur tour.

I'm Not There (titre d'une chanson de Dylan) transcende l'idée même de biopic.

Superbe trouvaille de Todd Haynes déjà auteur du très sous-estimé Velvet Goldmine, le rôle de Bob Dylan est joué successivement par 6 acteurs et actrices. Au travers de ces incarnations sont interprétées différentes périodes de la vie pleine de mystères d'un songwriter omniprésent durant plus 50 ans en construisant qui plus est une œuvre esthétiquement parfaite. Cate Blanchett métamorphosée est fabuleuse et le film est d'une justesse magistrale et d'une énergie folle.

Dig !

Présenté à Sundance en 2004, où il fut d'ailleurs primé, Dig ! est un documentaire retrace les destins croisés de deux groupes de la scène rock psychédélique de Los Angeles durant 7 années. Ce qui en fait sans aucun doute l'un des témoignages les plus saisissants de la vie tumultueuse d'une vie de groupe : The Dandy Warhols et The Brian Jonestown Massacre.

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Des excès en tout genre, des tournées interminables, des moments d'ennui, des concerts ratés, des angoisses artistiques, des questions existentielles, des déboires en tout genre, tout de ce que l'on imagine de la vie de la rock star underground à la recherche des sentiers de la gloire.

Le film raconte surtout la rivalité des deux leaders, frères ennemis, Anton Newcombe et Courtney Taylor. Ce dernier avec les Dandy Warhols, n'hésite pas une seconde à faire des concessions pour percer. Alors qu'avec son BJM, Anton Newcombe passe pour l'artiste intègre et radical qui attire les faveurs du spectateur.

D'autant plus qu'au succès critique s'ajoute le succès public avec pour conséquence inéluctable de brouiller les deux rivaux, alors qu'Anton Newcombe reprochera publiquement au réalisateur d'insister sur son côté destructeur.

On peut s'interroger cependant sur certains aspects du doc un poil manichéens, et même très scénarisé. Car Il n'y a pas si longtemps des langues se sont déliées, des versions différentes de la genèse du film se sont opposées.Le vrai du faux ? On n'en saura pas plus mais presque 20 ans après les Dandy Warhols ont quasiment disparu de la circulation, en subissant quelque peu les sarcasmes alors que BJM surfe sur le succès et possède une aura immense dans le milieu rock alternatif international…

Sugar Man, sur la vie du musicien oublié Sixto Rodriguez, film documentaire oscarisé et dont le succès eu une tout autre ampleur est lui aussi sujet à caution car comportant une bonne part de fiction.

Anvil the story of Anvil suit un peu les traces de Dig pour l'esthétique heavy metal avec de faux airs de Spinal Tap pour de vrai.

Nick Cave

Du rapport de Nick Cave au cinéma on pourrait presque écrire un livre, tellement il croise sa route depuis ses débuts à la fin des années 70. Il a multiplié les apparitions, les bandes sons. Et peut-être que la seule comparaison possible serait David Bowie.

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À partir de cette incroyable séquence de concert dans Les Ailes du Désir, il devient un compagnon de route de Wenders. Il va aussi multiplier les collaborations en tant qu'acteur, du rôle principal dans The Ghost of The Civil Dead à celui de troubadour dans L'assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford avec Brad Pitt, il irradie l'écran.

Concernant sa musique, seul ou en compagnie de son binôme, le magicien Warren Ellis, il laisse une empreinte presque sans équivalent ces 20 dernière années du moins dans l'univers du cinéma et de la série : de son Red right hand ouvrant chaque épisode de Peaky Blinders à la B.O de Shrek2 ou une belle scène dans Harry Potter…

Avec Ellis il produit une multitude de scores dont les sommets incontestables The proposition en 2005 ou l'impressionnante pièce pour The Road de John Hillcoat avec Viggo Mortensen. Il écrit même une fantastique chanson qui accompagne un vol de canards dans un documentaire animalier de Jacques Perrin...

20000 jours sur terre n'est pas le premier documentaire sur Nick Cave, ni le dernier. Skeleton Tree enregistré après le décès de son fils est totalement bouleversant. Mais cette docufiction est scotchante de bout en bout.

Dans ce film très atypique, Nick Cave joue le rôle d'un Nick Cave très proche mais la très légère part de jeu lui donne tout son relief. On assiste au quotidien du rocker : on le voit au réveil, au petit déjeuner, chez le psy et surtout au piano en studio en plein work in progress avec des parties musicales fabuleuses…

Désordres

En 2007, est sorti un remarquable biopic, de Anton Corbijn sur la vie du chanteur de Joy Division, Ian Curtis à partir du livre de Deborah Curtis son épouse et de sa propre expérience puisqu'il côtoya le groupe en tant que photographe. à cette époque la notoriété de Joy Division s'est déjà largement échappée de l'obscurité.

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21 ans plus tôt, en 1986, Olivier Assayas se présente avec son premier long métrage : Désordre. Au travers des vies, des émois et des vicissitudes, des drames de jeunes adultes romantiques montant un groupe de rock.
Leurs espoirs finissent broyés par les effets de la mainmise croissante de l'industrie du disque sur le rock au milieu des années 80. Wadeck Stanczak l'un de protagonistes principaux avec notamment Lucas Belvaux, apparait dans un rôle ouvertement inspiré de Ian Curtis. Traduction du titre du film : Disorder, une chanson de Joy Divison.

Olivier Assayas ne cessera de truffer ses films de morceaux et de références à ses gouts musicaux jusqu'à cette année ou dans la série Irma Vep qu'il réalise pour HBO, on voit soudainement Thurston Moore (ex-leader de Sonic Youth), l'un de ses artistes fétiches, surgir furtivement d'un placard avec son groupe et lancer quelques riffs de guitare. Un caméo complètement hors sol et que seuls les yeux avisés vont repérer…

Les experts

Le métier de superviseur musical n'est certes pas nouveau mais l'ère des experts venus du monde de la pop prend de l'ampleur au cours des années 2000.

On passe ainsi d'une pratique qui consistait pour les maisons de disques à placer le maximum de titres bankables, à un travail artistique minutieux.
Comme curateurs ils vont nouer des relations étroites voir fusionnelles avec les cinéastes pour deviner les désirs de ces derniers. Mais revers de la médaille, la pratique va devenir peu à peu un enjeu, une stratégie marketing, qui finit par en banaliser son usage et en faire un gimmick pop trop évident.

Ces superviseurs proposent les titres de leur discothèques pharaoniques mais se lancent dans la composition. Ainsi Cliff Martinez, le batteur des Red Hot Chili Peppers a probablement plus fait pour le cinéma que pour la musique. En scrutant les génériques son nom apparait quasiment dans un film américain sur deux…

Parmi les maitres incontestés : Trent Reznor, le leader de Nine Inch Nails a supervisé deux des B.O les plus emblématiques de la fin des années 90 : Lost Highway de David Lynch et S7ven de David Fincher.

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De David Lynch on connait son rapport à la musique, sa collaboration avec Angelo Badalamenti. En choisissant Reznor pour Lost Highway qui place outre ses atmosphères musicales, des inédits de Rammstein, le I‘m Deranged de Bowie, Barry Adamson et autres, Lynch trouve l'acolyte idéal pour surligner ce maelström sombre et fantastique ahurissant.

Avec S7ven au-delà de sa B.O dantesque, Trent Reznor démarre une collaboration de longue durée avec David Fincher. Et reconnaissance internationale viendra en 2010 avec la B.O électronique de The Social Network en compagnie de Atticus Ross.

Peu de femmes arrivent à percer pour le moment. Seule la talentueuse islandaise Hildur Guonadottire (pour The Joker) et Mica Levi (Micachu & the Shapes) à la direction artistique de Under the Skin pour sa première B.O se sont fait une place dans le gotha.

Last but not least

Trainspotting film générationnel par excellence, conte les aventures de rent boy (rôle qui révèle Ewan McGregor) et de ses acolytes Sick boy et Spud toxicomanes notoires. Renton cherche à tout prix à s'extirper de son quotidien, recherche ses doses de dope au milieu des banlieues sinistrées d'Edimbourg.
Le film a choqué à sa sortie et notamment lors de sa présentation à Cannes pour la dureté de certaines réalités exposées parfois très crûment.

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Mais le succès du film, tiré d'un roman de Irvin Welsh, a incontestablement bénéficié d'une bande son prodigieuse.
Au-delà des tubes empilés c'est peut-être là que se produit la rencontre du grand public avec la musique électro jusque-là, hors du Royaume Uni, cantonnée à l'underground. Born Slippy titre du duo électro Underworld, réputé mais au succès modeste deviendra l'hymne d'une génération et de toutes les soirées pendant plus d'une décennie.

Cliff Martinez à la production, des nappes synthétiques collant parfaitement au souhait du réalisateur et deux singles typiquement synthwave planante, le Real Hero de College / Electric Youth mais surtout le Nightcall de Kavinsky : voilà la recette pour une œuvre musicale parmi les plus belles et envoutantes des années 2010.
Issu du premier album de Kavinsky, avec un Daft Punk, Guy-Manuel de Homem-Christo à la production bien aidé par Sebastien Tellier, Sebastian et Lovefoxxx au chant, un genre de dream team, la French Touch connait la consécration cinématographique avec Drive.
Plus que l'intrigue, somme toute ennuyeuse c'est cette errance urbaine à l'esthétique Hopper et à l'atmosphère de fureur de vivre sous anxiolytiques surlignées par la B.O. et Nightcall, cette "driving in a city in the middle of the night song", qui prend les tripes…

Dans chacun de ses films Dolan utilise la musique sans complexe, avec une spontanéité renforçant sa capacite inégalable à proposer des scènes débordantes d'émotions souvent plus que poignantes et avec cette impression systématique que les chansons sont faites précisément pour ces scènes. Dans Mommy par exemple cette séquence de Steve sur son skate avec Wonderwall d'Oasis, tube par ailleurs trop entendu sur les ondes, dans ses oreilles est jubilatoire.

Mais dans Les Amours imaginaires (Heartbreaks) on atteint les sommets de l'univers Dolan, surtout avec ces deux chansons : Pass this on de The Knife et Keep the streets empty de Fever Ray.
Elles magnifient et subliment comme rarement l'écriture du metteur en scène, observateur hors pair des émotions et de leur exaltation.

Hydrophone prend la tangente.

On plonge dans une thématique en lien avec l'actualité (ou non), avec comme terrain de jeu, les musiques actuelles, évidemment.

Et puis on écrit, on compile, on fait des playlists, on (re)découvre des livres, des films, des albums.

Ce huitième épisode fait palpiter nos cœurs de modestes cinéphiles et de petits mélomanes avertis ou non, au son du rock à papa ou des dernières pépites trap ou électro.

Tangente#7 : Protest songs.

Marion — 2021-12-16T14:47:02Z

Petite histoire rock de la contestation.

« Je veux juste jouer dans mon garage ». Entre cette citation de Mick Jones et Joe Strummer tirée du titre Garageland, jusqu'à l'étendard politique et porte-parole emblématique anti-Thatcher du rock anglais de la fin des années 70 et coincé dans ses histoires de contrats et de livres sterlings, qu'est devenu The Clash ? Toute l'ambivalence de la musique populaire et notamment du rock est ainsi résumée dans cette histoire somme toute banale d'un groupe confronté aux réalités de son temps.

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Il est tentant et naturel pour tout individu ayant un tant soit peu la chance de profiter d'une scène, voire de l'oreille bienveillante de la presse, d'afficher ses opinions, sa volonté de combattre les injustices de s'opposer à un pouvoir liberticide quel qu'il soit. Dès lors comment concilier légèreté de l'écriture de chansons pops susceptibles de rencontrer le succès planétaire et conscience politique, sous-jacente ou affirmée. Comment accepter les compromis commerciaux et ses enjeux financiers avec intégrité, pertinence et crédibilité tout en évitant les pièges de la simplification contreproductive. Plus d'un s'est emmêlé les pinceaux ou a mis les doigts dans quelque engrenage sans trop s'en rendre compte.

Les stars, c'est un penchant naturel de leur condition, aiment à s'emparer des grandes causes. Leurs intentions sont certes louables et il est indéniablement utile de vouloir user de sa notoriété mondiale pour faire passer des messages. On l'a vu ces dernières années avec ces concerts Global Citizen Live pour la planète, avec des poids lourds de l'industrie musicale comme Elton John, Ed Sheeran et consorts comme à la grande époque du Live Aid de Bob Geldof. On a pareillement ressenti l'impact médiatique indéniable de ce clip tourné au Louvre par Beyoncé et Jay-Z en écho au mouvement Black Live Matters, tout comme l'avait été la réception de son album engagé Lemonade.

Rebel, rebel.

Sincérité ou bonne conscience, influence véritable ou dilution par simplification extrême ou lutte ultra consensuelle ?
Ces débats sont une constante si l'on regarde l'évolution du grand barnum de la musique au cours du 20ème siècle dans une sorte de grand écart permanent, qui produirait finalement ses effets à force de rabâchage et parviendrait même à diffuser quelques idées, éveiller ou sensibiliser quelques-uns… On aime en tout cas à le croire.

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Dans ce vaste champ infini des causes à défendre les thématiques abordées sont majoritairement très localisées et destinées à une population ou un territoire précis. Ainsi l'histoire du rock et de la contestation politique inscrite dans notre mémoire est d'abord américaine : les oppositions à la guerre du Vietnam, au racisme endémique évidemment, sont des causes internes aux USA. Les chansons de Dylan, de Joan Baez, de Billie Holiday, de Peter Seeger ou Neil Young, de Springsteen s'adressent avant tout aux américains même si elles ont évidemment une portée internationale.
En demandant à un amateur lambda suivant aujourd'hui, de près ou de loin l'actualité musicale de citer des artistes susceptibles de revêtir le costume d'icône de la contestation politique, les Clash arrivent certainement dans le peloton de tête, en Europe surtout. Les deux Bob, Marley et Dylan, cela va de soi, sont à peu de choses près, présents sur le podium.

Bruce Springsteen fait inévitablement parti de la shortlist même s'il a pu souffrir d'une image contrariée en raison de quelques incompréhensions liées à son album Born in the USA (cf. Tangente#1). Mais aucun doute, dans son cas, on peut aller jusqu'à lui faire l'honneur d'une place à part tant il n'a eu de cesse tout au long de sa carrière de décrire et dénoncer les conditions des classes laborieuses américaines. Dans ses chansons et par ses actions et prises de positions, jusqu'à soutenir très concrètement les candidats démocrates. Et puis, lui-même très lucide sur son statut, a déclaré récemment lors d'entretiens avec Barak Obama, fan du boss : « Les chanteurs ont la mégalomanie de croire, tout comme les politiques, qu'on possède une voix qui mérite d'être entendue dans le monde entier ».

Dylan poète mythique presque retiré du monde médiatique depuis des lustres apparait encore sur les scènes de son Neverendingtour comme un hologramme, en distribuant depuis 40 ans ici et là avec parcimonie quelques mots, en récupérant au passage un prix Nobel de Littérature qu'il boudera plus ou moins. Bob Marley possède une aura intemporelle et intouchable même si quelques zones d'ombres pourraient venir la ternir.

Si on se penche sur le cas de figures de proues plus contemporaines comme, au hasard, Bono, c'est plus ambigu. Le chanteur charismatique de U2 a-t-il juste surfé sur une ou deux prises de positions sincères et n'a-t 'il pas ensuite poursuivi dans la voie du porte-parole des justes causes par facilité ou intérêt, dans une posture un tantinet mégalomaniaque. Il a eu avec U2 et ses titres War ou Sunday Bloody Sunday, le mérite de rendre visible à l'échelle du monde occidental les violences et absurdités de la guerre civile larvée en Irlande du Nord, de rassembler et de recueillir l'écoute de millions de fans. Bono, aujourd'hui ambassadeur de l'ONU prend toujours son rôle à cœur mais suscite constamment doutes, sarcasmes ou jalousies.

Certains se sont ainsi laissé piéger, ou manipuler par des causes qu'ils ne maîtrisaient pas. D'autres à leurs corps défendants ont pu endosser des costumes trop larges pour eux. Aujourd'hui qui se souvient du Live Aid de Bob Geldof, de ces concerts géants en mondiovisions comme on disait à l'époque, de cet enregistrement du We are the world de son assemblage de stars convaincues surjouant et avec au milieu de tout çà un Dylan effaré, effrayé ? Les disques finiront rapidement dans les bacs des brocanteurs par dizaines de milliers… Les populations des pays riches ont soudainement découvert, choqués par les images, les terribles famines en Afrique et se sont mobilisées grâce à ce Live Aid. Il eut sans nul doute le mérite d'exister, d'œuvrer en accélérateur d'une prise de conscience en dehors des marges et permis de lever des fonds d'urgence, mais sans jamais réellement remettre en cause les agissements et leurs conséquences de ces mêmes pays occidentaux dans ces régions dramatiquement sinistrées.

Back to the roots

Cela dit au-delà de ces considérations autour de nos vedettes préférées, et sans rejouer les épreuves de philo sur la fonction ou l'essence de l'art, depuis que l'humanité fait société, les artistes sont de toutes les luttes, sont les réceptacles et les caisses de résonnance, les traducteurs et les messagers de la contestation, de la critique politique.

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Ont plus que contribué à l'émancipation et au progrès social, le théâtre, les bouffons du roi , les Jean De La fontaine , Molière, Shakespeare etc. En musique, la chanson, la petite ritournelle comme moyen d'expression politique, habile détournement ou appel à la révolte, est sans doute vieille comme le monde. La Marseillaise est l'un des premiers chants identifiés et utilisés à grande échelle comme symbole de ralliement pourfendeur d'un ordre injuste.

Il y eu toutefois un air mentionné dans le dictionnaire de Jean-Jacques Rousseau nommé le Ranz des vaches et qui eut un effet terrible dans les rangs des soldats suisses au 18ème siècle.
Plus tard l'Internationale, Le temps des cerises, lié à jamais à la commune de Paris, le Chant des partisans en France, marqueront les esprits. Ces chansons sont si prégnantes dans l'imaginaire aujourd'hui qu'elles sont régulièrement reprises par les musiciens pop, non seulement en France mais par des artistes étrangers, en Angleterre et aux Etats Unis surtout.

L'histoire de le musique enregistrée au 20ème ne déroge donc pas à la règle. Les exemples de gestes symboliques fédérateurs d'un zeitgeist politique et faisant bouger les esprits sont légion. Et sont parfois réellement décisifs ou déclencheurs d'un sursaut, d'une évolution majeure : les prises de positions politiques de Bob Marley dans les élections en Jamaïque par exemple. La brève séquence de la contre-culture au mitan des années 60 fut sans doute un point culminant avant un long tunnel de désillusion ensuite perdues dans les drogues et les flatteries d'egos.
Mais bien avant, aux prémices d'un futur avènement commercial de la musique populaire on identifie un certain Joe Hill, syndicaliste dont la vie se termina prématurément par une exécution pour meurtre en 1915. Il était l'auteur de poèmes, d'ébauches de folksongs et a suscité de nombreuses vocations : pour Dylan qui chantera souvent ses textes mais aussi Peter Seeger, Phil Ochs, et Joan Baez, qui au plus fort de son concert à Wooodstock interprètera un morceau à son nom et en fera un symbole ultime de l'injustice régnant dans son pays. « I dreamed I saw Joe Hill last night, alive as you and me » soit « J'ai rêvé que j'ai vu Joe Hill la nuit passée, aussi vivant que vous et moi ».
Joan Baez dont l'un des plus grands tubes sera d'ailleurs une ballade inspirée d'un épisode fameux des luttes politiques et syndicales du milieu des années 20 avec les icones politiques Sacco et Vanzetti. The Ballad of Sacco and Vanzetti, titre écrit et arrangé par Ennio Morricone pour la B.O d'un film sur la vie des deux anarchistes, longtemps vus comme injustement accusés de meurtres et exécutés après un procès expéditif, bien qu'aujourd'hui on semble plutôt pencher pour la culpabilité réelle d'au moins l'un d'eux.

This machine kills facists.

Le mythe du poète brandissant sa guitare et composant contre l'oppresseur, quel(le) guitariste n'a pas rêvé au fin fonds de sa chambre d'incarner ce rôle une fois dans sa vie ? En tout cas Woodie Guthrie doit une grande partie de sa notoriété à cette phrase inscrite sur sa guitare en 1940. Il fut l'auteur de multiples et remarquables chansons engagées constituant une œuvre très pertinente en son temps qui a largement tracé la voie pour les artistes de l'après-guerre et en premier chef, pour toute la scène folk radicale qui se réunira autour du festival de Newport aux USA et dont Peter Seeger fut l'une des pierres angulaires.

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Pendant ce temps-là et déjà avant-guerre, l'industrie musicale prend de l'ampleur et, conséquence, musèle ses artistes et édulcore le moindre propos. Les blueswomen revendicatives sur les droits et l'émancipation des femmes se font définitivement voler la vedette par des artistes hommes imposés par les labels avec des titres plus inoffensifs et vendeurs (cf Tangente#2).

La tornade rock des années 50 n'exprime guère que la joie de consommer sa jeunesse. Elvis Presley et la plupart des stars de l'époque, malgré des vies sulfureuses, ne protestent pas et exécutent sagement les préceptes de leurs managers qui comptent les liasses de dollars.

Utopia

Ce n'est donc pas encore l'heure de la révolte mais émergent déjà des mouvements rebelles comme les blousons noirs en France ou les bikers aux USA, phénomènes de bandes illustrés dans l'Equipée sauvage avec Marlon Brando. Ces mouvements revendiquent rock'n'roll et violence comme défiance face au vide de la vie de banlieue. « Le rock n roll est fait pour l'insurrection, le passage à l'acte. La référence constante au gaullisme propre sur soi, donneur de leçon et ses règles d'hygiène morale me fait gerber » déclare un blouson noir un soir au journal télévisé.

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Ce sont les premiers soubresauts de ces années 60 où la jeunesse va renverser la table, en faire le temps des grandes utopies, des grands disques de pop engagés et des festivals louant la liberté et la fin des carcans moraux.

Les Crosby Still Nash and Young, Grateful Dead, ou Jefferson Airplanes entre pléthores d'autres planent sur ces aspirations et s'opposent violemment au pouvoir, à la guerre du Vietnam.
Du coté des droits civiques et du combat pour l'abolition de la ségrégation raciale la situation est très complexe. Les labels Stax ou Motown régnants sur le marché de la musique soul veulent à tout prix plaire au public blanc et brident leurs talentueux artistes.
Aretha Franklin avec Change et Respect, tubes mondiaux dans la lignée de Billie Holiday, Nina Simone, Miles Davis et James Brown, s'affirme. Elle montre si bien la voie qu'elle n'hésitera jamais à s'afficher et à soutenir les candidats démocrates jusqu'à l'élection de Barak Obama. Elle chanta pour l'investiture de ce dernier, qui ne manqua pas plus tard de déclarer qu'elle joua un rôle majeur dans l'arrivée d'un homme noir à la Maison Blanche. Un peu en marge à New York un groupe très militant commence à faire entendre sa voix et va avoir son importance dans la genèse du hip-hop : les Last Poets et leur spoken word. Mais Il faudra attendre le début des années 70 pour que deux grands disques rencontrent le succès, dont l'un pervertira la pop et les charts au grand désespoir, avant sa sortie, du patron de son label Berry Gordy. Le What's Going On de Marvin Gaye dresse alors très subtilement un portrait évocateur de tout ce qui ne va pas aux Etats Unis. Ce disque aura un impact sur le long terme. Gil Scott-Heron en fera de même avec un premier album Small Talk at 125th and Lenox saisissant de vérité, longtemps source inspirante inépuisable sur les décennies suivantes. Public Enemy à la fin des années 80, The Coup au début des années 2000 ou Algiers plus récemment sauront faire honneur à leurs prédécesseurs.

Avant que le rap ne prenne définitivement la main, en 1991 Nirvana va faire trembler sur ses fondations l'édifice de la planète pop. Ce sera une déferlante même pour un disque, cri d'une jeunesse que l'on qualifie de génération X, rejetant massivement à travers les Smell like teen spirit ou Come as you are, le libéralisme cynique décomplexé et triomphant des années 80 de ses ainés. Kurt Cobain sera alors perçu par des dizaines de millions d'adolescents, et bien malgré lui, comme le symbole d'une génération en pleine désillusion prenant ses distances. 30 ans après Nevermind de Cobain reste plus que jamais présent dans les esprits. Des rappeurs comme Travis Scott, Tyler the Creator, Post Malone, Kid Cudi ou Denzel Curry n'hésitent pas à affirmer leur admiration ou en revendiquer l'héritage.

Ce succès peut être vu comme une prise de pouvoir, celle du rock indépendant, qui s'est déployé dans les marges, dans les années 80 à la suite notamment d'un MC5 bouillonnant et revendicatif en 1970. Et s'il a fait jaillir auprès du grand public ce mouvement DIY nommé par la presse grunge, on assite surtout au chant du cygne d'une histoire qui démarre au début de la précédente décennie. Sous l'influence de groupes rock et noise héritiers des Dead Kennedys, de leur California Uber Alles, hymne du gourou incontesté d'un courant musical révolutionnaire US et de toute la scène alternative américaine, Jello Biafra, des dizaines de formations de révoltés émergent. Les Black Flag, Minor Threat, Minutemen, en seront les piliers fondamentaux. Autre moment décisif : l'aventure de K Records, dont Kurt Cobain portait fièrement sur l'avant-bras le blason. Calvin Johnson, son groupe Beat Happening et son International Pop Underground Convention en 1991 à Olympia ont semé quantité de petites graines. On perçoit encore plus aujourd'hui, dans son sillage direct, la place fondatrice des Riot Grrls. Ce petit collectif punk DIY d'Olympia aussi, a encouragé les femmes à prendre en main leurs destins et leurs guitares autour des très actifs groupes Bikini Kill et Sleater Kinney. Ils ont rencontré un succès international certes underground mais ont gagné en popularité avec le temps et ces derniers se produisent en concert aujourd'hui en 2021 avec un certain succès.

Autour de Nirvana, des groupes comme Sonic Youth issus de l'underground des années 80, seront présents et actifs politiquement (Youth Against Fascism par exemple), Ani Di Franco. Un tas d'autres…

Ghost town.

Au Royaume-Uni en 2021, un groupe contemporain des Clash sort un album de reprises de protests songs incontournables du 20ème siècle. A la fin des années 70, The Specials incarnaient avec le single Ghost Town la résistance au Thatchérisme avec une subtilité qui aujourd'hui les rends encore parfaitement crédibles. Ils incarnent encore aujourd'hui un courant fort et écouté de revendications politiques.

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En Massive Attack et la Wild Bunch figurent les successeurs légitimes de ces groupes de la génération punk. Pragmatiques, rigoureux dans leur approche, inflexibles, reconnus pour leur activisme dans les quartiers pauvres de Bristol dont ils sont issus. Massive Attack a porté sur les festivals du monde entier une parole très politique et radicale, construite sur le temps long, de la censure de son 1er album aux concerts constellés de messages et slogans militants, contre la guerre en Irak ou sur l'état de la planète.
On peut cependant s'interroger sur les conséquences de ces tournées mondiales armées de quantité de matériel et d'artistes accompagnés d'un staff de 120 personnes.

Le groupe Radiohead s'y est aussi testé, a voulu montrer l'exemple avec ses tournées éco compatibles en essayant de diminuer son empreinte carbone. Sans trop faire illusion malheureusement…

Anarchy in the UK.

Quel que soit la période, il y a toujours eu en Angleterre des titres politiquement ou socialement provocateurs trustant les premières places des charts, aujourd'hui Slowthai, dans les années 70-80 les Sex Pistols, les Smiths (The Queen is dead), …

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Et dans cette lignée d'artistes : il parait tout naturel de citer Billy Bragg, baladin profondément marqué politiquement qui a connu un succès d'estime et des singles classés dans les charts dans les années 80 et 90 et qui jouit encore d'une popularité certaine outre-manche.

Dans son sillage de nombreux mouvements, collectifs et communautés ont fait de la musique dans le but clairement avoué d'en faire juste un vecteur pour l'expression, la propagation d'idées, voire d'utopies très radicales, ce qu'ont bien compris des mouvements violents come les skinheads au Royaume-Uni mais aussi en France et ailleurs. Des groupuscules et artistes évoluent alors en dessous des radars, réfractaires, sans concessions sur leurs prises de position sociétales essentielles, sur des enjeux locaux, ou pour une cause très identifiée. Dans ces marges c'est à foison que les groupes et les communautés en rébellion, activistes de terrain se comptent dans les années 70 et 80. Crass et Poison Girl en sont les emblématiques représentants. Chumbawamba, venant des mêmes marges arnacho-punk rencontra brièvement le succès avec un tube international Tubthumping, et a même participé à de nombreux festivals pop un peu partout dans le monde. Il a survécu jusqu'au début des années 2010.

Dans l'électro naissante des années 90, les artistes portant déjà un discours alarmiste sur le futur de notre planète sont nombreux. Héritiers des utopies des années 60 et des phénomènes comme les travellers, leur sensibilité écologique et sociale est significative. Citons les incontournables Spiral Tribes, les activistes de Future Sound of London (cf Tangente#5)…

Douce France.

En 1985 dans les cours des collèges et lycées de France, tout le monde chante « la jeunesse emmerde le front national ». Peut-on dire que Bérurier Noir fut un digne rejeton de Brigitte Fontaine ou de Colette Magny ? Cette dernière porta en tout cas un discours puissant révolutionnaire et de révolte, de tous les combats des années 60, anticolonialiste, féministe, et dérangeant pour les médias jusqu'à la fin de sa vie. Un peu plus tard Carte de Séjour secoue le Top 50 et crée l'émoi parmi nos élites avec Douce France de Charles Trénet.

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En matière de radicalité et jusqu'au boutisme même, on ne peut omettre de mentionner les cultissimes Camera Silens. Ce groupe bordelais sévit au début des années 80 et aurait pu connaitre un destin à la Noir Désir, collègues de bureau et rival local du Bordeaux du début des années 80. Trop intègre ou trop défoncé et chaotique pour réellement y songer, le parcours du groupe aux revendications politiques dures conduit l'un de ses membres à qui la musique ne suffisait pas, au passage à l'acte. Il fréquentera des milieux interlopes, n'hésitants pas à commettre divers larcins avant de participer à un braquage retentissant. Après la clandestinité et l'exil pour destin pendant 30 ans, il finira par se rendre à la justice française en 2016 pour écoper de 5 ans de prison. Avec sursis.

Black President

A contrario de ce nihilisme, à travers le monde des artistes perspicaces, à l'engagement politique simple, spontané et profond pour la démocratie et les conditions de vie des populations, ont laissé des traces indélébiles.

En Australie Beds are Burning enflamma les charts mondiaux. Ce titre des sydneysiders de Midnight Oil et l'un des premiers hits planétaires abordant ouvertement les problématiques environnementales. Il doit beaucoup à son charismatique, chanteur Peter Garret qui prolongera son engagement jusqu'à devenir ministre de l'environnement entre 2007 et 2010.

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Le rôle du mouvement tropicaliste au Brésil fut lui prépondérant dans la lutte contre la dictature militaire instaurée après le coup d'état en 1964, en donnant un écho à la répression impitoyable dans leur pays au-delà des frontières. Le mouvement né en 1967 s'inspirant du psychédélisme autour de Tom Zè, Caetano Veloso, Gilberto Gil et Os Mutantes dénoncera, soutiendra la résistance au régime militaire. L'album Tropicàlia est le manifeste fondateur du mouvement. Certains de ses membres comme Gilberto Gil seront emprisonnés. Celui-ci deviendra Ministre de La Culture sous la présidence de Lula pendant plusieurs années.

Fela Kuti au Nigeria était surnommé le Black President. Révélateur de son engagement viscéral contre un pouvoir corrompu et dictatorial et après sa rencontre avec des membres des Black Panthers, il ne cessera de lutter tout au long des années 70, avec son groupe et sa musique en porte-voix. Fela créant même une république indépendante qui n'était autre que son studio et sa grande maison accueillante érigée en refuge pour les contestataires. Il ira jusqu'à fonder son propre parti politique. Au début des années 80, il se présentera aux élections. Sa tentative était vouée à l'échec face au pouvoir en place mais sa popularité, son culte était tel, qu'à sa mort en 1997, la dictature militaire ordonna un deuil national de 4 jours.

La pop au Cambodge, le rap en Palestine, la scène métal et rap, clandestine en Iran, le rock et le métal en URSS durant les années précédant à la chute de l'empire, le radicalisme provocateur des activistes de Pussy Riots en Russie sous Poutine et à la résonnance mondiale bien au-delà des sphères : d'autres histoires par dizaines, plus singulières les unes que les autres rempliraient des livres.

Hong Kong Stars

Récemment les ultra-stars coréennes BTS ont lancé des messages appuyés pour la liberté d'expression, notamment adressés aux militants pro-démocratie de Hong Kong. Le sont-ils par opportunisme commercial, téléguidés par des stratégies géopolitiques et des enjeux économiques ? Très possible dans le cas de ces astronomiques pourvoyeurs de devises à la Corée du Sud.

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On y revient donc : la pop, le rock, comme chambre d'écho formidable pour les revendications quelles que soient la légitimité, la récupération ou les réelles convictions profondes de ses protagonistes. L'impact des prises de paroles et des moindres faits et gestes de ces rois de la k-pop est en tout cas considérable et massif auprès d'un public jeune et influençable mais aussi très actif et rodé sur les réseaux sociaux. La BTS army, c'est son petit nom, a fait parler d'elle lors de la campagne présidentielle aux USA, en transformant les meetings de Trump au Texas, en bides monumentaux grâce aux actions coordonnées de ses adeptes.

Ce que Rage Against the Machine ou Bono n'ont fait qu'effleurer, la communauté de fans de k-pop à travers cet activisme concret, dans un genre de syncrétisme d'effluves pop et de jeunesse militante, à partir de tik tok et d'une pop édulcorée affranchie comme porte étendard assumé de la balance commerciale d'un pays, y parviendrait-elle ?

La sélection de 40 pochettes de disques :

d.b.s. / Anti-Flag - North America Sucks !!

Barbara Dane

Ani Di Franco

Bérurier Noir

Bikini Kill

Billie Holiday

Black Flag

Bob Dylan

Camera Silens

Chumbawamba

Colette Magny

Crass

Crosby, Stills, Nash and Young

Daboor & Shabjdeed

Dead Kennedys

Fela Kuti

Gil Scott-Heron

Joan Baez

Joe Hill

Laibach

Marvin Gaye

MC5

Midnight Oil

Minor Threat

Peter Seeger

Phil Ochs

Poison Girls

Public Enemy

Billy Bragg

Minutemen

Rage Against the Machine

Slowthai

The Clash

The Last Poets

The Radio Dept.

The Smiths

The Wailers

The Coup

Caetano Veloso, Os Mutantes et Tom Zé

U2

Underground Resistance

Woody Guthrie

Buffy Sainte-Marie

Hydrophone prend la tangente.

On plonge dans une thématique en lien avec l'actualité (ou non), avec comme terrain de jeu, les musiques actuelles, évidemment.
Et puis on écrit, on compile, on fait des playlists, on (re)découvre des livres, des films, des albums.

Il a suffit, pour ce 7ème épisode, de se fondre dans l'actualité.
Il a suffit d'ouvrir un journal, Insta, ou juste ses oreilles à la terrasse d'un café.
Le réchauffement climatique, l'égalité F/H, les femmes afghanes, les Ouïghours, la gestion de la pandémie (...)
La période prête à contestation(s).
Encore, et toujours.

Encore, et toujours, restons dans notre zone de légitimité (et de confort). Cela donne une petite histoire du rock de la contestation en 3900 mots et 40 pochettes de disques.

Tangente#6 : Alors on danse !

Marion — 2021-04-09T15:19:37Z

Pour aller danser le jerk.

"Je me sens comme ces fonctionnaires qui rentrent d'une journée laborieuse et se mettent un énorme track de dance music pour décoincer leur corps et se comporter comme il est interdit au bureau... "

Brian Eno dans une récente interview (Tsugi)

Catharsis

Il existe des périodes où le besoin de danser se fait viscéral. Pas besoin de vous faire un dessin, chacun peut, en ce mois d'avril 2021, perdu dans ses pensées, refugié dans ses rêves, se remémorer ses moments d'extases lors de soirées occupées à danser au milieu de la foule et à oublier le fardeau de la semaine. Ces soirées où d'un seul coup sans crier gare, apparait l'aube et ses promesses ; ses désillusions aussi, sa mélancolie douce-amère ou son euphorie apaisante. Le temps a filé, et viendra rapidement, pour le meilleur ou pour le pire, la lucidité du lendemain.

Vous vous rappellerez alors ces danseurs sur la piste, en action, joyeux extravagants, exprimant la liberté des corps. Et aussi parfois, ici ou là, l'un d'entre eux, entravé, pataud, voir pathétique selon l'heure du flagrant délit…
Pendant ce temps, sur les côtés, cachés dans l'ombre, éparpillés dans les recoins, se sont retrouvés dans une sorte de solidarité objective, les timides, les introvertis, tétanisés qui n'oseront jamais mettre un pied devant l'autre sur cette satanée piste, sachant, malgré les liquides alcoolisés ingurgités, à quel point il serait imprudent de se jeter en pâture au regard de tous les autres… Des hommes, majoritairement.
Pire, ces inadaptés auront affronté et repoussé gentiment, du moins au début, toutes les tentatives de leurs camarades bien attentionnés mais incrédules devant tant de résistance, à les rejoindre dans l'euphorie ambiante, et ce, jusqu'à la délivrance du retour solitaire à la maison…

La danse, c'est naturel.

Lors d'un précèdent épisode de Tangente consacré à La route, nous évoquions la naissance des free party en Angleterre. Et à ce sujet une anecdote de JD Beauvallet, pierre angulaire des Inrockuptibles, témoin direct et conteur hors pair des heures de gloire de Manchester, expliquait comment les nuits de transes vécues à La Hacienda, haut lieu de la culture club mondiale, avaient façonné son être musical. Nous faisant vivre par procuration comme si nous y étions, cette ferveur incommensurable, soudainement et naturellement il nous expliquait que lui l'avait ressentie et vécue accoudé au bar, en ne mettant jamais un pied sur la piste… Et là, certains se reconnaissaient instantanément, enfin soulagés, dans cette position envieuse ou stoïque de celui qui ne danse pas, les pieds coulés dans le béton en se contentant simplement de la vision de ces corps gracieux, de ces pantins désarticulés.

Ainsi, parfois certains s'éclipsent discrètement, de honte, certains refusent les invitations aux mariages ou aux soirées pour éviter de grands moments de solitude, s'autorisant juste à tenter quelques pas devant son miroir dans sa chambre. D'autres encore proclament leur détestation par posture, en guise de bouclier.
Chez les Anglais, un grand dégingandé du nom de Jarvis Cocker, dans un certain nombre de ses chansons, décrit parfaitement avec son groupe Pulp toute la gamme des sensations éprouvées et surtout des affres du séducteur trop timide et emprunté en discothèque. En France, Etienne Daho, entre autres, s'est lui aussi beaucoup épanché sur les nuits d'hésitations et de perdition d'un type intimidé.
Des psychiatres ont tenté une explication de ces comportements par la prégnance d'un traumatisme résultant d'une peur inconsciente de l'autre remontant à la petite enfance et au rapport plus ou moins intense à la mère dans des jeux de mouvements répétitifs et rythmés.

Mais quoi qu'il en soit pour l'immense majorité de l'humanité, la danse relève d'un réel plaisir physique, d'un élan passionné, d'un défoulement indispensable. Du côté féminin surtout (70 % des français dont 95 % de femmes), et ce, quel que soit l'âge, la danse, dans les besoins d'activités essentielles préférées, est classée, juste après, une partie de jambes en l'air. Évidemment, forcément, nécessairement.
Car évidement l'existence du club est le principal lieu de socialisation festive, de rencontre et donc potentiellement d'union, de mariage, et de survie d'espèce. En tout cas jusqu'à l'arrivée des applis type Tinder, du succès massif des séances collectives de zumba et des cours de pole dance.

Il ne faut donc guère s'étonner du succès des dancing retro ou musettes, du retour des guinguettes dans les années 2000, succédant au phénomène des boites de nuit dans les années 70, des bals de villages bien avant, et du clubbing généralisé dans les métropoles du monde …

Danse society

Et si le premier club de danse s'était établi dans une grotte de l'Ariège ? On y a découvert il n'y a pas si longtemps un sorcier dansant peint sur l'une de ses parois et on peut facilement imaginer une poignée de Cro-Magnons se trémoussant autour d'un feu pour célébrer un événement, les dieux ou conjurer le sort, perdus entre la nuit étoilée et l'obscure immensité des forêts.

Evidement la réalité est sans doute moins romantique que cela mais les premières traces réelles de danse remontent à environ 14 000 ans.

"La danse est le premier-né des arts. La musique et la poésie s'écoulent dans le temps ; les arts plastiques et l'architecture modèlent l'espace. Mais la danse vit à la fois dans l'espace et le temps. Avant de confier ses émotions à la pierre, au verbe, au son, l'homme se sert de son propre corps pour organiser l'espace et pour rythmer le temps."
A partir de cette célèbre citation de Curt Sachs, ethno musicologue, déroulons le fil de l'évolution des formes de la danse.

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Si les cérémonies de danse avaient une vocation spirituelle, religieuse ou guerrière aux gestes très codifiés, elles vont s'en émanciper progressivement. Les premiers mouvements et chorégraphies sont repérées autour de 4 000 ans avant JC en Egypte notamment, puis en Grèce. Dans L'Illiade et l'Odyssée d'Homère sont mentionnées des danses collectives chorégraphiées et les danses dionysiaques y étaient particulièrement populaires. En Egypte encore, on danse autour des autels pour figurer les mouvements des astres autour du soleil. Dans l'Ancien Testament les scènes de danse sont mentionnées : Moïse et Marie sa sœur, dansèrent et chantèrent après le passage de la mer Rouge. On pense aux danses transgressives des "infidèles" autour du veau d'or. Chez les romains les interdits sont nombreux, les règles strictes.

Par la suite, au Moyen Age des XIVème et XVème siècle, la mode est à la Carole ou Ll Tresque, des danses accompagnées d'un chanteur repris par la foule. Pratiquées par le peuple de façon nocturne et cachée, elles sont considérées comme incitation à la débauche et synonyme de péché impardonnable par la toute puissante Eglise, qui, dès le XIIème siècle tenta, vainement de les interdire. Sous l'ancien régime, la justice sera même, en vain, chargée de veiller au respect les directives.

Puisque nous sommes sur les temps médiévaux, on a coutume, à chaque fois qu'on s'essaye à raconter l'histoire des raves de la naissance de la musique l'électronique, d'en situer l'origine à Strasbourg il y a juste un peu plus de 500 ans. Avec un phénomène qui reste inexpliqué : William Shakespeare la désigna comme "the dancing plague" (la peste dansante), plus communément connue comme l'épidémie dansante, la danse macabre ou encore le mal des ardents…
Subitement des centaines de personnes se seraient mises à danser frénétiquement comme possédées par le démon au point pour certaines d'en mourir. En cette année 1518, la ville avait enchaîné les malheurs : famine, épidémie de peste, cholera, lèpre, catastrophes météorologiques. Le désespoir comme seul horizon. Au mois de juillet dans la rue du jeu des enfants, une femme se mis à danser sans s'arrêter pendant des jours, bientôt rejointe par une foule de plus en plus conséquente. La transe s'étire sans discontinuer pendant plusieurs semaines. Les autorités installent des musiciens pour tenter d'apaiser la foule. Des centaines de personnes en meurent d'épuisement.
De nombreuses théories ont circulé dont celle de l'ergotisme : lorsque le pain de seigle est moisi par un certain type de champignon il provoque des effets proches du LSD (dont la molécule est tirée de cette moisissure).
Un collectif électro s'est donné pour nom Bassmusic 1518 ou un groupe de métal s'est carrément nommé Le Mal des Ardents. Cette forme d'hystérie collective n'est pas unique : de nombreux cas sont signalés entre 1200 et 1600. Le dernier épisode approchant eu pour cadre un village du Gard, Pont-Saint-Esprit en 1961 pendant quelques semaines. Le boulanger fut mis sur la sellette pour son pain de seigle. On soupçonna récemment la CIA d'avoir testé le LSD sur les habitants…

L'image de zombies collées aux enceintes dans la boue au petit matin joue beaucoup dans ses rapprochements un poil hasardeux mais contribue à une forme de mythification. Un autre évènement contribue à cette aura : le tarentisme, une étrange maladie sous forme de léthargie provoquée par la morsure de l'araignée Lycosa Tarentula. L'unique remède résidait dans une danse effrénée accompagnée de musiciens jouant tambours et violons pendant plusieurs jours sans discontinuer. Ainsi, la tarentelle (ou pizzica) vit le jour. Elle consistait à reprendre les mouvements de l'araignée, renversée en arrière, la personne marchait sur ses mains, le dos courbé et se balançait comme suspendue à sa toile. Berlioz notamment écrivit des tarentelles. Elle fut pratiquée dans les Pouilles jusque dans les années 60.

En France, de nombreuses danses, la plupart importées de l'étranger se sont implantées entre le 16e et le 18e siècle : le menuet, la sarabande, la pavane et bien d'autres. Puis vinrent la gavotte, les ballets de Lully très populaires au-delà des cours, la valse demandant, elle, plus de maîtrise et d'esthétique dans les salons.
Les spécificités régionales eurent leurs heures de gloire comme la farandole du Languedoc, la bourrée d'Auvergne, la branle de Bretagne.

Les ballets Russes, à partir du milieu du 19e siècle, enclenchèrent un vaste bouleversement. La danse moderne puis contemporaine au 20e libère les corps pour exprimer une créativité décomplexée. On assiste alors à l'avènement, des véritables stars de la danse (Isadora Duncan, Noureev, Nijinski, Martha Graham, Loïe Fuller, Merce Cunningham, Maurice Béjart, Pina Bausch) et d'œuvres monumentales : le Lac des Cygnes, le Sacre du Printemps et tellement d'autres. L'équivalent de l'intégrale de A la recherche du temps perdu ne suffirait pas à raconter cette histoire...

Dès la fin du 19e siècle le tango,allégorie des jeux amoureux, est sans doute la danse qui fascine le plus. La nostalgie intense du tango se nourrit des amours perdues et des trahisons selon Jacques Lacan, statue du commandeur de la psychanalyse… Cet opéra tragique et sensuel aux mouvements emphasés, cette lutte, n'est pas à la portée du premier amateur venu.

La vie intense des nuits de danses endiablées, de débauche, la bohème, les cabarets des bas-fonds et les guinguettes parisiennes de Pigalle et Montmartre, le Moulin Rouge et son French Cancan, eurent aussi ses emblématiques stars : La Goulue, Mistinguett puis plus tard Joséphine Baker ont alimenté les fantasmes et les œuvres pendant des décennies : Renoir (le célèbre tableau du Moulin de la Galette), Toulouse Lautrec, Hugo, Verlaine… et fait aussi les affaires de l'industrie du tourisme depuis…

Parallèlement, avec la naissance de l'industrie de la reproduction à la fin du 19e, de nouveau mots apparaissent, tel que "discothèque" : un meuble pour ranger les disques et recouvrant ou désignant conjointement ou successivement tout lieu où se trouvaient d'autres objets révolutionnaires comme des disques vinyles et des machines domestiques pour les écouter et… danser.

L'épicentre se déplace alors, dans la première moitié du 20e vers le nouveau monde et New-York, avec l'immigration massive notamment. Et ce n'est pas un hasard si on retrouve des descriptions magnifiques de scènes de fêtes de l'époque, qu'elles soient aristocratiques ou populaires dans Gatsby le Magnifique de Fitzgerald ou Manhattan Transfer de Dos Passos avec son écriture jazz, cette musique toute nouvelle en provenance du sud.
Le sociologue Laurent Vidal dans son livre Les hommes lents, raconte la naissance de la syncope dans les soirées des Honky Tonk du delta du Mississipi, dans les ports de la Nouvelle Orleans et du Brésil et sa remontée vers les métropoles industrielles du Nord.

Un peu plus tard, la prohibition des « Roaring Twenties » favorise l'embauche de musicien noirs dans les clubs de Harlem en suppléant des musiciens blancs trop frileux refusant de prendre le risque de la clandestinité. Le Cotton Club, le Kentucky club accueillent Armstrong ou Duke Ellington. Ils tracent le sillon, profond, d'une culture club qui essaimera partout ailleurs… Le charleston triomphe avec Joséphine Baker. En 1950, la seule 52ème avenue à Manhattan comptera des dizaines de clubs pour s'encanailler à peu de frais. Ce sont là, dans ces années 20 et 30, les premiers signes d'un ping pong entre l'Europe et New-York, dans lequel les clubs rivaliseront d'inventivité pour s'assurer le leadership de la hype…

Hollywood est déjà puissante avant-guerre et la danse est rapidement une thématique de son industrie. L'histoire du cinéma abonde donc de films et chaque génération va posséder son totem du genre : Saturday night fever, Grease, Dirty dancing, Flashdance, Cabaret, West Side Story ou récemment le fade La La Land. En marge un film, On achève bien les chevaux de Sydney Pollack, raconte à travers les marathons de danse organisés dans les années 30, les affres d'un couple pour survivre lors de la grande dépression.

Un réalisateur a su magnifiquement saisir toute la gamme des sentiments et des enjeux liés au bal, à la danse, à la fête au sein d'une communauté. Michael Cimino dans ses deux chefs d'œuvres, The Deer Hunter (Voyage au bout de l'Enfer) et Heaven's Gate (La porte du Paradis, avec Isabelle Huppert) inscrit sur pellicule trois longues scènes de bal dont l'une sur patins à roulettes, incroyablement émouvantes, enivrantes et sensibles.

On revient donc à la fête dansante comme ciment d'une communauté : partager des émotions fortes et collectives autour de la danse, au bal mais aussi absorber les substances qui vont bien pour l'exaltation, faire tomber les barrières et le poids des codifications sociales. Le bal fait surgir les dimensions charnelles et transgressives pour, dans une certaine mesure, mieux canaliser au quotidien les fourmillements et les caprices des esprits et des corps.
Il peut parfois aussi être considéré comme une forme d'acte politique. C'est sans doute pourquoi le ministre Georges Mandel, dès mai 1940, fait fermer les cabarets, interdit les fêtes et la consommation d'alcool dans toute la France. Les bals clandestins se développent dans les campagnes. Le phénomène est massif dans la population sous le choc de la débâcle.

Ces bals vont perdurer avec succès après-guerre mais déjà, balbutiante, la société de consommation effrénée, la soif de liberté et l'émancipation d'une jeunesse tournée vers un avenir qui se veut radieux s'entiche de danses plus individuelles. Les années 60 voient débarquer le twist, le jerk. La présence d'un partenaire devient superflue et l'on va chercher des contextes plus adapté à ces nouvelles pratiques.

Au début des années 70, bien qu'en Bretagne par exemple, le fest-noz se répande et remplace le bal, les clubs et les boites de nuit se développent parallèlement, sur une courbe qui se croise avec le déclin des fêtes agricoles dans les régions rurales. Les fêtes deviennent des attractions touristiques.

Partout le clubbing de masse va bientôt régner.

Last night a dj saved my life…

"Burn down the disco, Hang the blessed DJ, Because the music that they constantly play, It says nothing to me about my life" – Morrissey - Panic

Avant que le dj ne devienne ce que les années 90 en ont fait, c'est-à-dire cet artiste créateur et dieu des platines, il fut longtemps ce type un peu ringard de province alignant les disques et les tubes du moment en alternant un peu mécaniquement slows et disco, suivant les modes, et à qui on venait demander éméché tel ou tel morceau censé retourner le dancefloor... Et si aujourd'hui à l'inverse on affuble de ce titre de Dj le moindre bipède qui pousse 3 potards, son évolution est singulière.

Un club parisien très prisé mais peu connu en dehors des initiés, le Tango fêtait dernièrement ses 125 ans. Sans aucun doute l'un des plus vieux du monde occidental qui a vu des milliers de vies s'agiter dans ses murs, vu passer des dizaines de modes, de la musette à la house en passant par le punk, ou le tango justement. Lieu incontournable de la culture gay, devenu repère des drag queens, des personnages mythiques comme Serge Kruger, camarade d'Alain Pacadis, LE chroniqueur des soirées parisiennes branchées, en on construit la légende dans les années 80…

Mais l'histoire avec un grand H du clubbing tel qu'on l'entend aujourd'hui débute ailleurs : le plus ancien et le premier dj serait un certain Lucien Lebovitz en 1956 dont la fonction exacte était en fait opérateur. C'est du moins ce qu'explique Jean-Yves Leloup, auteur du remarquable ouvrage Global techno.
L'histoire commence ainsi : la première discothèque officielle en France est le Whisky à gogo, fondé en 1947 à Paris, par Paul Pacini. Vient ensuite Castel, où faune branchée et interlope, célébrités et inconnus se mêlent joyeusement.
Régine, à la tête du whisky à gogo, révolutionne alors la nuit : dans ses mémoires elle raconte qu'elle invente le concept de discothèque. Elle supprime les juke-box car tout le monde choisi surtout des slows pour draguer, et avec deux tourne-disques se met à passer des disques, du cha cha cha notamment. Elle peint des lampes et joue avec leurs interrupteurs pour créer des effets. Vérité ou légende mais cela décrit plus ou moins comment tout cette histoire s'est peu à peu construite côté paillettes. Un deuxième Whisky à gogo est rapidement monté sur la Croisette à Cannes et un inconnu, Lucien Lebovitz, donc, se fait connaitre.
Passionné de musique et père de 6 enfants, il va, chaque jour officier de 22h à 5 h du matin. Il fera danser les stars du festival sur du rock, du swing, du jazz, des savants dosages de tubes d'ambiance. Il sera le premier à posséder un cross fader pour alterner entre ses deux platines, pouvant dès lors enchainer les titres, installant dès lors un vrai rapport au public en initiant partage et communion autour de ses découvertes. Ce sera pendant longtemps le seul personnage connu appréhendant les soirées de telle façon.

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C'est pour nous, français cocardiers en tout cas, le véritable point de départ de la cuture club. Les anglais, incorrigibles, voient évidemment les choses d'une autre façon : l'origine de la culture Dj serait due à un personnage du nom de Jimmy Saville, qui fut plus tard le premier présentateur de l'émission emblématique Top of the Pops. Dès 1943, catcheur professionnel par ailleurs, il arpenta chaque week-end la campagne anglaise depuis son village d'Otley dans le West Yorkshire armé d'un électrophone et de sa collection de 78 tours. Devant son succès croissant, la société Mecca Ballrooms qui possédait des salles de bal un peu partout en Grande Bretagne, le recrute en 1946 pour des tournées qui passeront dans des villes comme Manchester ou Leeds. De quoi déjà, susciter des vocations…

Il semble en définitive que dans plusieurs endroits d'Europe durant l'entre-deux guerres, sous l'occupation et après-guerre, les malheurs, la répression, les tragédies aient fait naitre de manière souterraine une volonté de résister la barbarie. Ainsi Peter Shapiro dans Turn the Beat Around, superbe ouvrage de référence sur l'histoire de la disco, situe dans l'Allemagne nazie les premières soirées clandestines les swingjugend, où l'on vient poser sur les platines des disques de swing et de jazz interdits car considérés comme art dégénéré… Sont pareillement évoqués les zazous et un lieu à Paris, la discothèque, où l'on écoute du jazz pendant l'occupation.

A New-York donc, à Paris à Londres, ailleurs l'expansion des clubs est sans limite. A partir du début des années 60, les clubs se créent et se défont au gré des hypes musicales et vestimentaires plus ou moins éphémères. On connait par cœur le swinging London. Le Marquee sera incontournable pour tout clubber qui se respecte…
Des noms restent : Le Golf Drouot, le Bus Palladium pour le rock en France ; plus tard le Queen, le Palace, le Blow Up à Munich.

Mais d'autres clubs vont avoir une influence considérable et plus profonde. Ils possèdent comme certains clubs de foot, des fans et ce supplément d'âme qui fait tout. Ils seront les lieux de diffusion de nouveaux courants musicaux qui trouvent, dans la pénombre, le moyen d'expression idéal. Ils façonneront même les esprits, agiront comme révélateurs d'envies et de conquêtes de liberté, d'utopies, en écho aux politiques plus ou moins répressives en matière de mœurs et d'identité en fonction de l'époque, jusqu'à faire changer radicalement des destins ou devenir des raisons de vivre.

De France on méconnait ou même on méprise un courant appelé Northern Soul qui connut ses heures de gloire du milieu des années 60 au début des années 80 mais qui reste vivace et imprègne toujours la culture musicale du nord de l'Angleterre. Style construit autour d'une forme de nostalgie instantanée autour de la soul, de la Motown, de Stax et de la multiplicité de ses obscurs labels et 45 tours plus ou moins rares, il s'est peu exporté et reste une spécificité régionale.

Des villes de bords de mer, futures zones sinistrées dans les années 80, en furent les symboles : Blackpool et Preston, fréquentées par les classe populaires et ouvrières de Manchester et Liverpool. Pile entre ce deux villes, Wigan, va connaitre des heures de folies avec la naissance en 1973 du Wigan Casino. De nombreux clubs se livrent alors à une féroce concurrence dans toute la région. La réputation d'un club et de son dj tient a peu de choses, à la diffusion d'un disque hors propos parfois… Des milliers de jeunes vont danser tous les week-ends. Le Wigan Casino sera le point de ralliement de toute la faune nocturne du pays.

De l'autre côté de l'Atlantique, à New-York, autre ville financièrement à l'agonie au milieu des seventies, certains quartiers sont quasi à l'abandon, et la fréquentation de Time Square se fait à ses risque et périls. Dans les marges et les bas-fonds, sous l'impulsion de la population gay, le disco émerge et va faire l'effet d'une déferlante. La libération sexuelle est totale pour le meilleur puis hélas pour le pire ensuite avec l'arrivée du SIDA… C'est aussi le moment charnière où le hip hop avec Dj Kool Herc se matérialise. Les croisements des styles musicaux, quelques personnalités fortes, militantes et curieuses (David Mancuso, Larry Levan et Frankie Knuckles sont encore des noms évocateurs) font de New-York, une fois de plus, le nouvel eldorado du clubbing. On entend parler partout de ces lieux, cependant très selects, que sont le Loft, le Paradise Garage puis le Tunnel, mythifiés dans les récits même les plus glaçants (American Psycho de Bret Eston Ellis). Qui ne connait pas le Studio54 ? Pendant une poignée d'années à la fin des années 70, il deviendra le centre de l'univers pour toute la jet-set et la faune underground, gay, disco, punk, internationale se retrouvera à danser sous le regard d'Andy Warhol balançant ses sentences définitives. Le physionomiste Steve Rubell fait régner une loi impitoyable. "Une démocratie sur le dance-floor mais une dictature à la porte d'entrée" dira Andy. 2000 personnes s'y pressent chaque soir pendant ses années d'apothéoses...

Places to be

Frankie Knuckles avant d'officier à New-York fit danser Chicago au sein de la Warehouse, dont le style musical tiré de son nom la house, sera surtout due à Ron Hardy qui lui succéda aux platines. La house music puis l'acid-house vont gagner New-York et se diffuser à travers le monde bien après sa fermeture en 1987 rebaptisée Music Box en 1982.

Pas très loin, à Detroit la techno suit un destin similaire. Dans les entrepôts abandonnés de la cité de Tamla Motown et de l'industrie automobile déclinante, Juan Atkins, Derrick May et Kevin Saunderson comme fondateurs et l'Underground Resistance de Mike Banks, Jeff Mills et Robert Hood comme fer de lance politique, enflamment un lieu alternatif le Music Institute. La techno, tel un tsunami, va envahir les clubs et avoir un impact considérable sur la musique pop dans un aller-retour spectaculaire entre Europe et Etats Unis.

Après ces folles années américaines, les aventures se poursuivent ailleurs et cette fois-ci le nord de l'Angleterre va prendre toute la lumière. On connait l'histoire. Après les années sombres et post-punk de Joy Division, Tony Wilson accompagné de la joyeuse troupe de New Order met tout sa fortune dans un club, L'Hacienda, en mai 1982. Là aussi un vieil entrepôt, aménagé par Peter Saville. Le groupe qui lors de ses tournées américaines fréquente les boites est impressionné par ce qui s'y déroule… Blue Monday sort, explose les charts… Le lien est fait. Bientôt tout ce qui se fait de mieux dans l'underground musical se produit à L'Hacienda. Ensuite c'est Ibiza, l'ecstasy, les summers of love, la notoriété planétaire, la violence, la faillite etc etc…

D'ailleurs, un jeune homme, sous le nom de Dj Pedro, plus connu sous son vrai nom Laurent Garnier, à son retour en France fera des passages remarqués dans une boite de nuit de Dijon qui possède encore aujourd'hui sa petite aura mythique et pèsera sur l'évolution des musiques électroniques en France : L'An-Fer, c'est son nom. Frédéric Dumélie en est à l'origine. Il récupère la boite de nuit pépère de province tenu par sa famille et lui fait faire un virage radical. Hors de Paris, ses choix artistiques audacieux en feront un lieu indispensable pour tout fan de musiques électroniques des années 90.

Passage obligé : Berlin. Après la chute du mur, une autre révolution se met en marche dans la capitale allemande. Dans les friches autour du mur, des soirées peu à peu s'organisent, des clubs improvisés s'installent, le UFO, le Trésor sont réputés bien sûr, mais surtout au début des années 2000 est fondé le graal de toute de vie de noctambule du 21èm siècle : le Berghain.
Pour ses adeptes, y aller représente beaucoup plus qu'un lieu de fête, il est presque une philosophie de vie hédoniste et libre. Comme une secte, le Berghain se vit comme une expérience à la fois collective et intime en respectant scrupuleusement ses règles. Le son est incroyable, l'atmosphère magique, les meilleurs DJs du monde se succèdent autour de Ben Klock ou Marcel Dettmann. Ses 2400 places, son Panorama Bar sont pris d'assaut. Aucune photo de l'intérieur n'est autorisée permettant ainsi de cultiver le mystère qui entoure cette grande bâtisse. Le couperet du refus d'entrer dans le sanctuaire techno peut tomber après avoir patienté dans la file d'attente, sans trop savoir pourquoi. Et alors que la pandémie de Covid met à terre toute la vie nocturne, le Berghain a réussi à créer l'événement avec une série d'expositions, d'installations et de performances remarquables dont tout le monde parle.

D'autres clubs, innombrables, de la Colombie à la Russie au Brésil, en Inde, partout, racontent d'autres légendes, d'autres mythes. L'histoire est inépuisable et elle nous convainc que de la période actuelle de frustrations, naitront de nouvelles formes de socialisation où le rituel de la danse s'exprimera à nouveau.

Hydrophone prend la tangente.

Dans ce 6ème épisode, on pousse les meubles, on roule le tapis dans un coin, on remet la main sur cette satanée boule à facettes. Alors, on met du son.

Et, enfin, on danse dans son salon (faute de mieux).

Tangente#5 : On the road.

Marion — 2021-02-05T10:05:25Z

On the road again.

On ne cesse d'entendre cette sempiternelle petite rengaine du groupe Canned Heat, éculée et crispante pour certains, par exemple en fond sonore d'un petit reportage sur France Télévision. Vous voyez bien : lorsqu'un motard chevronné prenant la route des vacances (si la moto est une Harley l'illustration sonore sera Born to be Wild) pour éviter les embouteillages ente Pontivy et Port Barcarès alors que comme tout bon breton il aurait dû prendre son voilier, évidemment.

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Prendre la route, vu comme çà, cela a donc l'air désuet à une époque où l'on s'extasie devant les appendices portables, montres connectées, téléphones et autres accessoires à qui nous confions le contrôle de nos vies et qui nous confortent dans nos trajets cuisine-canapé ou nos courses à pied dans les bois collés aux applis forme et santé.
L'une des premières mesures du nouveau président des Etats-Unis, Joe Biden, fut de stopper la construction du fameux et sinistre mur décidé par son prédécesseur pour marquer son territoire, à la frontière avec le Mexique, censé mettre fin à l'immigration illégale. En Europe les fermetures de frontières et les tentations d'un repli sur soi n'ont jamais été aussi présentes dans les esprits depuis la fin de la deuxième guerre mondiale.
Or souvent contraints, pour des raisons tragiques de simple survie pour beaucoup de migrants, mais aussi tout simplement, pour échapper à un destin tout tracé, s'émanciper, l'homme depuis toujours scrute le chemin au bout du village, le suit pour voir ce qui se passe de l'autre côté du bois, prend le bateau sur le quai, jusqu'à la route vers un autre continent en rêvant d'une vie meilleure. Eprouver l'indispensable altérité qui constitue la véritable identité.
La route au-delà de sons sens littéral, correspond essentiellement à ce besoin de ressentir le lien vital, qui nous réunit ou nous sépare tous, en transcende la condition humaine. La sédentarité n'étant d'ailleurs que très récente dans l'histoire.

Silk Road

La civilisation du pétrole touche à sa fin et la batterie électrique nous conduit pour le moment dans une impasse écologique. Reviendra-t-on plus vite qu'on ne le croit à la marche à pied, aux chevaux et aux chameaux ? Pendant des millénaires, on s'en contenta en tout cas sur des routes très fréquentées dont les souvenirs sont encore bien vivaces.

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La route de la soie, symbole s'il en est des échanges qui ont façonné notre monde, joua un rôle prépondérant dans la diffusion des objets et des idées et favorisa grandement une porosité des cultures. Bien avant notre époque pliant sous le poids des produits manufacturés, nous consommions des produits venus d'Asie, d'Afrique et d'ailleurs comme les épices, la soie, les textiles puis plus tard la porcelaine. Et si nous parlons de relocalisation, de territoire à préserver, ayons à l'esprit que tout ça ne sont que des éléments d'un vaste balancier de l'histoire : le développement de la filature et du textile en Europe au 18ème, sous l'impulsion funeste de la traite atlantique, a privé de travail des millions d'artisans en Inde et en Asie.
La musique forcement accompagna tous ces voyageurs au sein des caravanes, qui se croisèrent sur les marchés dans les caravansérails. Ils apportèrent leur lot d'instruments de musique, de représentations et de pratiques, influencèrent largement la musique européenne au cours des siècles.

L'histoire des instruments de musique s'avère ainsi passionnante, du moment où bien avant la parole et le chant, le sifflement chez l'humain fut certainement le premier langage commun, inspiré du son du vent dans les roseaux à celui qui le conduira à fabriquer une flute ? Ou comment se sont télescopés les premiers instruments et le rythme des percussions sur peaux tendues aux hasards de rencontres et de voyages jusqu'à prendre les formes domestiques actuelles ?

Prenons le violon omniprésent en Europe depuis le 17ème siècle. Il apparait sous sa forme moderne chez nous en Italie au 16ème siècle. Il y eu auparavant, dans l'Antiquité et au Moyen-Age, la lyre. Mais les versions plus proches du violon actuel apparaissent dans l'empire chinois, l'empire byzantin et dans le monde arabo-musulman aux mêmes époques au Xe siècle. Ces instruments sont frottés à l'aide d'un archet, élaboré à partir de crin de cheval, compagnon de route comme partout dans le monde. Le « rebab » est notamment l'instrument considéré spécifiquement comme l'ancêtre du violon. Il deviendra par la suite la vielle, appelée « vihuela » en Espagne et « viuola » en italien, puis viole puis violon mentionné pour la 1ère fois autour de 1520.

Autre instrument très actuel : la guitare. Elle serait âgée de 3500 ans. Les premiers instruments à cordes connus des archéologues sont la harpe-bol et le « tambûr », qui désignent une famille de luths à manche long, répandus en Chine, en Ouzbékistan, au Kazakhstan, en Inde, en Afghanistan, en Iran, en Irak, en Azerbaïdjan, en Turquie. Une chanteuse égyptienne Har-Mose aurait, pendant le règne de la reine Hatchepsout en 1503 avant JC, utilisé cette harpe-bol comme instrument. Ce type primitif de guitare devint très populaire et fut introduit en Europe par les Égyptiens et les Mésopotamiens, puis a traversé le Moyen Âge. Beaucoup de ces instruments à cordes ont survécu jusqu'à l'époque moderne sous une forme presque indemne et sous différents noms. Ils sont encore utilisés aujourd'hui, tels que le « saz » turc à manche, la « tamburitsa » slave, le « setâr » iranien, le « panchtar » afghan et le bouzouki grec.

Orient

En plus des échanges commerciaux, les croisades ont été une source d'enrichissement pour l'occident. La découverte, en 1704, des Contes des Mille et Une Nuits vont faire fantasmer plusieurs générations d'artistes. La musique du XVIIIe siècle est ainsi truffée de références à l'Orient, des berceuses jusqu'aux marches funèbres. Camille Saint-Saëns avec Sanson et Dalila ou Suites Algériennes voyagea lui-même en Orient. D'autres illustres personnages firent de leur vision de l'Orient des œuvres majeures : Hector Berlioz avec La Captive, Giuseppe Verdi avec Aïda, ou bien encore le Divan Occidental-Oriental de Franz Schubert .

L'Orientalisme va aller jusqu'à en modifier la texture musicale. Claude Debussy fut fortement impressionné et inspiré par la musique de Bali et de Java découverte lors de l'Exposition Universelle de Paris en 1889. Les compositeurs russes, géographiquement plus perméables, ont largement contribué au développement d'un courant orientaliste comme ces Shéhérazade de Nikolaï Rimski-Korsakov ou de Maurice Ravel.

Trans sibérien

Au même titre que L'Orient Express, ligne ferroviaire légendaire et autour de laquelle on ne compte plus les romans et les films qui en font leur décor, Le Transsibérien relie Moscou à Vladivostok et dessert près de 1000 gares sur 9000 km. Il passe un peu au-dessus de Ulan Bator, emblématique étape des routes de la soie.

Le musicien électronique français Thylacine, confronté aux affres de la création, coincé dans son statut de producteur dont la discographie se construit au fin fond de son home studio, a éprouvé le désir retrouver le goût du réel, pour peut-être mieux réinvestir ensuite dans son cocon. Dans un élan instinctif, il a peut-être voulu renvoyer la balle aux musiciens russes du 19ème. Toujours est-il qu'il a subitement décidé d'embarquer son matériel et de faire le trajet pour composer, flâner, se perdre dans l'horizon, enregistrer les sons du roulement des trains sur les rails, de la nature et des éléments, de la vie aperçue à travers les fenêtres. Il a fait de ces pérégrinations un album contemplatif, onirique et évocateur, accompagné d'un documentaire en guise de carnet de voyage.

On pense évidemment à Steve Reich et son œuvre magnifique Différent Trains en 1988 à propos de ses voyages de petit garçon juif de divorcés entre New-York et Los Angeles au début des années 40 et d'autres trains en Europe. Ou encore cet intriguant et percutant Last train to Krasnodar d'Arnaud Rebotini en digne successeur du Trans Europe Express de Kratwerk.
Son rapport à la musique s'est profondément modifié tant et si bien que Thylacine a ensuite renouvelé l'expérience avec l'album Roads sur le même principe mais cette fois-ci à bord d'une caravane aménagée en studio sur un autre continent, l'Amérique du Sud, des bords de mers, aux hautes altitudes de la Cordillère des Andes. Les bandes sons de la route du 21ème siècle.

Plus familier de notre quotidien en ces temps de confinement, Burial et Four Tet nous offrent une autre vision d'un trajet en métro ...

Road 66

Avant le Word Wide Web, comme objet de toutes nos attentions avec par exemple une chasse aux Pokémons dans les bois voisins comme Saint-Graal, l'ère industrielle eue son Wild Wild West comme terre promise ultime : l'Amérique et sa traversée au cœur de tous les rêves. La liberté dans toute son acceptation comme horizon, en réalité, hélas, trompeuse et cruelle.

La route, plus qu'un tracé reliant un point à un autre, est une idée, une image mythifiée par Hollywood et des romans enflammés. Elle se forge de décennies en décennies en parallèle avec la démocratisation des moyens de transports individuels et d'une forme de tourisme correspondant à l'idéal occidental de la liberté.
La célèbre Route 66, bien ancrée dans un coin de la tête de chaque rocker qui se respecte, entre dans sa 75ème année. Elle fut en effet inaugurée le 11 novembre 1926. Simple chemin de terre au début, partant de Chicago et traversant l'Illinois, le Missouri, le Kansas, l'Oklahoma, le Texas, le Nouveau-Mexique et l'Arizona (sur près de 4000 km) avant de se terminer à Santa Monica, en Californie elle fut la première autoroute entièrement goudronnée ou pavée en 1938. Peu sauraient indiquer précisément où elle se situe, traduisant en définitive une aura qui se perpétue, en allant au-delà de sa simple fonction et dont le levier est sans doute le roman de John Steinbeck Les raisins de la colère qui la surnomma Mother Road. En 1946, un certain Bobby Troup après un road trip en fait une chanson qui deviendra un hit grâce à Nat king Cole. Plus tard, elle sera reprise par Chuck Berry, les Rolling Stones, Brian Setzer, Depeche Mode, Guitar Wolf … Eddy Mitchell et jusqu'aux pires clichés, dans les pubs notamment, et dans la France de Johnny Halliday.

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Deux films, même si l'action de ces films ne se déroule pas précisément sur cette route, L'équipée sauvage (the Wild One, 1953), avec l'irradiant Marlon Brando en cuir perfecto sur sa moto Triumph a la tête de son gang, puis l'indépassable Easy Rider (1969) point d'orgue de la contre-culture américaine de Californie, vont terminer de classer la route 66, dans une autre dimension au panthéon de la culture populaire américaine.

Philip Kaufman, d'obédience disons classique, réalisateur du remarqué L'étoffe des Héros en 1983, à propos des débuts de la conquête spatiale, n'avait guère prêté attention au milieu des années 60, aux arguments de Dennis Hooper, expliquant que le héros ultime serait un motard hippie lorsqu'il lui proposa le scenario de Easy Rider. Les chevauchées pétaradantes de Peter Fonda au son de Born to be wild de Steppenwolf bouleversèrent et préfigurèrent le nouvel Hollywood en accélérant l'arrivée aux manettes de la jeunesse hippie. Elles ont aussi précipité sur les routes des tas d'occidentaux, tendance qui résonne encore dans les années 2010, avec des charters d'européens en pèlerinage. Bagdad Café, symptomatique de l'esthétique pub du cinéma des années 80, alimenta le mythe, avec son titre entêtant sur les ondes en France notamment Calling you de Jevetta Steele. Duel de Steven Spielberg et sa musique angoissante, Cars et le tube de Sheryl Crow Real gone, Paris, Texas et la guitare de Ry Cooder, Little Miss Sunshine et sa B.O pop-indie, Thelma & Louise, Forrest Gump, Les Blues Brothers… Le salaire de la peur et des dizaines de séries B ou Z..

Si aujourd'hui les gangs de motards n'ont plus rien à voir avec Brando ou Fonda. Si les Hells Angels un peu poussiéreux ressemblent surtout à des gangs de vieux réacs, des œuvres de ce début de 21ème siècle, Boulevard de la mort, Jackie Brown de Tarantino sont d'autres incarnations de la route ou du comportement parfois déviant (ou carrément psychopathe) de l'individu moderne au volant de sa voiture, tout comme Drive sur une B.O planante, sombre, hypnotique et prégnante de Cliff Martinez avec Kavinsky, College et Chromatics entre autres.

Dans Lost Highway, le générique d'ouverture le I'm Deranged de David Bowie suffit pour nous montrer à quel point la route peut représenter notre attirance pour le danger, la terreur, les ténèbres, le diable, tout au bout de cette langue de bitume, s'enfonçant dans la nuit noire à toute allure. Et ce, jusqu'au film La route tirée du roman apocalyptique de Cormack McCarthy, dont la B.O est signée par Nick cave et Warren Ellis, où pour Vigo Mortensen et son fils, il n'est plus question de partir à l'aventure mais d'échapper aux désastres et à la chute de la civilisation industrielle et errer sur les routes, angoisses de notre temps ...

On pourrait en faire des kilomètres de phrases et elles existent les exégèses à propos de la route, de la liberté, des grands espaces. Les playlists, les titres d'albums, les vidéos, il en existe en pagaille sur nos sites de streaming mais celui qui en a fait LA bande-son est sans aucun doute Jack Kerouac.

Beatniks

S'il y a bien un nom qui personnifie l'idée d'attraper son baluchon, tout plaquer et partir sur les routes c'est ce totem incontournable, Jack Kerouac. En écrivant cette fulgurance qu'est le roman Sur la Route dans les années 50, il déclenche donc cette douce musique intemporelle et enivrante incitant à tout quitter. Une bible pour beaucoup, le livre va rassembler la fameuse « Beat génération » (au départ bande liée par la littérature autour des Allan Ginsberg et autre William Burroughs). Ils en font leur manifeste et son impact apparait comme un souffle fondateur d'au moins 50 ans de culture populaire américaine.

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Jack Kerouac se compare constamment à un joueur de jazz. Il a déclaré un jour : « je veux être considéré comme un saxophoniste qui pousse son chorus dans un après-midi chaud d'été » pour parler de son écriture.
D'ailleurs même si son origine est soumise à interprétations, le terme beat renvoie au rythme du jazz, mais aussi à la sensation d'être au bout du rouleau après de rêveuses et bouleversantes errances, d'excès en tout genre lors des périples de ces clochards célestes. On évoque même la « béatitude » en français dans le texte, que Kerouac - d'origine française - aimait laisser dire.
S'il s'inspire du jazz c'est parce qu'il a fréquenté et apprécie, ces musiciens dans les clubs de Harlem : Charlie Parker, Thelonious Monk, Count Basie, Lester Young, Dizzie Gillespie, soit la quintessence du jazz et de sa liberté d'après-guerre. La révolution du bebop en marche, transcende Kerouac.
On imagine bien, à posteriori, en quoi ils alimentent l'œuvre de Kerouac les sons des saxophones, des trompettes, le beat, les pulsations de la batterie, sur le style de vie bohème dissolue et sulfureux, ce sentiment d'extase et de liberté qu'il exprime dans son roman.

Kerouac sera donc musicien à sa manière, remplissant son rouleau d'une écriture frénétique et musicale sur fond visuel de grands espaces, ce cylindre de papier long de 35 mètres ressemblant finalement aux premiers supports sonores du 19ème.
Il ira jusqu'à enregistrer des lectures de ses textes, de sa poésie, accompagnés de musiciens choisis. Certains titres sont dédiés aux jazzmen comme Charlie Parker. Ces albums sont inégaux mais le dernier d'entre eux, en 1960, est publié par le prestigieux label Verve qui possède dans son catalogue nombre d'œuvres de ses idoles… On pourra aussi reconnaitre notamment son empreinte dans les films de Cassavetes et les slams fondateurs des Last Poets et de Gil Scot Heron.

Kerouac a réécrit au milieu du 20ème siècle nos imaginaires de voyages, et même aujourd'hui, standardisés, il subsiste toujours un moment où le parfum de la liberté, ce rythme qui pourrait tout faire basculer, vient nous frôler et nous entraine.

Fast cars

La fin du 20ème siècle a vu le processus de domestication s'accélérer. L'humain a parcouru et terminé de dompter la planète en une poignée de décennies.
Pour nous, simples mortels, l'excitation de l'aventure a laissé place à la vie moderne, structurée aux normes de la vie de banlieue, aseptisée et oppressante, et à la verticalité du béton des villes. Mais comme le décrit Baudrillard dans Cool Memories, sentir le vertige, seul sur l'autoroute, rien qu'une fois, en partant pour ses quatre semaines de congés payés dans la voiture familiale au son de l'autoradio, n'est-elle pas toujours et encore-la, la quintessence de nos vies transformées en fuite pour ressentir ce sentiment d'éphémères instants aventureux ?

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En tout cas, preuve en est, l'humanité en poursuivant sa quête effrénée de nouvelles voies vers l'infini et au-delà, a vu l'un de ses plus fantasques représentants, le patron de Space X, Elon Musk, y expédier une voiture avec un mannequin baptisé Starman au volant avec des chansons de Bowie Space Oddity et Life on Mars passant en boucle dans l'autoradio de la Tesla.

On estime qu'un américain passe 4 heures par jour dans a voiture à 6km/h de moyenne : largement le temps de s'ennuyer et de tripoter l'autoradio.
On ne saura jamais jusqu' à quel point ces voyages, ces transhumances estivales, ont façonné notre imaginaires, nos goûts musicaux et les orientations de nos vies mais qui n'a pas son anecdote sur tel ou tel titre entendu, provoquant émerveillement ou abjection en resurgissant soudain de ses souvenirs ?
Encore récemment lors d'une émission à la radio, la chanteuse pop Yelle, évoquait le titre qu'il l'avait marquée, sur la route des vacances dans la voiture familiale. Ce titre Running up that Hill de Kate Bush, l'avait profondément inspirée, pas tant les paroles qu'elle peinait à comprendre gamine, que la force et la détermination qu'elle dégageait.

Qui n'est pas concerné par ces souvenirs émus parfois décisifs ? D'ailleurs le film d'Alain Resnais On connait la chanson co-scénarisé par le regretté Jean-Pierre Bacri retranscrit l'empreinte laissée par les chansons populaires, volontairement ou non, horripilantes ou euphorisantes, souvent témoins du temps qui passe, de mélancolie et de nostalgie. Elles apparaissent alors comme ciments souterrains d'une nation. Combien d'entre elles ont été entendues et ré-entendues en voiture ? On ne saurait le dire exactement et on pourrait lancer une étude psycho-sociologique approfondie, pour décrire l'impact qu'a eu sur des générations le fait de subir ou d'adorer ces morceaux attrapés au gré des variations de la bande FM ou du lecteur à cassettes. Peut-être que le rejet éprouvé à l'écoute de l'intégrale de Georges Brassens ou du tube fédérateur à la mode ont pu façonner à jamais nos oreilles le temps d'un embouteillage…

Le neurologue américain Dean Burnett donne une analyse du mécanisme de l'expérience d'écouter de la musique en voiture qui nous rendrait dépendant de ces chansons : il explique que notre cerveau est très sensible à la musique et met nos sens en alerte. Sur l'autoroute le bruit de fond causé par le ronronnement du moteur, et le vent frappant les vitres est constant, ce qui rend le cerveau particulièrement réceptif en offrant une sorte de point de comparaison fonctionnel en "concurrençant" la chanson qu'on écoute : il nous rend plus réactifs à elle.
De même selon lui avec « l'excitation du déplacement », le cerveau croit que l'on va mourir et déclenche une brusque montée d'adrénaline puis une réaction de type "combat-fuite". Il est alors particulièrement sensible et réagit donc beaucoup mieux aux stimuli. Tout ce qui peut se nourrir de ce sentiment de danger, comme de la musique écoutée à fort volume, semblera plus excitant par comparaison, parce que le cerveau est déjà dans un état d'excitation.
Et ce n'est pas tout : le trajet en voiture oblige notre cerveau à essayer d'intégrer quantité d'informations sensorielles : les panneaux d'indication, les feux, la position des autres voitures, etc. Cet effort implique alors un besoin de défoulement et nous fournit donc un bon prétexte pour chanter à tue-tête Etienne Etienne comme Guesh Patty.
Dean Burnett ajoute une dimension émotionnelle. « La route donne un sentiment combiné de liberté et de contrôle. C'est quelque chose de positif et le cerveau associe cette sensation avec la musique écoutée ». Voilà tout est dit, il faut donc bien choisir sa radio, comme dans toute situation exceptionnelle, tel ce moment de la chanson marquante d'un couple, associée à une acmé lors d'une parade amoureuse par exemple sur la piste de danse. Partenaires particuliers, ce genre ...

Nationale 7

Imprimer profondément l'inconscient mélodique, Charles Trenet y a contribué avec son ode joyeuse à la Nationale 7, hélas depuis belle lurette remplacée par une autoroute triomphante. Ce titre a construit la légende de cette route. L'une des routes nationales qui, après-guerre, grâce aux progrès sociaux spectaculaires de 1936 (et l'obtention 3 semaines de congés payés) seront assidument fréquentées par de nouvelles classes de touristes redécouvrant le pays tout en se précipitant sur les plages de la Méditerranée.

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Elles ont depuis été vantées, ces routes de France, ses paysages, ses villages traversés, et célébrés chaque jour dans le 13h de Jean-Pierre Pernault. Elles sont magnifiées par l'emblématique Tour de France chaque année et même de façon inattendue par les allemands de Kraftwerk avec leur titre Tour de France robotique.
La Nationale 7 exerce, étonnamment ou pas, un certain attrait nostalgique. Il y a quelques années le magazine Gonzaï dans son numéro 26 de juillet 2018 racontait avec délice, la quête des vestiges des stations, des restaurants aujourd'hui en décrépitude, et pour certains de se rappeler ainsi des bandes sons perçues lors des pauses déjeuner dans le brouhaha de l'excitation des départs en vacances.
Les autoroutes ont elles aussi leurs aficionados. On connait tous ces fans d'aires d'autoroutes, qui les connaissent par cœur, qui en font des classements, l'architecture des aires de pique-nique, des restaurants aux volumes fantaisistes et aux couleurs surannées. Et justement, le magazine en ligne Musique Journal rebondissait récemment sur la création d'un Atlas des régions naturelles, comprenant 12000 photos classées, critérisées et regroupées sans autre forme sur un site absolument prodigieux. Le photographe Eric Tabuchi, ancien musicien, et la plasticienne Nelly Monnier ont recensé les paysages naturels mais aussi les équipements, les ruines, panneaux routiers, bâtiments de toutes sortes. On pourrait se construire son propre voyage poétique et s'y perdre, contemplatif, pendant des années et en y ajoutant, comme le propose Musique Journal, une bande son routière idéale comme compagne de voyage.

On en revient à Kraftwerk, avec Autobahn relatant l'hypnotique poésie de la conduite automobile. Fondateur et inspirateur d'une électronique industrielle, ambient, d'un soundscape urbain et de ses incursions en béton, fantomatiques dans nos douces campagnes. On pourrait y associer ces ronds-points et l'étude comparée qui fascine par leur laideur ou par le génie incompris qui se cache derrière ses œuvres : l'aventure au bout du rond-point.

L'américain Daniel Lopatin, star underground, sculpteur sonore hors pair et producteur entre autres de The Week End expérimente sous le pseudonyme de Oenohtrix Point Never une forme hybride de pop du futur. Son dernier album se nomme Magic Oneohtrix Point Never du nom complet de la station de radio de Boston (106.7) à laquelle il était constamment suspendu dans ses jeunes années dans le Massachussetts que ce soit dans sa chambre ou dans sa voiture. Cet album audacieux dans sa texture dans sa construction entre ambient électronica et mélopée pop, folk et effets de saturations et de glitchs divers et variés reflète à la perfection la carte et le territoire de ses pensées notamment avec cet envoutant Long road home.

Une autre façon de voir la route : du côté des musiciens et de la vie de tournée, par exemple, plus roots, avec cet article d'Anouck Eychenne intitulé « Sur la route avec Radix » et son pendant en épisodes podcastés « On the road again » dans le remarquable et riche numéro 1 du fanzine féminin Ventoline.

Free music for free people : Travelers

Tout comme un peu partout en Europe, il existe une catégorie de population désignée de façon générique comme « gens du voyage » ; elle est plus ou moins acceptée, plus ou moins stigmatisée. Dans les pays anglo-saxons et à l'origine surtout en Irlande, les travellers sont une communauté présente depuis le moyen-âge, vivant en marge mais sous la bienveillante excentricité britannique. Déclinante, elle connut un regain à la fin des années 60 avec les hippies en rupture de société qui adoptèrent ce mode de vie autour de roulottes, de campements itinérants, et organisèrent des rassemblements mystico-new âges de retour à la nature, notamment à Stonehenge dans le sud de l'Angleterre.

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Mais le phénomène traveller s'engagea dans une tout autre direction au tout début des années 90. En 1986, les anglais bien connus pour leur assiduité touristique dans les Baléares sont désarçonnés par de nouveaux sons, de nouveaux rythmes, se lancent dans des embardées frénétiques sur les pistes d'Ibiza. Ce nouveau phénomène, la house music en provenance directe de Chicago, des dj comme Paul Oakenfold vont immédiatement se l'approprier et rapidement la diffuser dans les clubs. La Hacienda à Manchester, le club de New Order où officie d'ailleurs sous le nom de DJ Pedro le tout jeune français Laurent Garnier en devient le temple avant que cette musique ne se propage jusqu'à Londres. L'acid house explose en Angleterre lors de soirées plus ou moins clandestines dans les fameux entrepôts, les warehouses comme à Détroit, dans les suburbs londoniens. Un enthousiasme massif et débordant envahit l'Angleterre, bien aidé par un autre facteur d'importance en provenance d'Ibiza, l'Ecstasy. Avec ces pilules de l'amour euphorisantes, les attitudes violentes très présentes en cette fin des années 80 dans les soirées, les concerts, les stades, se transforment en fraternisation spontanée entre les hooligans, les skinheads et autres communautés sympathiques. D'un seul coup, en transe, ils se veulent du bien sur les dancefloors … et jusque dans les champs pour ces étés magiques des raves au cours des inoubliables summers of love. Un dénommé Mark Harisson n'en perd pas une miette, lui qui a habité à quelques pas de l'Hacienda.

Face à ce déferlement, une fois de plus dépassées par les soubresauts de sa jeunesse, les autorités conservatrices du royaume prennent peur, tout comme elles furent désarçonnées par les punks ou les hippies. Ne supportant pas de voir tout ce petit monde échapper à son contrôle, des mesures coercitives sont rapidement adoptées par le gouvernement Thatcher. Parallèlement, à Londres et dans les grandes villes les loyers deviennent prohibitifs, les pauvres sont chassés. Mark Harrison, vivant dans des squats, a déjà connu quelques aventures avec les travellers de la génération précédente, a croisé le fer avec la police et décide avec quelques amis adeptes de faire des soirées clandestines. Ils songent à s'extirper d'un mode de vie consumériste dans lequel ils ne se reconnaissent pas. Leur message n'est plus revendicatif face aux politiques mais la tentation est plutôt de s'en détourner totalement.
Mark est graphiste, et après s'être amusé avec une photo d'un coquillage en forme de spirale, le collectif crée Spiral Tribe en 1990. Celui-ci prend la route, fuit la répression et la froideur du béton des banlieues à bords de camions où sont embarqués des soundsystems puissants et vont côtoyer les communautés travellers et vite commencer à organiser des fêtes avec d'autres collectifs comme Bedlam ou UFO en misant sur une économie plus ou moins basée sur la gratuité ou le don, d'autres à vocation plus mercantile. Dans un jeu du chat et de la souris des convois de camions se rallient de fêtes en fêtes, durement réprimées par Scotland Yard. Ces « free party » font face à l'adversité, la morosité et la brutalité du gouvernement conservateur. Le point d'orgue en sera la rave de Castelortone en 1992. Elle réunit 40 000 personnes. La police intervient, le matériel est confisqué les Spiral Tribes et les autres sont arrêtés pour « conspiration en vue de créer un trouble à l'ordre public ». Avec leur procès très médiatisé, les anglais se divisent en deux camps distincts mais la Criminal Justice and Public Order Act est votée en 1994. Elle prohibe entre autres les rassemblements de plus de dix personnes autour de « musiques répétitives » ... Les Spiral Tribes décident de s'exiler chargés de leurs gigantesques systèmes sons. Ils débarquent d'abord en France, organisent le premier teknival… et inspirent de nombreux collectifs de Marseille à Brest : les Heretik, Nomad, Metek, Kraken et beaucoup d'autres font vivre la teuf à la française pendant une dizaine d'années intenses. Le phénomène s'implante en Belgique, aux Pays-Bas, en Allemagne dans les pays de l'Est qui aspirent à profiter de leur liberté retrouvée.

La musique électronique gagne en popularité, envahit les charts, connait un succès commercial immense, produit au travers de styles très disparates des œuvres discographiques emballantes et quelques classiques de l'histoire de la musique. Le mouvement des raves se scinde définitivement en deux. Refusant les compromissions, une nébuleuse de teuffeurs subsiste alors en s'éloignant progressivement de l'euphorie artistique et politique des débuts et en tentant de préserver un idéal entre individualisme, incompréhension, précarité et manque de moyens ou appât du gain dû au trafics et aux drogues omniprésentes. La musique a changé, elle est devenue plus dure, plus radicale, la hard tek domine. Avec l'âge beaucoup rentrent dans le rang.
Le phénomène, au cours des années 2000 va prendre une forme hybride. Les free party deviennent finalement l'échappatoire, l'exutoire tribal et salvateur le temps du week-end, en opposition à une vie normée et rangée quelquefois morne et sans perspective vécue pendant la semaine, comme d'autres vont en boite de nuit ou dans les tribunes des stades pour se transcender. L'activisme s'est essoufflé, les teufs sont globalement moins nombreuses mais connaissent des résurgences régulières sur des périodes dures comme actuellement. Les Spiral Tribes, eux, font parler d'eux épisodiquement sous le nom de SP 23.

Seven Seas

Enfin si ces toutes routes existent et sont empruntées, elles le doivent aux millions de travailleurs et de pionniers qui les ont édifiées.
Un chant au nom de Wellerman dérivé des chants des travailleurs des champs et des poseurs de rails américains au 19ème siècle chanté par un certain Nathan Evans a capella, a enflammé le petit dernier des réseaux sociaux Tiktok.
L'appel du large et des traversées maritimes, et de la liberté.

Again and again ...

Kevin Morby - Wander

Sources

André Schaeffner et les origines corporelles de l'instrument de musique par Anne Boissière

Jack Kerouac et le Jazz - Electrophone

Music Sounds Better in a Fast Car—Here's Why - Mark Hogan - Pitchfork

Musique, film, documentaire... Ce que la voiture vous inspire - L'Yonne Républicaine

Ventoline #1

Le guide de survie du traveller par Mask Gravos, DJ en free party - Trax

French Teuf - Libération

Hydrophone prend la tangente.

Dans ce 5ème épisode, on taille la route, on prend le large et le train, à dos de chameaux, sur une Harley ou dans un Falcon. On avale les kilomètres.

Peu importe la monture, tant qu'on a l'autoradio.

Tangente#4 : Le football, l'amour et la musique.

Marion — 2020-11-27T14:04:00Z

Dans les stades : le football, l'amour et la musique.

Vous vous souvenez certainement de la version cinématographique d'un roman à succès de l'auteur britannique Nick Hornby, Haute-Fidélité, avec John Cusack et Jack Black narrant les angoisses existentielles d'un disquaires indépendant, et de ses acolytes, de passionnés et paumés adultescents coincés entre rêves et destins contrariés. On connait moins son équivalent footballistique : Carton Jaune sans doute l'un des livres qui relate le mieux le football, son essence au-delà du jeu, au travers de l'amour immodéré de l'auteur pour son club de foot Arsenal, à l'époque où le club jouait encore dans son antre d'Highbury à Londres. Le "boring" Arsenal du milieu des années 70 d'avant l'arrivée du messie Arsène Wenger, celui qui ne gagnait presque jamais rien, mais qui était entouré d'une ferveur et d'un attachement immense comme tous les clubs de la même ville, parfois situés à quelques encablures. Les Who et Roger Daltrey, son chanteur sur pile électrique (Won't get fooled again), grand fan du club, le savait, lui qui chantera et écrira un titre à la gloire du stade et du club lorsque celui-ci quittera Highbury The home of football pour le stade plus adapté à l'ère industrielle et financière du football que sera l'Emirates Stadium. Il aura lui pour surnom la cathédrale, symbolisant la passion anesthésiée par un nouveau public plus formaté de consommateurs...

Ce diptyque romanesque reflète parfaitement comment au Royaume-Uni, berceau du football, la musique, le foot sont intimement liés, autour d'une quête sisyphéenne de la mélodie, du single ou de l'album parfait d'une part et d'une victoire d'un moment de gloire, d'une épiphanie momentanée de l'autre.

Rule, Britannia !

« Le football, ce n'est pas une question de vie ou de mort. C'est bien plus important que cela. » disait Bill Shankly le mythique coach de Liverpool.

Morrissey chanteur des Smiths et fan de Manchester UTD alors que le guitariste Johnny Marr est plutôt Manchester City, s'adresse sèchement à l'entraineur mythique de Liverpool sur Frankly, Mr. Shankly pour en fait évoquer Geoff Travis le patron de son label Rough Trade. Morrissey parsème sa discographie depuis toujours d'allusions au football.
Celui-ci devient populaire très tôt en Angleterre, son berceau, au milieu du XIXème siècle, et touche progressivement et profondément les strates de toute la société mais surtout les classes populaires. Dès les années 1870, les édiles politiques, le clergé, et le patronat ont bien compris l'intérêt de ce sport codifié à partir des différents jeux de balle issus du moyen âge.

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Pendant que les étudiants de l'aristocratie jouent au rugby à Eton ou Oxford, et pour occuper et contrôler les samedis désœuvrés de leurs ouailles, de la communauté, de la famille, les samedi après-midi, mais aussi aiguiller les discussions sur le futile dans les pubs, on recrute les ouvriers comme footballeurs professionnels dans les années 1880. Les entreprises créent les premiers clubs (comme Arsenal "les gunners") pour un public de plus en plus nombreux. Les patrons n'ont pas anticipé cependant que le foot participera en définitive au développement d'une conscience de classe et de résistance face à un ordre établi). Le célèbre historien Eric Hobsbawm décrit le foot de l'époque comme "une religion laïque du prolétariat britannique".

Le football va ensuite se répandre à travers l'empire à vitesse exponentielle notamment en Amérique du Sud, en Argentine puis au Brésil surtout, où les migrants et les colons britanniques implantent les premiers clubs.
Les premières traces des liens marquants entre foot et musique populaire apparaissent dans les années 20 et 30. Citons le Manchester Football Double (Song) de Lord Kitchener & Fitzroy Coleman Band et en Argentine, où le foot se développe rapidement prenant une place importante dans les quartiers populaires, Carlos Gardel et Mi primer Gol – Tango. En Russie Chostakovitch compose une ode à la gloire du foot avec L'âge d'or.

Swinging London

C'est après la guerre que l'identification des clubs avec leur population devient massive avec en même temps que l'avènement d'une véritable culture pop.

En juillet 1966, l'Angleterre remporte enfin une finale de coupe du monde face à l'Allemagne dans son stade de Wembley. Le public chante le refrain d'un titre des Kinks Sunny afternoon : « Cause I love to live so pleasantly, live this life of luxury, lazing on a sunny afternoon... In the summertime... ». Le single vient de sortir et devient la bande son de cet été en lévitation pour les anglais. Un film sorti en 2006 Ma finale 66 se fait l'écho de cette effervescence et de cette atmosphère légère.

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L'Angleterre vivra une épopée similaire avec son équipe nationale en 1990. La fin sera moins heureuse mais le World In Motion de New Order et son fameux E for England fera vibrer la jeunesse britannique entre deux raves d'un énième summer of love. Pas le meilleur titre du groupe mais l'un des meilleurs hymnes officiels de l'histoire du foot. Dans le refrain le E est évidement une allusion à l'ecstasy. La respectable Fédération anglaise a fait mine de ne rien voir et l'équipe de foot fut, là aussi, en harmonie avec son époque…
À partir de la deuxième moitié des années 60, les rencontres et les croisements avec les nouvelles célébrités de la pop music se créent naturellement. Le Swinging London, la mode, la musique, les fêtes rassemblent ces pop stars des deux mondes.

Les journalistes écrivent alors : "les Beatles fournirent la musique et Georges Best la chorégraphie."

Le rédacteur en chef actuel de L'Equipe, Vincent Duluc, explique parfaitement et avec romantisme commet tout se mêle, dans son essai George Best, le cinquième Beatles. Cette star immense du football tout autant connue pour son prodigieux talent que pour ses frasques et sa vie de rock star, fit les beaux jours de Manchester au moment même où Les Beatles révolutionnaient la musique, en Angleterre et dont le déclin s'amorçait déjà.
La légende du personnage, adepte des punchlines dévastatrices ("J'ai dépensé tout mon argent en filles, en verres et en voitures. Tout le reste je l'ai gaspillé"), reste tenace et resurgit régulièrement. Le groupe Wedding Present nomma l'un de ses albums George Best au milieu des années 80 avec une célèbre photo du joueur sur la pochette. Un titre des Mancuniens de New Order s'intitule Best & Marsh en référence à une émission lors de laquelle Georges Best intervenait.

Si Mick Jagger a toujours affiché sa préférence pour Arsenal, le 1er clin d'œil au football, notable de la part des Beatles se trouve lui sur la pochette de Sergent Peppers (Albert Stubin). Ils citent Matt Busby sur Dig it extrait de Let it be, entraineur de Georges Best et lui aussi légende de Manchester United. Or les Beatles sont de Liverpool… Le groupe n'a jamais affiché clairement de préférence footballistique mais en 2019 encore, a été évoqué dans la presse une polémique sur le fait que Paul McCartney aurait des années avant soutenu Liverpool FC plus qu'Everton, l'autre club de la ville.

Les chansons des Beatles vont être reprises lors des matchs à Liverpool à partir de 1962. Le public va ainsi s'habituer à s'époumoner sur d'autres succès du top 10.
D'où le succès ensuite de You'll Never Walk Alone, reprise d'un classique de la comédie musicale reprise par les liverpuldiens de Gerry & The Pacemakers. Il naît alors dans le Spion Kop, nom d'une tribune du stade d'Anfield Road. À l'origine, une colline, terrain d'une bataille en Afrique du Sud, où un régiment de Liverpool se fit anéantir. Le Kop est devenu en Europe, le nom de toute tribune où se regroupent les plus fervents ou chauds supporters d'une équipe.
Le son du public d'Anfield chantant ce titre est présent sur un morceau des Pink Floyd, Fearless sur l'album Meddle en 1971. Lana Del Rey, pop star américaine qui assite régulièrement aux matchs de Liverpool, vient d‘en proposer une reprise à capella pour un documentaire sur le club.

Dame de Fer

À la fin des années 70, les travaillistes apathiques devant la crise, laissent la place aux conservateurs qui eux, ont haché menu la résistance des ouvriers face au libéralisme impitoyable de Margaret Thatcher. La violence des skinheads et autres hooligans dans les stades et les salles de concerts se propage.

Avec les punks, puis le post-punk, les groupes et les musiciens revendiquent de plus en plus leur fidélité à un club, défendant par-là une identité en perdition. Les accointances de certains avec des clubs sulfureux comme West Ham Chelsea ou Millwall réputés à travers l'Europe pour la violence de leurs hooligans, sont réelles. Certains membres du groupe Madness ont fréquenté les "terraces" chantées par le groupe punk Sham 69. Dans la culture punk du DIY, les fanzines sont souvent distribués à l'entrée des stades et mélangent foot et musique.

Baptisé d'après un titre des Undertones, When saturday comes, un fanzine devenu magazine incontournable de la culture foot reste encore aujourd'hui une référence.
Il a d'ailleurs grandement inspiré en France le magazine So Foot qui va, à son tour, révolutionner l'approche du foot en France. Il traite, met en perspective, et relie cette "culture pop", le foot et ses ancrages sociaux, avec le décalage, le second degré, l'ironie indispensable pour appréhender le phénomène.

Cool Britannia

Depuis les années 90, les artistes britanniques n'hésitent plus à afficher leurs couleurs. Damon Albarn, leader de Blur, s'affiche en une des journaux, même en France pour les Inrocks, avec son maillot de Chelsea, en pleine rivalité exacerbée avec les frères Gallagher d'Oasis, fans inconditionnels de Manchester City. Les frangins, avant l'arrivée des pétrodollars émiratis, voudront racheter le club. Comme avant eux Elton John, première pop star milliardaire à devenir propriétaire d'un club, Watford, au début des années 80.

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Vincent Duluc, toujours, n'oublie jamais dans ses articles d'évoquer, non sans nostalgie, les stades, les contextes sociaux, les légendes, les artistes et les groupes qui font la bande son d'une ville autour de son équipe. À Manchester, Leeds ou Liverpool, on pense aux Stones Roses, Oasis, aux Kaiser Chiefs, ou à Echo & the Bunnymen ou même John Peel, rouage important de la diffusion de la musique pop au Royaume Uni. Celui-ci déclara dans une interview au mensuel les Inrocks, que son plus grand plaisir était de monter sur la grande scène du festival de Reading pour annoncer les résultats des matchs du week-end, mais aussi que son meilleur souvenir de Paris se trouve sur un trottoir en face du Parc des Princes en train de fêter la victoire de Liverpool en finale de coupe d'Europe.

D'autres journalistes ayant baigné dans cette même culture foot, tel Pierre-Etienne Minonzio prennent la relève et saisissent bien ce zeitgeist footballstico-pop en essayant de transposer cette approche pour la France. C'est plus compliqué.

Footix

Oui, la France est championne du monde de foot. Mais cette France qui s'enflamme tous les 4 ans pour la coupe du monde et les bleu(e)s, est-elle une réelle terre de foot ? Les Daft Punk triomphent aux Grammy Awards et font partie des plus grandes stars planétaires. Aya Nakamura est actuellement dans le top 10 des ventes streaming dans le monde. Mais les meilleurs joueurs français courent vers les eldorados de l'Angleterre, de l'Espagne ou de l'Italie. Les artistes français atteignent la consécration quand ils se présentent sur la scène de Coachella aux USA.

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Certes, le facteur économie joue pleinement. Les salaires pratiqués à l'étranger n'ont aucune commune mesure avec ceux pratiqués en France, déjà hors normes. Mais la puissance économique du football dans ces pays s'avère être très supérieure. C'est aussi parce que la popularité du foot est-elle-même sans équivalent. Les joueurs du monde entier rêvent de jouer dans des clubs prestigieux, les stades et les ambiances britanniques ou espagnoles. La comparaison est valable pour la musique pop, ses foules, ses festivals et ses ventes de disques que ce soit en streaming ou en vinyle.
La France est fière de confier à Johnny Hallyday l'hymne officiel de la coupe du monde 2002, le très pénible Tous ensemble, mais il n'est pas le seul exemple hélas. En 1998, le I will Survive de Gloria Gaynor est lui venu directement du vestiaire de l'équipe de France et fait la différence, créant un rapprochement immédiat avec le public.

Le lien entre pop musique et football reste toutefois assez anecdotique ou superficiel. Les chansons sur commande par les clubs ou la fédération pour les compétitons internationales, sont globalement des naufrages. On se souvient juste de Allez les Verts en 1976. Peut-être que parce que au-delà du sport en lui-même, qu'on peut aimer ou détester, c'est entendu, un mépris longtemps omniprésent, affichés par les élites intellectuelles française (sport de beauf imbibés, violents, etc…) inhiberait les éventuelles volontés des aficionados. Ce mépris perdure encore.

En France est d'ailleurs né le concept de Footix. Ce n'est sans doute pas là non plus un hasard. La vision et l'approche grand public, du supporter volant au secours du succès définit sommairement le footix en toute méconnaissance des codes et ce qui sous-tend la cuture foot, la culture des tribunes…

Citons cependant Miossec et le stade Brestois avec son touchant Evoluer en 3ème division ou son Stade Brestoa ; le Kraftmen Club qui résonne au Stade de France pour l'En Avant Guingamp. Voir l'émotion très perceptible des fans du RC Lens avec Les Corons de Pierre Bachelet au stade Bollaert.

En remontant dans les années 70, nous croisons Alain Barrière, première star de la chanson à afficher ses préférences avec Allez Rennes en 1971.

À Marseille, la passion populaire s'avère plus forte. L'OM draine des foules conséquentes. On y retrouve cette ferveur, cette communion bouillonnante, et toute méditerranéenne équivalente à celle de Naples, Madrid ou d'Amérique du Sud.
Et les groupes de rap forcement, venus des quartiers nords de Marseille, clament à travers leurs morceaux leur amour pour l'OM. IAM (Le feu), Soprano, Jul, tous ont vécu les matchs des virages du stade Vélodrome (rebaptisé aujourd'hui, signe des temps, Orange Vélodrome)… Le club vient même de créer un label consacré aux musiques urbaines. Manu Chao et la Mano Negra choisissent d'y tourner le clip de leur magnifique hommage au dieu du football et digne héritier de George Best en rock star des années 80, Santa Maradona.

La Main de Dieu

Si l'aura de joueurs hors du commun ont enflammé les imaginations d'artistes et de musiciens par leur talent, leur élégance sur le terrain, leur poésie du driblé ou de la passe, comme Johan Cruyff, Pélé, ou récemment, Zidane pour le groupe écossais Mogwai, seuls des personnalités fantasques ou en marge du système ont vraiment été adoptées par les musiciens pop.
Cantona et Best à Manchester, mais surtout Diego Maradona, icone pop, rock star du foot issue des bidonvilles argentins et défenseur du peuple et des pauvres, engagé politiquement. Tout comme Georges Best mort de ses excès à 59 ans et comme Jim Morrison, ou Amy Winehouse en idole sacrificielle, il aurait pu dire comme John Lennon qu'il était plus célèbre que Jésus.

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Manu Chao, Emir Kusturica, notamment, ont chanté ses louanges, ont lancé des incantations au Dieu du foot, mais des dizaines d'autres ont chanté Maradona. Il était en Argentine, le tango, à la fois génie, comédie et tragédie.
Et avec qui il se trouva des atomes crochus chez les ennemis anglais ? Les frères Gallagher de Manchester…

Au Brésil, la musique est omniprésente autour des stades, avec l'élégante bossa nova et la samba permanente au Maracana Rio de Sao Paulo. On associe constamment le football brésilien et la samba.

poooooo po-po-po-po poo poooo

Mais le football moderne a changé le rapport aux tribunes depuis le début du XXème siècle.
Il existe de nos jours une nette différence, un fossé entre ce que propose aujourd'hui le football business, son marketing autour de ses équipes nationales, ses ligues, son overdose de matchs, avec le foot, ses codes, son histoire, sa dimension populaire et sa culture des tribunes en voie de disparition.
La vision et l'approche grand public, formate l'ambiance des stades, et pas uniquement au football. Des hymnes diffusés à fonds en surfant sur les modes du moment de manière assez artificielle, sont repris par les foules encouragés par les speakers (le poooooo po-po-po-po poo poooo Seven Nation Army des White Stripes, repris dans tous les stades comme un gimmick mais tournant un peu à vide, le Go West des Pet Shop Boys et aussi l'horrible We are the champions de Queen). Verrons-nous un jour en Europe le public applaudir à la demande des hymnes de club sponsorisés par une marque en la citant dans les couplets, comme aux USA dans les stades de baseball ?

On le voit à longueur de retransmissions télévisées, en ce moment : le football sans le public et la passion n'est rien. Certes, pendant la pandémie le spectacle sportif continue mais les matchs nous proposent juste un ersatz de ce qu'est le football. Dans les stades vides et tristes, nous ressentons vraiment, même à distance, l'importance que peut avoir un public de fans et ses chants, à la fois pour créer de l'enthousiasme, mettre un peu de pression, justifier tout simplement l'envie de courir derrière la baballe plus vite que l'adversaire.

Cette période agit comme révélateur de ce qui anime fondamentalement ce sport et espérons-le sera à l'origine de sa résurrection populaire et musicale.

Hydrophone prend la tangente.

Ce 4ème épisode nous plonge dans l'ambiance des stades, leurs hymnes et leurs icônes, footballistiques et pop.

Tangente#3 : Mondes parallèles et autres imaginaires

Marion — 2020-11-20T11:33:46Z

Le podcast

Une salle de concert et des studios fermés au public, pendant de longues semaines, c'est un monde parallèle en soi. Des micros abandonnés, une régie d'enregistrement esseulée, une équipe qui refuse de tourner en rond et qui choisit de prendre la tangente. Cela donne un podcast où l'on parle musique forcément, et puis jeux-vidéo, cinéma, et même cuisine avec une bande son de foufou. Bonne écoute !

Mondes parallèles, virtuels et lointains, une brève histoire des imaginaires à travers la pop music.

C'était en avril dernier. À l'époque nous utilisions des expressions comme "monde d'avant", "monde d'après". Était-ce le commencement d'une de ces dystopies qu'on nous promet à travers la littérature ou le cinéma depuis déjà tant de décennies ?

Nous ne voyageons pas encore dans le futur, nous ne nous aventurerons pas à lancer des hypothèses ; mais ce qui est sûr c'est qu'en cette fin du mois avril nous n'en pouvions déjà plus de ces live Facebook ou Instagram qui inondaient nos vies confinées, à nos corps défendants. Pléthore d'artistes aux dégaines négligées, aux coiffures hirsutes plus ou moins étudiées, portant des t-shirts de 25 ans d'âge, donnaient des concerts improvisés dans leur salon avec leur mug posé sur la table basse…

Imaginez David Bowie en chaussettes et caleçon dans son canapé reprenant Life on Mars ? Non. Et d'ailleurs, lui, l'alpha et l'oméga de la vision pop, s'il était toujours des nôtres, n'y aurait probablement pas participé. Il aurait été ailleurs, en train d'explorer un autre monde, en parallèle, ou le rêve et l'audace sont encore possibles. Ce qu'il avait d'ailleurs anticipé, dès 1999, en entrouvrant la porte sur un monde numérique encore balbutiant et abstrait...

Avatar

Car en ce fameux mois d'avril 2020, le 23, un jeudi précisément, des jeunes gens désignés par leurs aînés comme la génération Z, succédant aux "millennials" déjà obsolètes, rassemblaient par dizaines de millions leurs avatars sur le jeu en ligne, Fortnite pour acclamer le rappeur US Travis Scott. Au moment même où le monde de la culture se désespérait des salles vides, où nous nous sentions désemparés à l'idée de ne pouvoir sortir voir un concert, de nombreux ados, entre autres lorientais, avaient donc ordonné à leur smartphone de les réveiller en pleine nuit pour être au rendez-vous de l'Astronomical, nom donné à ce concert.

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Ainsi, autour d'un géant, tel un Gulliver chez les lilliputiens, déboulant d'une planète artificielle descendue du ciel, l'avatar de Travis Scott, star interplanétaire, chantait, et jouait avec les éléments dans un déluge d'artifices numériques, fantasmagoriques et psychédéliques, de couleurs criardes, de feux d'artifices, sous les acclamations des avatars-fans-spectateurs à ses pieds.
Certes il n'était pas le premier, le Dj Marshmello l'avait précédé dans le même jeu. Si on pratique l'archéologie numérique, il y eu même dans les années 2000 un concert de U2 mais conçu, celui-ci par les fans dans Second Life, première tentative de monde virtuel global. Est- ce donc là, l'avenir de la musique et des concerts live ?

Peut-on le voir comme un symbole et un basculement vers un monde virtuel comme échappatoire ? Définitif, comme l'imagine Steven Spielberg dans Ready player one ? C'est en tout cas l'événement qui a, jusqu'à présent, eu le plus de retentissement notamment médiatique en 2020…
Fortnite est donc un jeu en ligne communautaire de battle. Les participants choisissent un avatar modélisé sur un certain nombre de critères comme c'est déjà le cas depuis longtemps avec les SIMS notamment. C'est ce qu'on appelle un metavers, (contraction de meta universe, en français méta-univers) comme le sont aussi les tout aussi populaires Minecraft ou Animal Crossing. Ces lieux de sociabilité et d'échange, ces "tiers lieux" virtuels accueillent aujourd'hui nombre de confinés dans cet à côté empli de références pop. La musique et son industrie ne pouvaient rester en marge…

À peu près au même moment que Travis Scott, Courier Club un groupe post-punk américain, décide d'organiser sur Minecraft un festival événement. Ses membres ont grandi avec le jeu. L'idée leur semble tout à fait naturelle. Le Block by Blockwest (BXBW, référence au festival South by Southwest à Austin au Texas) nait et on voit dans le jeu, semaine après semaine, avec la collaboration à travers le monde de la communauté Minecraft se construire un espace, des scènes comme pour un festival en plein air. Ce festival se déroulera sur une durée de 7h avec quarante concerts répartis sur trois scènes. Des groupes de l'underground, de la scène indé mais aussi les Pussy Riots et même Massive Attack doivent participer. Devant le succès et les dizaines de milliers de connexions les serveurs lâchent… Le festival se tiendra finalement le 16 mai 2020.

Dans un autre métavers, Gorillaz, précurseur dans l'utilisation d'avatars animés au sein de son propre univers, présente son nouvel album en exclusivité dans un talk-show virtuel au succès énorme dans le non moins fameux Animal Crossing. Alexandria Ocasio-Cortez (l'une des sénatrices les plus populaires et grand espoir démocrate pour le futur des Etats-Unis) faisant même des pieds et des mains, sans succès pour l'instant, pour y apparaitre et rencontrer les membres-avatars…
Ce processus, accéléré bien sûr par la pandémie, peut paraitre vertigineux, abyssale, c'est selon, voir un choc de civilisation pour certains.

Virtuellement votre.

Tout comme pouvaient l'être, dans le monde d'avant et en provoquant d'interminables polémiques, il n'y a pas si longtemps, ces quelques tentatives inverses : en intégrant du virtuel dans le réel, de la réalité augmentée, le lointain fantasme de l'industrie musicale, prométhéen, de l'hologramme ressuscitant les idoles du passé, était en passe de se réaliser. En 2012 lors du Coachella, un concert de Dr Dre et de Snoop Dog créait le buzz puisque l'hologramme de 2Pac, décédé en 1996, chantait en leur compagnie sur scène. L'illusion était bluffante mais certains des mots qui sortirent de la bouche de son hologramme n'auraient pas pu être prononcés de son vivant. D'où la polémique.

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Des tentatives ont eu lieu avec Michaël Jackson et en France avec Dalida ou Claude François mais le procédé reste imparfait techniquement et provoque le malaise. Pour le moment.

Bien avant que nous soyons confrontés à ces frontières floues entre réalité et vie numérique, à la fin du XXème siècle, la préhistoire donc, David Bowie, toujours lui, en 1999 précisément, se voit solliciter pour l'utilisation d'un édit de son titre Heroes pour un jeu vidéo, The Nomad Soul. Il refuse et retorque qu'il veut créer une B.O. spécialement pour le jeu. David Cage, débutant dans la création d'un jeu à l'époque, et personnalité incontournable aujourd'hui ajoute un avatar à son effigie dans le jeu. Bowie a déjà tout compris…

Dès lors, les multinationales du disques anticipent plus ou moins selon le degré de clairvoyance, des accords avec les sociétés de jeux vidéo. Les pontes de cette toute nouvelle industrie aussi. Et les bandes sons des jeux vidéo deviennent des enjeux stratégiques…
On ne sait ce qu'il adviendra de tout çà mais au-delà de cette instantanéité, de cette virtualité interactive et éphémère, de profonds bouleversements de nos habitudes sont en cours sans que l'on ne s'en aperçoive vraiment…

La nuit des temps

D'autre mondes, d'autres futurs, l'humain en rêve depuis la nuit des temps et la musique a toujours été un vecteur formidable pour errer, vagabonder dans l'espace-temps, le cosmos. À quoi rêvait Pythagore, 600 avant notre ère, quand il décrivait des astres en rotation immobile jouant une gamme musicale complète ?

Pendant longtemps la religion, les dieux, les anges, les démons occupaient invariablement les œuvres et les divagations musicales des artistes. Au XIXème siècle, l'époque romantique le fantastique et le surnaturel, la magie, les esprits viennent en contrepoint du rationnel dominant.

Avec le progrès des sciences, l'avènement de la philosophie des Lumières, puis l'industrialisation croissante, la technique de plus en plus omniprésente et centrale envahit les esprits des artistes et ce n'est plus Dieu mais l'homme qui se retrouve au centre. Après avoir dompté la nature, les hommes veulent désormais s'attaquer à l'univers, partir à la conquête de lointaines planètes, voyager dans d'autres dimensions.

Tout l'Univers

La technologie, l'électricité, influent grandement sur le développement des musiques populaires et, c'est flagrant, après la seconde guerre mondiale. L‘amplification, les guitares, les ordinateurs arrivent, les bandes magnétiques, les collages aussi. La musique électronique, les synthétiseurs. Les laborantins vont très doucement faire place aux créateurs.

En 1956, Bebe et Louis Barron, parmi les premiers à s'aventurer dans les bidouillages, à la demande d'un producteur d'Hollywood qui trouve que leur musique le transporte dans une autre dimension, réalisent la B.O. d'un film pièce maitresse du cinéma de science-fiction aujourd'hui, Forbidden Planet. Cette bande originale va laisser son empreinte sur tout un tas de de teenagers, et ce pendant plusieurs décennies, et jouer un rôle indéniable dans la propagation et la popularisation des musiques électroniques. Ils ne seront d'ailleurs, à l'époque, pas crédités comme musiciens mais dans la catégorie "sound-effect" à la demande des syndicats de musiciens professionnels. L'album de la B.O. ne sortira officiellement que près de 20 ans plus tard en 1977.

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En 1970, le célèbre auteur de science-fiction Robert Silverberg dans son roman Les Monades urbaines donne naissance à un personnage, Dillon, auteur d'une musique électronique planante. Quelques mois auparavant David Bowie donne forme à son célèbre alter ego Major Tom dans Space Oddity inspiré par 2001, L'Odyssée de l'Espace de Kubrick. Lui succéderont Ziggy et ses Spiders From Mars. La chanson devient emblématique puisqu'elle sert de générique à la BBC lors de la
retransmission de l'alunissage d'Apollo 11 en juillet 1969. Le personnage comme une fétiche ou balise ultime interrogera constamment les productions d'un tas d'auteurs à l'instar encore dernièrement de la jeune popstar anglaise Declan McKenna, son odyssée interstellaire, The key to life on earth et ses évidentes accointances revendiquées.

Le rock progressif, puis la musique new age, les B.O. synthétiques au kilomètre vont inonder les années 70 et 80. On fera beaucoup appel dans les années 70 aux groupes planants de musique électro comme Tangerine Dream et ses clones pour illustrer la multiplicité des séries B ou Z de SF. Les B.O à l'image des films apparaissent souvent boursouflées et kitch… Une comédie musicale parodique et grandiloquente le Rocky Horror Picture Show réussit en 1975 à se hisser hors de ce gloubi-boulga.

Quelques autres grandes réussites s'extraient de la masse aujourd'hui. C'est le cas très notable d'Alien ou du chef d'œuvre récent de Christopher Nolan, Interstellar (Hans Zimmer) dont les bandes originales contribuent largement aux climats anxiogènes et hors des mondes connus de ces films.

Heureusement, en pleine guerre froide au milieu des années 70, un groupe allemand, Kraftwerk sera le grand architecte et le guide électronique parfait pour une toute nouvelle génération à partir des années 80. Les sons électroniques et la matière pop produite par le groupe de Düsseldorf conduiront une multitude d'artistes à se saisir des ordinateurs dès que les avancées technologiques rendront possible leur utilisation domestique.

Kraftwerk avec Autobahn ou Computer World s'attelle à la critique du monde et la description d'un devenir d'une humanité empathique envers la machine et les robots. Les musiciens de Detroit entre autres, auront leur propre lecture de la réalité et de son échappatoire fictionnelle.

Au pays des merveilles

Le progrès scientifique, c'est aussi l'afflux massif des drogues notamment de synthèse. Celles-ci en plus de surgir dans des studios déjà embrumés, désinhibent les cerveaux et sont responsables de quelques-unes, pour ne pas dire toutes, des œuvres les plus remarquables de l'histoire du rock.

Après leur rencontre avec le livre de Timothy Leary, The Psychedelic Expérience, les Beatles créent Sergent Pepper's, abordent presque ouvertement des effets de la drogue (Lucy in the Sky with Diamonds, plus tard Come Together) et embarquent dans un Yellow Submarine. La quasi-totalité des artistes rock opèrent ce basculement dans les mondes merveilleux après 1966, résultats de nuits, de semaines entières en haute altitude. Certains ne se souviennent de rien de ce qu'ils ont bien pu y fabriquer… Jim Morrison donne le nom The Doors à son groupe en référence aux Portes de la Perception, livre de Aldous Huxley, auteur de la dystopie Le meilleur des mondes relatant son expérience avec les drogues. Ce que Lewis Carrol décrivait déjà dans Alice au pays des merveilles.

O combien la consommation des drogues a radicalement transformé les années 60... Tout le spectre de la pop culture d'après-guerre y a touché.
Apres l'euphorie viendront les excès, les addictions, les morts et musicalement les baudruches dégonflées succèderont aux folles échappées magiques et exubérantes. Bowie lui-même dans Ashes to Ashes en 1980 sonnera le glas et prononcera ses paroles terribles "We know Major Tom is a junkie"…

DUNE

Pendant que Philipp K. Dick et sa paranoïa s'abreuvait aux sons de Mozart ou Bach et s'enfonçait sous les substances illicites dans des romans dystopiques et psychédéliques. Alejandro Jodorowsky tentait d'adapter le chef d'œuvre fascinant de la SF de Franck Herbert, Dune. Le projet, colossal, en compagnie de Moebius, n'aboutit pas. La musique devait occuper une place de choix pour dépeindre ce monde imaginaire total bien avant le succès commercial et mainstream de Star Wars et sa célébrissimes musique symphonique de John Williams.

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Dans le Dune de 1984, le choix du groupe FM Toto ne fut en revanche pas la plus géniale des idées de David Lynch, mais presque tout fut raté dans cette adaptation.
Jodorowski lui, fit appel à des grands adeptes des fameux médicaments : Tangerine Dream, Magma, Mike Oldfield et surtout Pink Floyd. L'épice, au centre de l'intrigue du roman, comme le répète à l'envie Paul Atréides, le fils du Duc et futur Kwisatz Haderach, substance indispensable repliant l'espace afin de permettre les voyages intersidéraux, n'est-elle pas une métaphore de la consommation des drogues ? Il n'en reste malheureusement rien si ce n'est deux albums d'un membre de Tangerine Dream, Klaus Schults. Dans son dixième album ce dernier fait référence sur deux titres majeurs au roman et à ses personnages. Il sortira en 1979 un 11ème album du nom de Dune.

De nombreux essais ont été produits, notamment ceux de Richard Pinhas, des plus obscures groupes tels Z ou Eros et même de Iron Maiden dont un titre de leur album Piece of mind fait référence directe à Paul Atréides le héros du roman.

Dans le monde d'avant, nous serions aujourd'hui dans une attente frénétique du Dune de Denis Villeneuve censé sortir en ce mois de novembre 2020. Dans le monde d'après, on se consolera en visionnant le trailer du film avec le titre Eclipse de …Pink Floyd en guise de bande son et d'hommage à Jodorowski.

Un magnifique livre graphique proposé par le remarquable magazine Rockyrama et accompagné d'une non moins géniale compilation de titres orignaux inspirés par Dune de Gaspard Augé (Justice), Rob, Bernard Szajner (Zed), Étienne Jaumet (Zombie Zombie), Mondkopf et Ivort devrait continuer à entretenir le culte.

Comment ne pas faire un tour par le Japon et son cinéma d'animation, son avant-gardisme technologique. À la fin des années 90 la musique électronique commence concrètement à prédominer. Les enfants ayant passé leur après-midi devant les dessins animés japonais dans les années 80 expriment leur attachement et leur nostalgie vis-à-vis des maitres es de l'animation et du manga. Daft Punk rend directement hommage à Albator en signant le scénario et la bande son du film Interstella 5555 : The Story of the Secret Star System dont la réalisation est confiée à Kazuhisa Takenouchi le créateur d'Albator.

Daft Punk montrera aussi sa passion pour les jeux vidéo et la science-fiction en travaillant pour Disney sur la B.O. du second volet du film Tron, qui fit sensation à l ‘époque en 1982 dans l'utilisation des images de synthèse au cinéma.

On peut au passage se demander ce qu'auront pour résultat, les dizaines d'heures que passent les adolescents avec les sons entêtants de Super Mario ou de Legend of Zelda dans les oreilles

Abysses

Dans la droite ligne donc du courant mystique afro-futuriste, James Stinson et Gerald Donald forment à Détroit le duo Drexciya en 1989. Ils émergent à la même période que leurs camarades de Underground Resistance sur des aspects artistiques un poil différents. Ces derniers étant plus attirés par l'espace. Les identités des deux membres du groupe resteront d'ailleurs secrètes jusqu'en 2001. Autour des musiques électroniques, et des premières galettes de Juan Atkins et de Cybotron, ils ont tout le loisir de construire un univers entier et évolutif pendant une dizaine d'années. Leurs premières traces discographiques se situent en effet en 1992.

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À partir du Timée de Platon et du mythe de L'Atlantide qui attise les fantasmes depuis deux millénaires, James Stinson raconte une légende qui débute pendant la période de la traite atlantique. Les fœtus des femmes esclaves jetées à la mer, en raison de leur grossesse lors de la traversée, s'approprient la fameuse cité engloutie abandonnée, et la nomment Drexcya.
Sur une musique entre nappes électroniques minimales, techno, électrofunk, pop douce et liquide, chaleureuse ou inquiétante, rappée de spiritualité, de technologie, de culture noire, et fortement marqué par le black power. Au fil de sorties discographiques, une utopie sonore et instrumentale, suggérée plus que décrite se met en place.

En s'enfonçant dans les contrées subaquatiques, dans les abysses, Drexciya permet tout : c'est le noir des profondeurs et ses angoisses, mais aussi la limpidité, la fraicheur, la pureté, la luminosité des rayons du soleil sous la surface, et rappelle évidemment le rassurant liquide amniotique.

Drexciya dépasse aujourd'hui largement le statut de secret underground. Une communauté bien vivante sur toute la planète, échange et se retrouve pour faire vivre la légende. James Stinson, décédé en 2002, jouera aussi sous le nom de The other people place et Gerald Donald sous ceux de Arpanet et Dopplereffekt.

Drexciya était porté par la volonté d'établir la complexité d'un rapport au monde, d'exposer ses émotions, ses révoltes, exprimer sa révolte face aux injustices politiques, sociales et économique... Le format idéal étant pour eux, à travers une uchronie et un vecteur en prise directe avec son temps, de le transformer en objet pop, en une œuvre comme matière à dialoguer, à briser une réalité trop triviale à supporter.

Cosmos

C'était sans doute ce genre de considération qui animait aussi leur illustre et incontournable prédécesseur : Sun Ra, son Arkestra, et son œuvre monumentale. Né dans l'Alabama, pas le meilleur endroit pour s'épanouir en tant que personne de couleur, il sera, très jeune, membre d'une loge maçonnique noire et sera l'un des premiers objecteurs de conscience noir. Né Herman Blount, devenu musicien de jazz, il se nomme rapidement Sun Ra (sun : soleil en anglais et Ra le dieu égyptien du soleil).

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Après une carrière de musicien jazz assez classique, il fonde donc l'Arkestra à Chicago en 1953. Dès lors il se laisse partir sur des contrées que seul lui peut tenter d'apprivoiser. De son cerveau, les tempêtes et les fulgurances cosmiques vont alimenter plus de 200 albums.
Au be-bop des débuts, succèdent claviers électroniques, musique concrète, psychédélisme. Il expérimente de façon totalement libre et touche à tout, porté par une mystique personnelle dont il est l'ange, imprégné par la mythologie égyptienne et la science-fiction.

Il prétend avoir été capturé par les extra-terrestres en 1936 et sur Saturne, il aurait eu pour mission de vaincre le chaos par la musique. Un film sorti en 1974 Space in the place raconte son histoire : les personnages y visitent une planète destinée à être la terre refuge des afro-américains. Ce film est considéré comme fondateur de l'afro-futurisme. Sur scène, il apparait dès lors affublé de costumes extravagants, avec des casques métalliques le reliant au cosmos, ou en dieu Ra. Son aura est immense aujourd'hui. Il a ouvert les voies et les esprits pour l'immense majorité des esthétiques musicales contemporaines et son imagerie, du free jazz, du funk bien sûr, mais du punk, du rock indé de l'électro, de la pop mainstream jusqu'à Lady Gaga et Solange.

On ne peut s'empêcher de faire le lien et de voir à travers ces deux tentatives une forme de réponse comme refuge fictionnel face à l'hostilité du monde extérieur rencontré par Marcus Garvey, le Moïse Noir, qui militait pour le retour des descendants d'esclaves en Afrique et qui a inspiré le rastafarisme.

Horizons

De l'autre côté de l'Atlantique, en Europe, sans doute fortement nourrit par Drexciya, le duo Global Communication (Mark Pritchard et Tom Middleton) produit sous le pseudo Reload, cet album A collection of short stories. Passé relativement inaperçu en 1993 mais objet d'un culte souterrain tenace aujourd'hui, le disque accompagné d'un livret contenant une nouvelle de l'écrivain Dominic Fripp pour chaque morceau, a entrainé des nuits de rêveries cotonneuses et cosmiques pour un certain nombres de ses auditeurs.
Avec sa musique ambient électro futuriste, Reload est un stimulant extraordinaire pour les horizons lointains, les voyages sidéraux et autres failles spatio-temporelles.

Ces derniers mois, l'écrivain d'anticipation Alain Damasio, proposait en bonus de son livre Les Furtifs, alternative de ce "monde d'après", avec le guitariste Yann Péchin, une bande son Entrer dans la couleur qui se prolongera d'ailleurs sur scène un jour, peut être.

Hydrophone prend la tangente.

On plonge chaque semaine dans une thématique en lien avec l'actualité (ou non), avec comme terrain de jeu, les musiques actuelles, évidemment.
Et puis on écrit, on compile, on fait des playlists, on (re)découvre des livres, des films, des albums.

Le troisième épisode s'intéresse aux mondes parallèles, à leurs initiateur·rice·s et retrace une brève histoire des imaginaires à travers la pop music.

Tangente#2 : Pionnières et héroïnes, une autre histoire du rock'n'roll

Marion — 2020-11-13T11:32:44Z

Sans Nico que serait devenu le velvet ?

Cette petite provocation facile ne trouvera jamais de réponse irréfutable évidemment, mais peut pourtant nous engager à envisager sous un autre angle cette histoire linéaire du rock qu'on nous sert habituellement, d'en explorer les tréfonds, de sortir des limbes la genèse de cette musique qui nous trotte quotidiennement dans la tête depuis bientôt un siècle…

Ainsi si quelques musiciennes et chanteuses sont connues, reconnues et quelquefois en sont les stars absolues jusqu'à la caricature, d'autres, innombrables, sont restées dans l'ombre ou se sont trouvées effacées des manuels d'histoires par un système qui n'a voulu leur laisser pour place qu'un strapontin bienveillant…

Good old times

Cette sélection de 40 pochettes (en bas de page) essentiellement consacrée à la musique dites populaire, est centrée autour au rock'n'roll, de ses ancêtres et de sa descendance jusqu'à ses évolutions les plus pertinentes en ce début de XXIème siècle. Mais quelques destins de femmes du XIXème siècle méritent qu'on s'y attarde, car révélateurs pour (souvent) le pire et (parfois) le meilleur de ce que seront ensuite pour les femmes les fondements du développement marchand et industriel de la musique.

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Jouer de la musique n'était pas l'apanage des hommes au XVIIème et XVIIIème siècles. Savoir en jouer faisait partie de la panoplie indispensable de la femme d'abord dans l'aristocratie, puis dans la haute bourgeoisie mais exclusivement dans le cadre de la sphère privée. On considérât rapidement malgré des talents évidents qu'elles ne devaient pas en faire commerce.
Ainsi, Clara Schumann : si elle n'est pas totalement inconnue aujourd'hui, n'est que rarement associée aux grands noms de la musique classique du XIXème. Quand on prononce le nom de Schumann, on pense à Robert, son époux. Mais à l'époque, elle fut pourtant très célèbre et considérée comme un génie par ses pairs comme Mendelssohn, Paganini ou Chopin. Elle écrivit de multiples œuvres majeures, fit courir les foules à ses concerts. Et puis, elle rencontra son futur mari, abandonna la musique, pour se plonger comme il se doit dans la vie de famille, aida Robert, qui la jalousait, à accéder à la postérité. A la mort de celui-ci, elle retrouvera un peu de splendeur en prenant sous son aile et en propulsant la carrière d'un jeune compositeur du nom de Brahms…

Autre destin symptomatique et annonciateur des comportements et attitudes qui fabriqueront les légendes des célébrités, leur grandeur et leur décadence : celui de Alma Malher.
En cette fin de XIXème début du XXème siècle, on est encore loin des premières épopées du rock'n'roll. A Paris, Londres, Berlin, on se prosterne devant un totem du nom de Beethoven, personnage incarnant à lui seul le nouveau statut du compositeur dans la société. Il a complètement transformé le rapport à la musique en Europe. Ses partitions sont vendues en nombre, son visage est connu, c'est une star. Et beaucoup veulent accéder à la même gloire. Les rivalités cantonnées précédemment aux cours et alcôves de l'aristocratie se multiplient.
Dans la foisonnante Vienne intellectuelle et artistique, les balbutiements d'une révolution musicale voire même d'un futur star-system sont donc à l'œuvre. Comme le décrira Adorno, les mécanismes qui se développeront de façon accélérée et qui prévaudront dès le début du XXème siècle, se mettent en place avec l'arrivée de la technologie, les enregistrements, les moyens de diffusion et de production. Les compositeurs entrent en compétition, on construit des salles pour accueillir le public friand et de plus en plus massif, même s'il ne concerne qu'une élite bourgeoise. On y produit des formations de plus en plus conséquentes dans des salles de plus en plus grandes… Et le quatuor devient orchestre symphonique pléthorique afin de s'adapter à la demande...
A partir de la deuxième moitié du XVIIIème, on veut du spectacle, les egos s‘affirment, la critique se répand, la presse surenchérit, se fait féroce, on défend les prodiges nationaux : des hommes. Exclusivement… Forcément : les Mahler, les Schönberg…

Et pourtant l'épouse de l'une de ces stars va personnifier dans l'ombre ce que seront plus tard les Madonna, Beyoncé, Patti Smith ou Courtney Love, la femme dans la musique : la sorcière, la sulfureuse héroïne, la scandaleuse, la poétesse maudite, la femme éplorée, l'intrigante ou l'ombre fatale qui jalonnera l'histoire de la pop tout au long du XXème siècle et jusqu'à aujourd'hui.

Alma Mahler, femme du très respectable et prestigieux compositeur et chef d'orchestre, s'efface d'un commun accord avec son mari derrière la carrière de celui-ci. Elle compose des lieder, peint mais ne retient dès lors guère l'attention. Elle côtoie depuis son adolescence le monde artistique, à une amourette avec Klimt et rêve de gloire. A la mort de Mahler, elle fréquente assidument les artistes, et devient entre autres conquêtes la femme de Walter Gropius (le futur fondateur du Bauhaus), maitresse du peintre Oskar Kokoschka et du romancier Franz Werfel. Elle se veut la muse de tout ce petit monde et derrière un tempérament tour à tour excentrique ou dépressif mais aussi indépendant, énergique, passionné, narcissique, elle se rêve faiseuse de roi, manipule et arrive à ses fins en se trouvant au centre de l'attention. Elle fuit à travers l'Europe avant l'arrivée des nazis et, après la guerre, elle s'exile définitivement aux USA, d'abord à Los Angeles où elle acquiert le même statut qu'en Europe. Elle y est surnommée la « veuve des quatre arts » puis file à New-York, devient l'égérie de la communauté intellectuelle et artistique, conseille Léonard Bernstein entre autres, continue d'avoir une vie agitée et commentée. Elle restera dans l'imaginaire comme cette « star », cette femme puissante et redoutée du show biz, qui pourrait être le modèle lointain d'une Madonna, d'une Beyoncé ou d'une Victoria Beckham…

Print the legend…

L'histoire nous le répète à l'envie : le blues sera consacré au début des années 30 grâce à Robert Johnston lors de sa fameuse rencontre avec le diable à la croisée de 2 routes…
Soit ... Sauf qu'en réalité depuis déjà le début des années 20 ce blues était déjà porté par des personnages comme Mamie Smith, Ma Rainey, Bessie Smith avec un propos autrement plus subversif et revendicatif et au comportement disons-le "punk" avant l'heure. Elles remplissaient les salles, vendaient des disques par camions et étaient de véritables célébrités avant que leur histoire soit progressivement gommée….

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Quinze ans avant Robert Johnston, Mamie Smith enchaîne les blues aux revendications féministes, enregistre le premier blues afro américain, Et Ma Rainey s'affirme comme une femme libre au discours subversif, en dénonçant le machisme, les violences conjugales, défendant l'homosexualité, la différence des genres. Elle mène une vie transgressive et dissolue que ne renierait ni Cardi B ni Miley Cyrus. Avec le même tempérament sulfureux et des titres au caractère sexuel sans ambiguïté Bessie Smith de son côté vend 700000 exemplaires de son premier 45t Down Hearted Blues et sera l'artiste noire la mieux payée de son époque.
Les artistes féminines de blues sont d'ailleurs légions et dominent quasi exclusivement le marché du disque entre 1920 et 1927.

Les producteurs, financeurs, diffuseurs, critiques et programmateurs, eux sont des hommes. L'arrivée des artistes masculins à partir de 1929, va redéfinir la teneur des textes. Ceux-ci vont se transformer en histoires d'amours larmoyantes, alcoolisées et ratées Les revendications féministes disparaissent pour partir à la conquête d'un public plus large…
Cette histoire du blues naissant et de ses extravagantes interprètes possède aussi l'air de rien quelques similitudes avec celle d'une personnalité forte et hors du commun de ce côté-ci de l'Atlantique : une certaine Jeanne Bourgeois connue sous le nom de Mistinguett, présente sur les planches des 1894 en compagnie de son amant Maurice Chevalier, au destin épique d'espionne amoureuse, devient l'idole des parisiens au début du XXème siècle. Bientôt son aura traversera l'Atlantique à tel point que son titre Mon homme, chanson blues à la française de 1920 sera reprise par Billie Holiday. Mistinguett deviendra célèbre entre 2 guerres aux Etats Unis dans les cabarets et revues de Music-Hall...

Vont bientôt accéder à la postérité cette Billie Holiday, sa vie erratique, ses boires et déboires, puis plus tard Nina Simone. Mais les thématiques féministes s'effacent parfois derrière celles tragiques du racisme endémique dans le pays (Billie Holiday tête d'affiche des soirées devait entrer par la porte de service réservée aux noirs) ou plus existentielles pour Nina Simone.

Pionnières

Bis repetita, quelques années plus tard avec la véritable naissance du Rock'n'roll. Elvis le King, règne, on peut évoquer du bout des lèvres Bill Haley, d'autres légendes, mais qui connait aujourd'hui Sister Rosetta Tharpe ou Big Mamma Thornton ?
Ce sont tout simplement de réelles pionnières, admirées par leurs pairs masculins comme Little Richard, Muddy Waters ou Elvis Presley, populaires jusque dans les années 60 au Royaume-Uni notamment, mais tombées dans l'oubli ensuite.

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Si Erline Harris, à 17 ans, en 1949 signe le 1er titre comportant le terme ‘rock'n'roll', Sister Rosetta Tharpe, the Godmother of rock ‘n'roll, par le style musical, l'utilisation des solos de guitare et le comportement sur scène en dessine les contours. Elle est la première à ajouter de la guitare électrique au gospel, ce qui choque à l'époque. Un peu comme le fera Bob Dylan branchant sa guitare lors du fameux festival folk de Newport. Elle enregistre un titre nommé Rock me...

Big Mama Thornton, elle, fut en 1952, numéro 1 des charts pendant 7 semaines avec le titre Houndog, manifeste féministe, et 1er morceau que les musicologues ont qualifié d'authentique rock‘n'roll. Elvis Presley rependra le titre en 1956 en édulcorant nettement les paroles, pour en faire un hymne adressé aux teenagers dragueurs de drive-in. Il en vend en quelque mois 5 millions d'exemplaires. Le rock'n'roll est désormais en pleine lumière… bye bye Rosetta et Big Mama.

A la même époque, Maybelle Carter prend son indépendance vis à vis de la Carter Family et se fait connaitre avec son fameux jeu de picking venu des Appalaches. Il imprégnera quasiment toutes les ramifications de la musique populaire américaine ensuite. Des aventurières comme Bonnie ‘guitare' Buckingham et Ella Mac Horse vont creuser les sillons des fusions entre les genres country rhythm'n'blues et rock'n'roll. Les producteurs dans l'ombre observent.

Globalement le même schéma que pour les débuts du blues, implacable, se reproduit : un effacement (une censure ?) des revendications et des affirmations féminines. Avec un facteur supplémentaire l'avènement d'une nouvelle classe d'âge, la jeunesse, en tant que cible de consommation qui va s'approprier pleinement cette nouvelle musique. Et pour vendre des disques à cette jeunesse, il faut bien entendu lisser le discours et le rendre le plus accessible possible.

Wanda Jackson, peu farouche, insoumise et contestataire sur la condition féminine est, avant Elvis, the first lady of rockabilly, la reine du Rock'n'roll dont le 1er titre, la propulse, encore mineure, au firmament des nouvelles idoles de la jeunesse alors que le futur King pointe à peine le bout de son nez. Celui-ci, comme ses camarades Carl Perkins ou Jerry Lee Lewis s'inspire et redoute beaucoup celle qui l'accompagne en tournée. En 1954, elle remporte autant de succès que lui, mais Elvis finit par prendre l'ascendant auprès du public. Cependant les jeunes adolescentes américaines s'identifient pour la première fois à une chanteuse de leur génération. Wanda ne résiste pas à la pression, se laisse embarquer par les producteurs et polisse ses chansons pour plaire au plus grand nombre et rentre dans le rang. Wanda Jackson est réapparue en 2011 auprès de Jack White...

D'autres pionnières telles que Janis Martin aussi surnommée "the female Elvis" de manière pour le moins péjorative et condescendante, et Brenda Lee, talentueuse et en pleine ascension, se trouveront barrées par leur grossesse... On ne les reverra quasiment plus. Parallèlement on considère que la première chanson rock est l'œuvre d'une française, Magalie Noêl avec Fais-moi mal Johnny.

A la fin des années 50, le statut des femmes n'évolue qu'au rythme de la tortue. Les artistes féminines restent largement en dessous des radars. Le développement commercial de la pop culture nécessite encore plus une édulcoration de propos trop en décalage avec la morale et le conformisme. Les titres doivent avant tout refléter les affres de banales histoires d'amours adolescentes déçues.

Un autre détail est révélateur de la place des femmes : sur les pochettes de disques souvent n'apparaissent, pour les hommes, que leur visage en gros plan. Pour les femmes c'est le corps en entier, plus ou moins dévêtue avec les poses suggestives de circonstances, alimentant les fantasmes des jeunes hommes. Seul Elvis, dont le fameux déhanché, symbole de virilité faisait au minimum chavirer les filles, et exploser les salles de concerts se retrouve exposé de la même façon. Mais là aussi, petit détail : il a tout piqué à ...une femme, l'une de ses conquêtes, une certaine Tura Satana, qui le lui a enseigné…

Strapontins

Les premières années des années 60 voient enfin prendre forme une timide évolution. Les femmes dans les pays anglo-saxons commencent à accéder à quelques strapontins, et à obtenir un peu d'autonomie.

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On n'en est pas encore là avec les très populaires et très consensuels "Girls group" inspirés des artistes femmes de Broadway dans les années 20. Elles sont les instruments de producteurs comme le control-freak Phil Spector et son incroyable "wall of sound" ou Berry Gordy de la Motown. Des castings de chanteuses interchangeables enregistrent à la chaine des tubes dont quelques-uns sont des classiques absolus (Be my Baby, Stop in the name of love…). Ces chanteuses sont surtout considérées comme des comètes corvéables à merci qui ne feront que rarement carrière au-delà de quelques tubes hormis Diana Ross qui a su ne pas plier.
En parallèle, Florence Greenberg réussit à se faire une place au soleil, en créant son label. Productrice quittant son statut de femme au foyer à 45 ans, elle propulsera les Shirelles en tête du billboard. Ce sera le premier groupe afro-américain à y parvenir. Ce succès est aussi celui de Carole King, auteure compositrice talentueuse et prolifique qui obtiendra ensuite un succès considérable avec son album très personnel Tapestry au début des années 70.

Enfin dès 1962 on commence à voir émerger ce qu'on appelle (c'est tout nouveau pour l'époque) des "all female band", soit des groupes entièrement composés de musiciennes (sous la forme de quatuor pop rock guitare, basse, batterie, chant) alors qu'elles n'étaient précédemment cantonnées qu'au chant ou au rang de faire valoir. Les Shangri-las sont les premières à connaitre plus qu'un succès d'estime tout d'abord aux USA puis en Europe. Elles s'habillent de combinaisons de cuir noir, chantent la gloire du chef de meute (le tube The leader of the pack). En 1966, moins dociles, elles sont les premières depuis la guerre à faire entrer un titre qui évoque frontalement le viol.

Au même moment, les Beatles se retrouvent soudainement devant des hordes de fans hystériques Mais sur leurs deux premiers albums, ils reprennent quantité de titres d'artistes féminines. L'influence d'Elvis puis des Rolling Stones qui érotisent le rock ((I can't get now) satisfaction) ne remet toutefois rien en cause de la domination masculine, mais elle participe de la libération sexuelle de toute une génération qui explosera dès la deuxième partie des années 60. Et par la même offre aux jeunes femmes la possibilité de s'exprimer ouvertement de la même manière que les hommes. Le rock se noie malgré tout rapidement dans un conformisme musical et tend vers le mainstream. Il faudra attendre la fin de la décennie pour commencer à voir apparaitre des groupes rocks féminins underground et féministes revendiqués, radicaux et militants comme Ace of Cups.

Empowerment

Au mitan des années 60 du côté des afro-américaines émergent quelques fortes personnalités, aux côtés de l'incontournable Aretha Franklin et son fracassant Respect. Des artistes comme Nina Simone bien sûr, Rusty Warren, Roberta Flack, Etta James portent haut les couleurs des femmes et des revendications, pas seulement féminines. Elles interrogent aussi le racisme de l'Amérique au moment où la lutte pour les droits civiques s'organise.

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Odetta, symbolise cette lutte des droits civiques et de l'émancipation féminine. Elle chante l'un de ses morceaux phares lors de la grande marche de Washington en 1963, va participer au festival de Newport. Elle ouvre ainsi une autre voie moins perceptible que la pop, aux frontières du blues, de la country, du jazz et de la folk music, avec des songwriteuses subtiles à l'instar de Joan Baez. Cette dernière au caractère et à l'indépendance affirmée, n'a plus peur de s'affranchir des codes en vigueur.
Joan Baez va contribuer à conscientiser, politiser, et mettre du relief, de la poésie dans ses aspirations. Au passage elle chaperonne en ce sens Bob Dylan. Elle montera seule sur scène devant les gigantesques foules dans les plus grands festivals dont le point d'orgue sera Woodstock en 69.

Ces "folkeuses" prendront de plus en plus d'importance montrant le chemin et créant des vocations multiples autour de personnalités très fortes et farouchement libres. Elles provoquent enfin un basculement définitif vers une véritable scène féminine exprimant la parole des femmes et plus largement l'évolution des mœurs. Brigitte Fontaine, virulente interprète, perce en France et aura un rayonnement international.

Comme pour les autres domaines de la société, rien n'est gagné mais désormais les femmes font partie du paysage musical. Elles n'ont plus peur, l'industrie commence à croire en elles. Joni Mitchell, Marianne Faithfull, construisent des carrières, Nancy Sinatra, Helen Reddy, chacune dans son style suivent le mouvement.

Décomplexées

Pendant que sur la côte ouest, Jim Morrison lance qu'il n'y a pas de place pour les filles dans un groupe de rock, la contreculture hippie, à la fin des années 60, fait son œuvre. Pour les femmes, en musique la donne change enfin sur beaucoup de choses. Elles sont notamment moins soumises aux impératifs de la beauté plastique.

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Mama Cass des Mamas & the Papas est une figure du mouvement hippie. Elle se moque, dans ses paroles, de son physique. Janis Joplin, au tempérament de feu se comporte comme les plus déjantés de ses comparses masculins sans se soucier de son apparence ni des conséquences heureuses et malheureuses de la vie de rock star.

Ces filles sont ouvertement les leaders de leurs groupes qu'elles mènent à la baguette aux sommets des hit-parades.

Grace Slick, aux commandes, elle aussi, devient un modèle de rébellion contre le rôle assigné de belle jeune fille devenue top model et embarque le Jefferson Airplane, son groupe, jusqu'au statut de fer de lance de la contre-culture.
Les propos évoluent, ces femmes adoptent une nouvelle posture et refusent de genrer la musique et de ne parler que de revendications féministes. C'est un nouveau tournant et un progrès pour beaucoup de musiciennes pour leur acceptation.

La prodigieuse batteuse du Velvet Underground, Maureen Tucker se construit en marge, une vraie respectabilité auprès de ses pairs. Tout comme un personnage de l'ombre du nom de Carole Kay. Bien qu'on puisse aussi avoir une pensée pour Viola Smith, décédée en octobre 2020 à l'âge de 107 ans, première grande batteuse professionnelle à la carrière très riche, Carole Kay, guitariste et bassiste hors-pair, fut membre du célèbre "wrecking crew" (une équipe de musiciens de studios). Elle participe à toutes les aventures musicales, des années 60 aux années 80 (que ce soit pour le Good Vibrations des Beach Boys, pour les divas souls, les girls group, Zappa, Ray Charles ou Barbara Streisand. Elle exerçait encore au début des années 2010 et compte plus de 10 000 enregistrements.

Il existe par ailleurs des parcours singuliers et aventureux tout au long du XXème siècle, sur des pentes musicales plus expérimentales et obscures, mais tout aussi important comme ceux d'Eliane Radigue ou Clara Rockmore, actrices majeures dans l'évolution de la musique électroniques dès les années 50 et 60. Clara Rockmore deviendra la grande vulgarisatrice et virtuose du thérémine qui va infuser dès les années 50 dans tous les films de SF et d'horreur. Films que regarderont assidûment à la télévision les futurs bricoleurs de l'électro. Son jeu mélodique et poignant impressionnera quantité de musiciens et groupes qui produiront des œuvres majeures comme le Deserter's song de Mercury Rev.

Citons aussi Wendy Carlos, transgenre assumé et ses albums indispensables de musique électronique.

Rock on.

Vont s'engouffrer tous azimut des groupes de "rockeuses", à destination d'un public plutôt masculin mais avec un discours relativement rebelle, du moins en apparence, en adoptant les vies de rockstar de leurs homologues masculins, en tournée, sur scène et sur disque. Elles font partie du paysage et n'effraient plus vraiment.

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Suzi Quatro et ses hymnes glam montrent la voie. Que vont habilement prendre les Runaways de Joan Jett (auteure de l'hymne I love Rock'n'roll) et Cherry Curry autour du producteur Kim Fowley. Les Runaways chantent en 76 I wanna be there the boy are... Ces femmes jouent les bad girls et tendent de plus en plus vers le heavy rock. Arrivent sur ces traces des stars de la radio, Pat Benatar, Linda Rondstad.
Ces artistes vont cependant se retrouver rapidement piégées dans un middle rock FM à vocation commerciale, au propos artistique peu pertinent et a l'intérêt déclinant au milieu des années 70. Aujourd'hui seuls quelques titres ont encore un semblant de notoriété.

Deux personnalités aux trajectoires opposées surnagent et deviennent les plus grandes vendeuses de disques des années 70.
Vêtue d'une jupe froissée, d'un châle, de mitaines, Stevie Nicks intimidante et éminente membre de Fleetwood Mac, mit en scène sa vie et ses excès en tous genres. Prenant le pouvoir au sein du quatuor, elle produisit des chansons intemporelles pour beaucoup d'américains mais eu un impact aussi en Europe, avec deux albums considérés comme des chef d'œuvre du folk-rock US. Son apparence vestimentaire très étudiée fit courir des rumeurs sur son appartenance aux WICCA, secte inspirée par la mythologie médiévale, la sorcellerie, ses pratiques déviantes et à la sexualité libérée.

Paul McCartney déclara un jour que Karen Carpenter fut la plus grande chanteuse de l'histoire de la musique. Elle qui fut aussi une batteuse douée, incarna l'opposition parfaite à l'ère flower power et psychédélique finissante. Elle était dans l'imaginaire, à son corps défendant, l'Amérique middle-class conservatrice, blanche et réactionnaire et déjà nostalgique des suburbs. Le succès des Carpenters fut immense et les ondes furent envahies de ces tubes sirupeux et rassurants pour un pays en plein doute, entre scandale du Watergate et enlisement dans la guerre du Vietnam. Pourtant dans cette voix fascinante, on sent la fragilité et l'angoisse. Sous le vernis se joue le drame intime de la petite fille pop décorative trop écrasée par la pression et un destin trop grand pour elle. Dans les années 90, la fine fleur de l'indie rock (Sonic Youth, Grant Lee Bufffalo, Sheryl Crow) lui rendra hommage sur un magnifique album de reprises If I were a Carpenter.

Women have the power.

Sous l'influence des rockeuses des débuts seventies, mais dans les marges, une nouvelle génération prend subitement le pouvoir dans le sillage et même à l'avant-garde du punk naissant.

Car l'étendard qui rassemble tout le monde derrière elle se nomme Patti Smith. Elle brandie de manière vivifiante dans ses textes des revendications sociales, s'insurge littéralement contre le sexisme, le racisme. Entourée d'un groupe composé d'hommes et avec son album Horses elle est considérée comme la "mère du punk" et suscite de nombreuses vocations aussi bien auprès des femmes que des hommes.

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La vague punk comprend sa cohorte conséquente de groupes féminins aux propos crus, provocateurs qui remuent l'establishment notamment en Angleterre. Les Slits et leur penchant tribal apparaissent fièrement quasi nues sur la pochette de leur 1er album en signe de liberté assumée. Siouxsie et ses Banshees lors d'une interview télé laisse se dévoiler un aspect peu reluisant du célèbre présentateur… X Ray Spex et son cinglant Oh Bondage ! Up yours (la servitude ça suffit), Poison Ivy, au sein des sulfureux Cramps, peu reconnue à sa juste valeur de guitariste s'affranchit de toutes les règles sur scène.

Les questions raciales et de genres, sont récurrentes avec ces artistes. De puissantes femmes comme Debbie Harry, mais aussi la plus radicale Lydia Lunch, et sa hargne inédite qui repousse toute limite, ou la médiatique Nina Hagen en Allemagne s'adressent aux jeunes filles de façon extrêmement virulente pour dénoncer le machisme, les préjugés, le harcèlement sexuel… Le punk permet à Chrissie Hynde et ses Pretenders, d'être la première à évoquer franchement la maternité et le rôle de mère.au foyer dans une chanson rock.

La présence des femmes est dans les années 80 désormais avérée. Kate Bush, Annie Lennox, Suzanne Vega ou Sade sont dépositaires de l‘héritage punk mais en 1992, une prestation de Sinead O Connor au Saturday Night Live marquera un arrêt brutal des propos trop progressistes ou encore trop subversifs. Elle dénonce en direct, à la surprise générale, l'hypocrisie, la pédophilie au sein de l'église et déchire une photo du Pape Jean Paul II. Le scandale est immense.

Mainstream

C'est le moment où, dans une société capitaliste, la consommation de masse est triomphante au sein de la pop culture, que Madonna apparait comme l'archétype de la star féminine pour les décennies qui vont suivre. Elle fait ses classes dans les marges punk et disco de New-York, sachant user de la provocation avant d'obtenir le statut de superstar planétaire. Elle ouvre ainsi une autoroute ambiguë pour des années 90 entre sincérité surjouée et marketing… Elle précède le succès de Britney Spears, des Spice Girls (le fameux "girl power" des années 90), de Mariah Carey ou de Shakira, toutes avec des aspirations musicales relativement superficielles, plus ou moins aux mains de producteurs peu scrupuleux, et portant un féminisme intéressé, tout en assumant une hyper sexualisation du corps comme jamais auparavant.

Riot Grrrl - Féminisme, punk et indie rock fin de siècle.

On tourne en rond. Heureusement, 70 ans après les débuts des blueswoman, en 1991 et à l'ombre d'idoles féminines sans aspérités trustant les charts, un mouvement DIY, du nom de "Riot Grrrl"s veut relancer un esprit rendant "le punk plus féministe et le féminisme plus punk". Ce groupuscule éphémère finalement se révèle avec le recul comme vital car il a essaimé et autorisé l'émergence d'une nouvelle génération de musiciennes autour de Bikini Kill, Sleater Kinney. Il inspire de futures icônes indie-rock à l'histoire mouvementée et essentielle comme Pj Harvey, Courtney Love, The Breeders, Kim Gordon ou L7 qui se verront plus ou moins associées à ce mouvement.

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Les Riot Grrls ont redonné un coup d'accélérateur à l'évolution de la place des femmes. Elles seront pareillement incitatrices dans le contexte américain, du "Freedom for choice" au sujet du droit à l'avortement…

Dans cette lignée, une autre figure aura une grande influence sur des nouvelles esthétiques plus récentes et longtemps inaccessibles aux femmes comme l'électro et le rap. Björk baignée toute petite dans des communautés hippies va aiguiller les jeunes filles vers les machines… Presque au même moment et dans la même communauté artistique Neneh Cherry se crée une place de choix entre influences, rap soul, musiques africaines et électro dans le sillage du militantisme global de Massive Attack.

En hip-hop c'est compliqué, encore plus que dans la soul, avec des rappeurs glorifiant la virilité, la violence, les filles et l'argent facile mis en scène à longueur de clips, mais Queen Latifah et Miss Dynamite prouveront qu'on peut tenir tête à ces sulfureux machos et développer un ton moins vide de sens, plus politique, revendicatif et féministe militant.

Dans la parfaite lignée des Riot Grrls, au milieu des années 2000, une dénommée Beth Ditto parvient a résumé 30 ans de rock féminin de Mama Cass à Pj Harvey et Björk en passant par Patti Smith et se reconnait comme l'épicentre de la parole des femmes. Avec The Gossip, au succès mondial retentissant, elle porte aussi l'affirmation de l'acceptation du corps, la question du genre, des normes sexuelles et des aspirations légitimes.

The New Normal

Malgré une régression du nombre d'artistes solo féminin dans les charts, un nombre conséquent de femmes obtient un succès significatif, notamment en rock, en opposition à l'hypersexualisation et l'outrance des surenchères provocatrices de Rihanna, Beyoncé ou Lady Gaga, même si ces dernières parviennent à glisser une dose de féminisme auprès des jeunes adolescentes.

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Des filiations se sont tissées tout au long des années 90 et 2000 jusqu'à aujourd'hui. Depuis quelques années on voit l'éclosion d'artiste émancipées, libres, et indépendantes, avec une notoriété certaine, comme Aldous Harding, Angel Olsen, Weyes Blood, Sharon Von Etten, Adrianne Lenker… On ne les compte plus…
Un festival espagnol mondialement renommé, le "Primavera Sound" baptise sa programmation avec le nom "The New Normal" pour signifier la présence de ces artistes femmes dans la programmation à égalité avec les hommes.

Pareillement, cette indépendance se retrouve dans les musiques électroniques ces dernières années avec l'arrivée de dj stars (on ne parle heureusement plus de djettes) comme Paula Temple, Miss Kittin, Nina Kravitz, Helena Hauff, Black Madonna. Dans les domaines les plus avant-gardistes des artistes africaines comme Deena Abdelwahed et Fatoumata Diawara sont désormais incontournables.

La sélection de 40 pochettes de disques :

Ma Rainey

Bessie Smith - Empress of the blues

Sister Rosetta Tharpe - Gospel Train

Billie Holiday - Lady in satin

Peggy Lee - Fever

Wanda Jackson

Nina Simone - At town hall

Joan Baez

Ike & Tina Turner - River Deep Mountain High

Aretha Franklin

Jefferson Airplane - Surrealistic pillow

Nico - Chelsea girl

Brigitte Fontaine - Comme à la radio

Carole King - Tapestry

Joni Mitchell - Blue

Janis Joplin - Pearl

Helen Reddy - I am a woman

Patti Smith - Horses

Suzi Quatro - Suzi Quatro

Clara Rockmore - Theremin

Fleetwood Mac - Rumours

The Runaways

Blondie - Parallel Lines

Marianne Faithfull - Broken english

Siouxsie & the banshees - The Scream

The Slits - Cut

Lydia Lunch - Queen of Siam

Neneh Cherry - Raw like sushi

Queen Latifah - All hail the queen

PJ Harvey - Dry

Bikini Kill - Huggy Bear

Hole - Libe through this

Sleater Kinney - Call the doctor

Missy Elliott - Supa Dupa Fly

Peaches - The teache of peaches

Amy Whinehouse - Back to Black

The Gossip - Standing in the way of control

Aldous Harding - Designer

Angel Olsen - All Mirors

Weyes Blood - Titanic Rising

Hydrophone prend la tangente.

Le deuxième épisode propose une autre histoire du rock'n'roll, celle de ses pionnières et de ses héroïnes, oubliées parfois.

Tangente#1 : United States of The Boss

Marion — 2020-11-06T13:41:41Z

Born in the U.S.A.

En France, lors des meetings de campagne de l'UMP en 2008 et 2009, le parti de Nicolas Sarkozy utilisait allégrement le tube Kids du groupe MGMT, histoire de donner un coup d'enthousiasme juvénile à son électorat. Sans autorisation. MGMT, n'ayant que peu apprécié la démarche, attaque en justice et gagne son procès. Anecdotique. Cela a fait quelques lignes dans certains journaux.

En France les ayants droits peuvent refuser l'utilisation quel qu'elle soit de l'un de leurs morceaux. Il n'y a pas non plus, d'enjeux particuliers ou de débats enfiévrés, autour des chansons populaires. La musique n'y occupe pas une place considérable.
En tout cas beaucoup moins que dans des pays comme les Etats-Unis ou sa présence dans toutes les strates de la société est plus viscérale. Et évidemment dans le cadre du bipartisme politique systémique, les élections présidentielles sont des moments où tout se cristallise.

On a ainsi beaucoup vu Donal Trump danser au son de YMCA des Village People ces dernières semaines... Et Les auteurs ne peuvent rien faire pour l'en empêcher (on peut d'ailleurs y voir paradoxalement une pointe de nostalgie de sa part lui qui fut propriétaire et qui a financé les clubs discos et gays de sa ville, New York, dans les années 70).
Comme actuellement, les artistes aussi bien les acteurs et réalisateurs d'Hollywood, les musiciens de tous horizons, et qu'à un degré moindre ou en tout cas moins audibles, les écrivains, n'hésitent pas à s'engager, à donner de la voix pour soutenir l'un ou l'autre des candidats. Surtout démocrates d'ailleurs. En début de campagne Les Strokes ont par exemple joué l'un de leur premier concert du comeback en ouverture d'un meeting de Bernie Sanders.

Un instant médiatique amusant et signifiant qu'on n'imagine pas chez nous où les goûts musicaux des candidats restent dans domaine privé, est à observer outre-Atlantique. S'il ne fut pas le premier président à le faire, Barack Obama a fait entrer dans une nouvelle ère la place de la musique pop dans la politique. Il a publié, lors de ses campagnes et ses présidences et publie toujours très régulièrement, sur les réseaux sociaux ses fameuses playlists. Y figurent aussi bien Jay-z et Beyoncé, que des standards du jazz et de la soul, les tubes rocks d'Arcade Fire, et les dernières pépites pop. Elles ont contribué à lui donner cette image pop très moderne avec au passage quelques travers : son côté très politiquement correct, l'enjeu commercial et la reconnaissance internationale induite, pour certains artistes, qu'elle a pu devenir.
On se souvient de la présence plus ou moins trouble et gênante de Frank Sinatra soutenant le candidat John Fitzgerald Kennedy.
En ce moment on assite à celle, disons embarrassante, esseulée et de manière de moins en moins convaincue, aux côtés de Donald Trump, de Kayne West (il est devenu aussi candidat « parasite »).
Mais si les stars de la country inconnues en Europe peuvent avoir une légère influence notamment du côté républicain, c'était le cas sur les précédentes élections et cela se vérifie dans les sondages cette fois-ci, l'impact du soutien des artistes pop pour l'un ou l‘autre candidat est quasi nul sur les votes définitifs des électeurs.
Pour preuve si toutes les stars du showbiz appellent à voter démocrate, que les hyper médiatiques Lady Gaga, Cardi B, Billie Eilish, ou Taylor Swift et ses 140 millions d‘instagrammeurs s'époumonent sans relâche à faire le bon choix, il faut quand même bien se rendre compte que chaque électeur reste sur ses positions, et qu'on n'en perçoit aucune trace dans les sondages ou les résultats lorsqu'elles s'expriment.
Au-delà de ces péripéties comico-tragiques ou consternantes qui jalonnent les élections, la musique populaire américaine, ses courants et certains titres témoignent eux d'enjeux vitaux et participent d'une histoire gravée au plus profond de la psyché américaine.

... Ainsi le célèbre Born In the U.S.A.

Il a cette année, resurgit une fois de plus dans les médias français comme fond sonore ou générique des émissions spéciales élections U.S.

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Ce morceau est né il y a 36 ans. Il a, dès sa parution en 1984, à son insu, symbolisé de façon limpide, les incompréhensions, les fractures naissantes, béantes aujourd'hui, de la société américaine. Les Etats-Unis sont à l'époque, à la sortie de terribles années 60, après la fin tragique et violente des Kennedy et de Martin Luther King, englués dans le Watergate, le Vietnam… L'Amérique est à la recherche de ses nouveaux héros, de sa fierté … L'arrivée au pouvoir de Ronald Reagan en 1980 annonce le néolibéralisme triomphant, la transformation d'ex-hippies en yuppies, avec tous les autres sur le bas-côté de la route.

Le titre, repris à tue-tête par tellement de personnes à travers le monde, y compris ici, par ceux qui mythifient les U.S.A. Il fleure bon, le pays des cowboys, de la route 66, le baseball et ses casquettes, ou le foot US et ses barbecues, ses drapeaux, son patriotisme. La pochette de l'album dont est issu le titre ne peut qu'attiser les ambiguïtés. On y voit le boss, de dos, en jean, t-shirt et casquette dans la poche arrière, face à ce qui semble être la bannière étoilée. Avec 20 millions d'albums vendus c'est le plus grand succès de Springsteen et son album le plus commercial, le plus rock, bourrin, dirons certains…
L'album sera d'ailleurs mal perçu et sera dénoncé pour son impérialisme supposé de ce côté-ci de l'atlantique, notamment en France où la critique sur l'Amérique est toujours prompte à se manifester.
Les circonstances favorisent l'appropriation par la frange conservatrice du titre. L'album Born in the U.S.A succède à la place de numéro 1 des charts a Thriller de Michaël Jackson… Avec tout ce que cela peut supposer dans la tête de l'Amérique blanche qui va se rendre dans les urnes en 1984.
Pourtant, à l'origine Born in the U.S.A est une nouvelle protest-song créée comme à chaque fois, à la guitare acoustique. Bruce Springsteen est à l'aube de la sortie du disque un auteur reconnu pour des albums splendides, sombres et aux paroles introspectives et incisives. Il incarne la quintessence, le parfait assemblage de ce qu'a produit la musique populaire américaine, son acte de bravoure commercial étant le fédérateur Because the Night chanté en 1978 par Patti Smith… De Greeting from Ashbury Park, N.J sorti en 1973 à Nebraska en passant par The River ses chansons décrivent subtilement et humblement la vie, les joies simples et les désillusions des classes populaires des banlieues américaines, et des perdants des Etats-Unis. Le plus récent The ghost of Tom Joad (inspiré du roman Les raisins de la colère de Steinbeck en 1939) raconte la vie des ouvriers mexicains dans le sud du pays. Bruce Springsteen est encore, près de 40 ans après ces chefs d'œuvres, l'un des rockeurs les plus populaire au monde.

Cette nouvelle chanson ne déroge donc pas aux préoccupations humanistes du Boss, traduit son dégout et dénonce de manière virulente la guerre absurde du Vietnam dans laquelle meurent des milliers de jeunes soldats… Dès sa sortie, les Républicains s'emparent de ce nouvel hymne pour leur campagne malgré les véhémentes protestations de Bruce. Ronald Reagan très actif vis-à-vis de la contre-culture hippie dès les années 60 a vu dans ce rockeur un allié de circonstance bienvenu. Il le cite dans ses discours : « L'avenir de l'Amérique réside dans mille rêves à l'intérieur de nos cœurs. Il repose dans le message d'espoir des chansons d'un homme que beaucoup de jeunes Américains admirent : Bruce Springsteen, l'enfant du New Jersey. Et vous aider à concrétiser ces rêves est mon travail. »
Hypocrisie certes, mais on cerne là les contours des abysses d'incommunicabilité qu'on voit plus que jamais exploser en 2020.
Les Bush père et fils et les candidats républicains, encore récemment jusqu'à Trump (avec parcimonie), tourneront autour du morceau sans vraiment comprendre ou en feignant de ne pas comprendre le sens réel de ces paroles. Car lors des meetings seul le refrain est diffusé, on oublie facilement les couplets… Jusqu'à aujourd'hui vont alors subsister deux façons d'appréhender ce que représente Born in the U.S.A. Malheureusement la malédiction a atteint un point de non-retour lorsque l'on apprit que le morceau était l'un de ceux les plus diffusés en boucle en guise de torture psychologique aux détenus par les tortionnaires à Guantánamo.
Le mal est irréparable et la colère rentrée de Springsteen ne s'apaise pas. Il ne joue plus depuis les années 90, ce titre en concert qu'une version acoustique et sans les arrangements rock épique qui ont fait son succès.
Bruce Springsteen va parallèlement s'impliquer et s'afficher constamment aux côtés des candidats démocrates. Dans les années 2000 John Kerry choisit un autre de ses titres No Surrender. En 2016, il apporte son soutien à Hillary Clinton. Ce qui fera dire à Donald Trump que cette fois-ci il n'avait pas eu besoin de ce ‘little' Springsteen pour l'emporter…
Le même Donald Trump s'est mis à diffuser lors de ses grandes messes préparatoires, en 2019, des titres de Neil Young… Là aussi choix étrange, car Neil Young au regard de son engagement militant depuis le milieu des années 60 ne possède rien en commun avec l'Amérique voulue par Trump.
Neil Young « ne peut, en son âme et conscience, permettre que sa musique serve de support à une campagne d'ignorance et de haine, conflictuelle et antiaméricaine »,
D'autres artistes vont se plaindre du même traitement mais sans la même portée symbolique des luttes sociales et politiques. D'autres s‘impliquent totalement à l'image d'Arcade Fire groupe emblématique de Montréal mais dont le leader est américain d'origine : le 4 novembre 2020, Arcade Fire a dévoilé en direct à la télévision lors d'une soirée spéciale élection et en arborant des t-shirts pro Biden, son nouveau single…

Extrait de Born in the U.S.A

Got in a little hometown jam

(Je me suis retrouvé dans une embrouille en ville)

So they put a rifle in my hand

(Ils m'ont mis un fusil dans les mains)

Sent me off to a foreign land

(M'ont envoyé dans un pays lointain)

To go and kill the yellow man

(Pour aller tuer l'homme jaune).

Hydrophone prend la tangente.

On commence la série du côté des States.